Diane Keaton: 10 filmes essenciais
A esposa original da máfia, a excêntrica pioneira da comédia romântica, a autora feminista do início do século XX, a mulher moderna do final do século XX navegando tanto pela turbulenta “década do eu” quanto pelos anos 1980 do “você pode ter tudo” — esses papéis poderiam ter sido memoráveis nas mãos de inúmeros atores. Diane Keaton os tornou icônicos.
Desde seu papel de destaque em O Poderoso Chefão até sua inesquecível interpretação de uma dramaturga que navega por traiçoeiras águas românticas em Alguém Tem Que Ceder, Keaton — que faleceu ontem aos 79 anos — nunca deixou de adicionar profundidade, humanidade, força e um senso de vulnerabilidade a cada personagem que interpretou. Aqui estão 10 de nossas performances favoritas da grande e saudosa atriz.
O Poderoso Chefão (1972)
Quando a maioria das pessoas menciona este marco imponente dos anos 1970 — a fusão perfeita entre a amplitude da velha Hollywood e a garra da nova Hollywood — elas falam de Brando, Pacino, Coppola, as citações intermináveis que permanecem parte do léxico pop (“Eu vou fazer uma oferta que ele não pode recusar”). Diane Keaton geralmente não é a primeira pessoa a ser mencionada, mas não se engane: ela é uma parte absolutamente essencial desta obra-prima americana.
Sua personagem, Kay Corleone, não é apenas a substituta do público, observando a cultura e os costumes deste clã ítalo-americano da perspectiva de uma estranha e, assim, nos permitindo entrar também nesse mundo. Ela é o centro moral do filme, aquela que confronta Michael Corleone por barganhar sua alma e fazer tudo ser sobre negócios em vez de ser pessoal. Até mesmo a insistência de Kay de que “senadores e presidentes não mandam matar pessoas” (quem está sendo ingênua agora, Kay?) sugere uma visão otimista do mundo que neutraliza a realidade violenta da mentalidade da máfia de seu namorado. Sua leitura daquela frase diz tudo. E quando aquela porta é fechada para Kay na cena final do filme, Keaton garante que você veja a perda no rosto de Kay.
Ela reprisaria a personagem com grande efeito em O Poderoso Chefão: Parte II — sua cena “isso tudo tem que acabar” permanece absolutamente devastadora — e retornaria para a Parte III décadas depois. Mas seu papel de estreia no cinema estabeleceu Keaton como alguém que seguiríamos para qualquer lugar. Vê-la era uma oferta que nunca poderíamos recusar.
Noivo Neurótico, Noiva Nervosa (1977)
Keaton foi escalada ao lado de Woody Allen na produção teatral original de 1969 de Play It Again, Sam (Sonhos de um Sedutor), que marcaria o início de um longo relacionamento romântico e de uma colaboração profissional ainda mais longa e indelével. Seu trabalho contracenando com o ator-diretor na versão cinematográfica de 1972 dessa comédia que idolatra Humphrey Bogart, bem como em O Dorminhoco (Sleeper, 1973) e Guerra e Paz (Love and Death, 1975), ajudou a estabelecê-la como uma comediante de primeira linha e a parceira perfeita para o desajeitado e eterno nebbish (indivíduo patético e inseguro) de Allen.
No entanto, foi o tributo de Allen a Keaton em 1977 que a transformou em uma estrela de cinema de boa-fé. A partir do momento em que ela profere a frase característica de Annie, “La di da” — um termo que Keaton pegou de seu próprio repertório de frases da vida real —, ficamos tão encantados por esta nova-iorquina maluca, adorável e neurótica quanto Alvy Singer.
As roupas por si só foram suficientes para tornar a personagem-título um ícone e impulsionar uma tendência de moda de ternos folgados e chapéus flexíveis. No entanto, é a maneira como Keaton transforma uma intelectual boba (ou talvez seja uma intelectual desajeitada?) em uma mulher moderna tridimensional e totalmente desenvolvida. O papel lhe rendeu um Oscar, e Keaton continuaria a trabalhar esporadicamente com Allen nas décadas seguintes. Mas este permanece como o auge tanto de seu trabalho conjunto quanto da era de “It Girl” de Keaton nos anos 70. La di da, de fato.
À Procura de Mr. Goodbar (1977)
“Prefiro ser seduzida a confortada”, diz Theresa Dunn, a professora interpretada por Diane Keaton, a alguém no início da adaptação de Richard Brooks para o best-seller de Judith Rossner — e sua personagem passará o resto do filme procurando o Sr. Certo (ou o Sr. Serve-Para-Esta-Noite) em busca tanto de sedução quanto de conforto.
Visto hoje, esta abordagem à então crescente tendência dos bares de solteiros parece datada em todos os sentidos, exceto pela performance extraordinária de Keaton. Ela consegue fazer com que Dunn pareça tanto um símbolo representativo de toda mulher tentando navegar em águas sociais agitadas, quanto o tipo de mulher comum que você veria no metrô.
Sério, nomeie outro ator por volta de 1977 que poderia se manter firme contra um maníaco Richard Gere usando um suspensório atlético, agitando os braços enquanto segura o que parece ser uma faca cor fluorescente! Keaton faz você sentir a solidão e a esperança dessa mulher sem fazê-la parecer lamentável ou desesperada; o jogo de emoções que transcorre em seu rosto durante aquela sequência com Gere, ou quando ela percebe que o último encontro que leva para casa é menos estável do que imaginava, entrega tudo sem dizer uma palavra.
Reds (1981)
Vendido como um épico drama romântico histórico, este retrato do ativista comunista do início do século XX, John Reed, tinha a grandiosidade de …E o Vento Levou ou Doutor Jivago. Mas nem Vivien Leigh nem Julie Christie tiveram um papel tão substancial quanto o que foi dado a Diane Keaton pelo diretor Warren Beatty — o da autora feminista Louise Bryant, que se apaixona por Reed, mas nunca perde sua ardente independência no processo.
Após uma década ganhando aclamação nos filmes de O Poderoso Chefão e como musa frequente de Woody Allen, Keaton encontrou uma nova marcha aqui, exibindo um intelecto cortante que estava muito distante das personagens mais suaves e doces de sua carreira anterior. No entanto, a desafiança de Bryant é muito bem complementada pelas vulnerabilidades da personagem, dando a Keaton a chance de fazer uma história de amor em uma tela grandiosa que, no entanto, parece íntima da maneira que suas melhores performances sempre foram.
E quem pode esquecer os trechos finais de Reds, nos quais Bryant vai àquela estação de trem lotada na esperança de que seu verdadeiro amor, Reed, apareça — sua antecipação se transformando em pânico, depois em desespero, e finalmente em gratidão lacrimosa.
A Chama Que Não Se Apaga (1982)
Para muitos, Keaton epitomou a mulher independente da década de 1970. No contundente drama doméstico de Alan Parker, ela daria um rosto ao crescente número de divorciadas no início dos anos 1980.
Como uma das metades do casal que se desintegra diante de seus olhos, Faith Dunlap (Keaton) é forçada a lidar com seu marido infiel, George (interpretado por Albert Finney), e tenta encontrar o amor em meio às ruínas de sua situação com um empreiteiro (Peter Weller) que está construindo sua quadra de tênis. Você não chamaria a separação deles de amigável. Todos se lembram da pura crueldade das brigas neste filme — acredite, elas são brutais — e o quociente de amargura é altíssimo.
Mas são os momentos silenciosos de Keaton no filme que nos atingem quando o revemos agora, desde o olhar de choque em seu rosto enquanto os Dunlaps voltam para casa após um evento formal, até Faith fumando um cigarro de maconha na banheira e cantando suavemente “If I Fell” dos Beatles. É de alguma forma o momento mais bonito e devastador em um filme repleto de som e fúria, e é tudo obra de Keaton.
Crimes do Coração (1986)
É a santíssima trindade de atrizes de peso dos anos 1980 (se Meryl Streep estivesse envolvida, seria como Os Vingadores para as mulheres fortes daquela época, cujos nomes ficavam acima do título nos cinemas). E você não poderia pedir um trio melhor do que Sissy Spacek, Jessica Lange e Diane Keaton para abordar a peça vencedora do Pulitzer de Beth Henley sobre três irmãs sulistas lidando com as consequências de um crime — especificamente, um que envolve não apenas o coração, mas o corpo de um dos maridos.
Retornando à casa da família no Mississippi, as irmãs Magrath têm cada uma sua maneira de lidar com a situação; para Lenny Magrath de Keaton, que é mais reservada, isso significa se preocupar que a família seja dilacerada pelo escândalo e lamentar uma juventude que a deixou para trás. É definitivamente um trabalho de conjunto, e a alegria do filme é ver essas três estrelas interagindo entre si. Mas isso não significa que Keaton não tenha seus momentos de destaque, ou que não consiga transformar uma cena simples envolvendo o ato de comer seus chocolates em uma ária de raiva e ressentimento acumulado.
Presente de Grego (1987)
A década de 1980 teve sua parcela de comédias sobre mulheres no ambiente de trabalho corporativo, de Como Eliminar Seu Chefe (9 to 5) a Uma Secretária de Futuro (Working Girl). No meio desses clássicos está Presente de Grego (Baby Boom), a primeira colaboração entre Keaton e Nancy Meyers.
Ela estrela como J.C. Wiatt, uma yuppie obcecada pela carreira que herda o bebê de uma prima que não via desde 1954. Ela acaba abandonando Nova York — e seu namorado banqueiro, interpretado por Harold Ramis — e se muda para a zona rural de Vermont, onde assume totalmente o papel de mãe e inventa comida natural para bebês.
Tinha se passado apenas uma década desde Noivo Neurótico, Noiva Nervosa, mas Keaton passou os anos recentes estrelando dramas; é quase como se ela estivesse armazenando toda essa energia cômica e ansiosa, esperando para liberá-la. Nem um único segundo deste filme de 110 minutos é desperdiçado, enquanto ela tem um colapso histérico após o outro, como quando seu poço literalmente seca e ela desabafa com o técnico de reparos — de forma tão profunda que cai de costas na neve.
Revisitando o filme anos depois, ela ficou surpresa com sua própria atuação. “Eu assisti”, ela disse, “e pensei, ‘Meu Deus, eu não sei como eu fiz isso’”.
O Pai da Noiva (1991)
Logo após O Poderoso Chefão Parte III, Keaton interpretou uma esposa muito diferente — o tipo calma, cool e controlada, que tira o marido teimoso (Steve Martin) da cadeia depois que ele se recusa a comprar um pacote de doze pães de cachorro-quente em vez dos oito que ele queria.
Neste remake da comédia de 1950 O Pai da Noiva, Nina Banks era o contraponto cômico ao seu marido tenso e neurótico, que simplesmente não conseguia aceitar o fato de que a filha, Annie (Kimberly Williams), estava se casando. Nina genuinamente gosta de seu charmoso futuro genro (George Newbern) e do planejador de casamentos caprichosamente estranho, Franck Eggelhoffer (Martin Short). Mas em vez de apenas interpretar uma dona de casa complacente que balança a cabeça para as palhaçadas ridículas do marido — aquele casamento custou US$ 250 por cabeça! —, Keaton trouxe profundidade a Nina, tornando-a pé-no-chão, lógica e incrivelmente engraçada.
Ela ganhou ainda mais material para trabalhar na sequência de 1995, quando Nina engravida junto com a filha, e George vende a casa sem lhe contar. Keaton brilha com cada fala naquele filme também, como quando Annie lhe pergunta se ela tirou uma foto da árvore favorita deles antes de se mudarem. “Apenas um rolo inteiro, querida”, ela responde em lágrimas.
O Clube das Desquitadas (1996)
Como Annie MacDuggan-Paradis, uma dona de casa ansiosa preterida pelo marido em favor da terapeuta do casal, Keaton ofereceu empatia àquelas que lutam para encontrar autonomia no final de um casamento.
Sua química com as co-estrelas de O Clube das Desquitadas, Bette Midler e Goldie Hawn — que supostamente sugeriu Sally Field para o papel de Annie — era inegável e cativantemente convincente. Juntas, era impossível não torcer por elas, e a merecida vingança de Annie, quando ela finalmente se impôs e assumiu a agência de publicidade do marido, gerou aplausos.
O filme não estaria completo sem o trio performando sua própria versão do sucesso de Lesley Gore, “You Don’t Own Me” — um hino para qualquer pessoa tentando se reerguer. Keaton frequentemente refletia sobre o quanto foi divertido filmar este longa, e é um sentimento que o espectador consegue captar. Ela era alguém que realmente apreciava seu trabalho.
Alguém Tem que Ceder (2003)
Keaton colaborou com Nancy Meyers quatro vezes ao longo de sua carreira, mas nenhum filme foi tão satisfatório quanto Alguém Tem Que Ceder. Era uma comédia romântica clássica, mas com uma reviravolta: Meyers rejeitou a ideia de que esses tipos de filmes tivessem que ser estrelados por atores jovens, permitindo que Keaton e Jack Nicholson tivessem a oportunidade de provar que o amor chega em todas as idades.
Ela trouxe uma doçura a Erica, uma dramaturga de sucesso que não sucumbiu à amargura do divórcio. Era fácil ver por que o jovem Julian (Keanu Reeves) estava tão apaixonado por ela — o público também estava.
Ela venceu o Globo de Ouro e conquistou várias indicações adicionais, incluindo a de Melhor Atriz no Oscar. O filme apresenta a memorável cena em que Keaton se despe para uma sequência cômica com Nicholson, e ela disse mais tarde à Interview: “Não era a minha ideia de um bom momento, mas era um filme tão maravilhoso. E, claro, eu fiz a coisa que pensei que nunca faria. Então, o que isso diz sobre mim?”.
Este artigo foi originalmente publicado pela Rolling Stone EUA, no dia 12 de outubro, e pode ser conferido aqui.
O post Diane Keaton: 10 filmes essenciais apareceu primeiro em Rolling Stone Brasil.
Diane Keaton: 10 filmes essenciais
A esposa original da máfia, a excêntrica pioneira da comédia romântica, a autora feminista do início do século XX, a mulher moderna do final do século XX navegando tanto pela turbulenta “década do eu” quanto pelos anos 1980 do “você pode ter tudo” — esses papéis poderiam ter sido memoráveis nas mãos de inúmeros atores. Diane Keaton os tornou icônicos.
Desde seu papel de destaque em O Poderoso Chefão até sua inesquecível interpretação de uma dramaturga que navega por traiçoeiras águas românticas em Alguém Tem Que Ceder, Keaton — que faleceu ontem aos 79 anos — nunca deixou de adicionar profundidade, humanidade, força e um senso de vulnerabilidade a cada personagem que interpretou. Aqui estão 10 de nossas performances favoritas da grande e saudosa atriz.
O Poderoso Chefão (1972)
Quando a maioria das pessoas menciona este marco imponente dos anos 1970 — a fusão perfeita entre a amplitude da velha Hollywood e a garra da nova Hollywood — elas falam de Brando, Pacino, Coppola, as citações intermináveis que permanecem parte do léxico pop (“Eu vou fazer uma oferta que ele não pode recusar”). Diane Keaton geralmente não é a primeira pessoa a ser mencionada, mas não se engane: ela é uma parte absolutamente essencial desta obra-prima americana.
Sua personagem, Kay Corleone, não é apenas a substituta do público, observando a cultura e os costumes deste clã ítalo-americano da perspectiva de uma estranha e, assim, nos permitindo entrar também nesse mundo. Ela é o centro moral do filme, aquela que confronta Michael Corleone por barganhar sua alma e fazer tudo ser sobre negócios em vez de ser pessoal. Até mesmo a insistência de Kay de que “senadores e presidentes não mandam matar pessoas” (quem está sendo ingênua agora, Kay?) sugere uma visão otimista do mundo que neutraliza a realidade violenta da mentalidade da máfia de seu namorado. Sua leitura daquela frase diz tudo. E quando aquela porta é fechada para Kay na cena final do filme, Keaton garante que você veja a perda no rosto de Kay.
Ela reprisaria a personagem com grande efeito em O Poderoso Chefão: Parte II — sua cena “isso tudo tem que acabar” permanece absolutamente devastadora — e retornaria para a Parte III décadas depois. Mas seu papel de estreia no cinema estabeleceu Keaton como alguém que seguiríamos para qualquer lugar. Vê-la era uma oferta que nunca poderíamos recusar.
Noivo Neurótico, Noiva Nervosa (1977)
Keaton foi escalada ao lado de Woody Allen na produção teatral original de 1969 de Play It Again, Sam (Sonhos de um Sedutor), que marcaria o início de um longo relacionamento romântico e de uma colaboração profissional ainda mais longa e indelével. Seu trabalho contracenando com o ator-diretor na versão cinematográfica de 1972 dessa comédia que idolatra Humphrey Bogart, bem como em O Dorminhoco (Sleeper, 1973) e Guerra e Paz (Love and Death, 1975), ajudou a estabelecê-la como uma comediante de primeira linha e a parceira perfeita para o desajeitado e eterno nebbish (indivíduo patético e inseguro) de Allen.
No entanto, foi o tributo de Allen a Keaton em 1977 que a transformou em uma estrela de cinema de boa-fé. A partir do momento em que ela profere a frase característica de Annie, “La di da” — um termo que Keaton pegou de seu próprio repertório de frases da vida real —, ficamos tão encantados por esta nova-iorquina maluca, adorável e neurótica quanto Alvy Singer.
As roupas por si só foram suficientes para tornar a personagem-título um ícone e impulsionar uma tendência de moda de ternos folgados e chapéus flexíveis. No entanto, é a maneira como Keaton transforma uma intelectual boba (ou talvez seja uma intelectual desajeitada?) em uma mulher moderna tridimensional e totalmente desenvolvida. O papel lhe rendeu um Oscar, e Keaton continuaria a trabalhar esporadicamente com Allen nas décadas seguintes. Mas este permanece como o auge tanto de seu trabalho conjunto quanto da era de “It Girl” de Keaton nos anos 70. La di da, de fato.
À Procura de Mr. Goodbar (1977)
“Prefiro ser seduzida a confortada”, diz Theresa Dunn, a professora interpretada por Diane Keaton, a alguém no início da adaptação de Richard Brooks para o best-seller de Judith Rossner — e sua personagem passará o resto do filme procurando o Sr. Certo (ou o Sr. Serve-Para-Esta-Noite) em busca tanto de sedução quanto de conforto.
Visto hoje, esta abordagem à então crescente tendência dos bares de solteiros parece datada em todos os sentidos, exceto pela performance extraordinária de Keaton. Ela consegue fazer com que Dunn pareça tanto um símbolo representativo de toda mulher tentando navegar em águas sociais agitadas, quanto o tipo de mulher comum que você veria no metrô.
Sério, nomeie outro ator por volta de 1977 que poderia se manter firme contra um maníaco Richard Gere usando um suspensório atlético, agitando os braços enquanto segura o que parece ser uma faca cor fluorescente! Keaton faz você sentir a solidão e a esperança dessa mulher sem fazê-la parecer lamentável ou desesperada; o jogo de emoções que transcorre em seu rosto durante aquela sequência com Gere, ou quando ela percebe que o último encontro que leva para casa é menos estável do que imaginava, entrega tudo sem dizer uma palavra.
Reds (1981)
Vendido como um épico drama romântico histórico, este retrato do ativista comunista do início do século XX, John Reed, tinha a grandiosidade de …E o Vento Levou ou Doutor Jivago. Mas nem Vivien Leigh nem Julie Christie tiveram um papel tão substancial quanto o que foi dado a Diane Keaton pelo diretor Warren Beatty — o da autora feminista Louise Bryant, que se apaixona por Reed, mas nunca perde sua ardente independência no processo.
Após uma década ganhando aclamação nos filmes de O Poderoso Chefão e como musa frequente de Woody Allen, Keaton encontrou uma nova marcha aqui, exibindo um intelecto cortante que estava muito distante das personagens mais suaves e doces de sua carreira anterior. No entanto, a desafiança de Bryant é muito bem complementada pelas vulnerabilidades da personagem, dando a Keaton a chance de fazer uma história de amor em uma tela grandiosa que, no entanto, parece íntima da maneira que suas melhores performances sempre foram.
E quem pode esquecer os trechos finais de Reds, nos quais Bryant vai àquela estação de trem lotada na esperança de que seu verdadeiro amor, Reed, apareça — sua antecipação se transformando em pânico, depois em desespero, e finalmente em gratidão lacrimosa.
A Chama Que Não Se Apaga (1982)
Para muitos, Keaton epitomou a mulher independente da década de 1970. No contundente drama doméstico de Alan Parker, ela daria um rosto ao crescente número de divorciadas no início dos anos 1980.
Como uma das metades do casal que se desintegra diante de seus olhos, Faith Dunlap (Keaton) é forçada a lidar com seu marido infiel, George (interpretado por Albert Finney), e tenta encontrar o amor em meio às ruínas de sua situação com um empreiteiro (Peter Weller) que está construindo sua quadra de tênis. Você não chamaria a separação deles de amigável. Todos se lembram da pura crueldade das brigas neste filme — acredite, elas são brutais — e o quociente de amargura é altíssimo.
Mas são os momentos silenciosos de Keaton no filme que nos atingem quando o revemos agora, desde o olhar de choque em seu rosto enquanto os Dunlaps voltam para casa após um evento formal, até Faith fumando um cigarro de maconha na banheira e cantando suavemente “If I Fell” dos Beatles. É de alguma forma o momento mais bonito e devastador em um filme repleto de som e fúria, e é tudo obra de Keaton.
Crimes do Coração (1986)
É a santíssima trindade de atrizes de peso dos anos 1980 (se Meryl Streep estivesse envolvida, seria como Os Vingadores para as mulheres fortes daquela época, cujos nomes ficavam acima do título nos cinemas). E você não poderia pedir um trio melhor do que Sissy Spacek, Jessica Lange e Diane Keaton para abordar a peça vencedora do Pulitzer de Beth Henley sobre três irmãs sulistas lidando com as consequências de um crime — especificamente, um que envolve não apenas o coração, mas o corpo de um dos maridos.
Retornando à casa da família no Mississippi, as irmãs Magrath têm cada uma sua maneira de lidar com a situação; para Lenny Magrath de Keaton, que é mais reservada, isso significa se preocupar que a família seja dilacerada pelo escândalo e lamentar uma juventude que a deixou para trás. É definitivamente um trabalho de conjunto, e a alegria do filme é ver essas três estrelas interagindo entre si. Mas isso não significa que Keaton não tenha seus momentos de destaque, ou que não consiga transformar uma cena simples envolvendo o ato de comer seus chocolates em uma ária de raiva e ressentimento acumulado.
Presente de Grego (1987)
A década de 1980 teve sua parcela de comédias sobre mulheres no ambiente de trabalho corporativo, de Como Eliminar Seu Chefe (9 to 5) a Uma Secretária de Futuro (Working Girl). No meio desses clássicos está Presente de Grego (Baby Boom), a primeira colaboração entre Keaton e Nancy Meyers.
Ela estrela como J.C. Wiatt, uma yuppie obcecada pela carreira que herda o bebê de uma prima que não via desde 1954. Ela acaba abandonando Nova York — e seu namorado banqueiro, interpretado por Harold Ramis — e se muda para a zona rural de Vermont, onde assume totalmente o papel de mãe e inventa comida natural para bebês.
Tinha se passado apenas uma década desde Noivo Neurótico, Noiva Nervosa, mas Keaton passou os anos recentes estrelando dramas; é quase como se ela estivesse armazenando toda essa energia cômica e ansiosa, esperando para liberá-la. Nem um único segundo deste filme de 110 minutos é desperdiçado, enquanto ela tem um colapso histérico após o outro, como quando seu poço literalmente seca e ela desabafa com o técnico de reparos — de forma tão profunda que cai de costas na neve.
Revisitando o filme anos depois, ela ficou surpresa com sua própria atuação. “Eu assisti”, ela disse, “e pensei, ‘Meu Deus, eu não sei como eu fiz isso’”.
O Pai da Noiva (1991)
Logo após O Poderoso Chefão Parte III, Keaton interpretou uma esposa muito diferente — o tipo calma, cool e controlada, que tira o marido teimoso (Steve Martin) da cadeia depois que ele se recusa a comprar um pacote de doze pães de cachorro-quente em vez dos oito que ele queria.
Neste remake da comédia de 1950 O Pai da Noiva, Nina Banks era o contraponto cômico ao seu marido tenso e neurótico, que simplesmente não conseguia aceitar o fato de que a filha, Annie (Kimberly Williams), estava se casando. Nina genuinamente gosta de seu charmoso futuro genro (George Newbern) e do planejador de casamentos caprichosamente estranho, Franck Eggelhoffer (Martin Short). Mas em vez de apenas interpretar uma dona de casa complacente que balança a cabeça para as palhaçadas ridículas do marido — aquele casamento custou US$ 250 por cabeça! —, Keaton trouxe profundidade a Nina, tornando-a pé-no-chão, lógica e incrivelmente engraçada.
Ela ganhou ainda mais material para trabalhar na sequência de 1995, quando Nina engravida junto com a filha, e George vende a casa sem lhe contar. Keaton brilha com cada fala naquele filme também, como quando Annie lhe pergunta se ela tirou uma foto da árvore favorita deles antes de se mudarem. “Apenas um rolo inteiro, querida”, ela responde em lágrimas.
O Clube das Desquitadas (1996)
Como Annie MacDuggan-Paradis, uma dona de casa ansiosa preterida pelo marido em favor da terapeuta do casal, Keaton ofereceu empatia àquelas que lutam para encontrar autonomia no final de um casamento.
Sua química com as co-estrelas de O Clube das Desquitadas, Bette Midler e Goldie Hawn — que supostamente sugeriu Sally Field para o papel de Annie — era inegável e cativantemente convincente. Juntas, era impossível não torcer por elas, e a merecida vingança de Annie, quando ela finalmente se impôs e assumiu a agência de publicidade do marido, gerou aplausos.
O filme não estaria completo sem o trio performando sua própria versão do sucesso de Lesley Gore, “You Don’t Own Me” — um hino para qualquer pessoa tentando se reerguer. Keaton frequentemente refletia sobre o quanto foi divertido filmar este longa, e é um sentimento que o espectador consegue captar. Ela era alguém que realmente apreciava seu trabalho.
Alguém Tem que Ceder (2003)
Keaton colaborou com Nancy Meyers quatro vezes ao longo de sua carreira, mas nenhum filme foi tão satisfatório quanto Alguém Tem Que Ceder. Era uma comédia romântica clássica, mas com uma reviravolta: Meyers rejeitou a ideia de que esses tipos de filmes tivessem que ser estrelados por atores jovens, permitindo que Keaton e Jack Nicholson tivessem a oportunidade de provar que o amor chega em todas as idades.
Ela trouxe uma doçura a Erica, uma dramaturga de sucesso que não sucumbiu à amargura do divórcio. Era fácil ver por que o jovem Julian (Keanu Reeves) estava tão apaixonado por ela — o público também estava.
Ela venceu o Globo de Ouro e conquistou várias indicações adicionais, incluindo a de Melhor Atriz no Oscar. O filme apresenta a memorável cena em que Keaton se despe para uma sequência cômica com Nicholson, e ela disse mais tarde à Interview: “Não era a minha ideia de um bom momento, mas era um filme tão maravilhoso. E, claro, eu fiz a coisa que pensei que nunca faria. Então, o que isso diz sobre mim?”.
Este artigo foi originalmente publicado pela Rolling Stone EUA, no dia 12 de outubro, e pode ser conferido aqui.
O post Diane Keaton: 10 filmes essenciais apareceu primeiro em Rolling Stone Brasil.
Diane Keaton: 10 filmes essenciais
A esposa original da máfia, a excêntrica pioneira da comédia romântica, a autora feminista do início do século XX, a mulher moderna do final do século XX navegando tanto pela turbulenta “década do eu” quanto pelos anos 1980 do “você pode ter tudo” — esses papéis poderiam ter sido memoráveis nas mãos de inúmeros atores. Diane Keaton os tornou icônicos.
Desde seu papel de destaque em O Poderoso Chefão até sua inesquecível interpretação de uma dramaturga que navega por traiçoeiras águas românticas em Alguém Tem Que Ceder, Keaton — que faleceu ontem aos 79 anos — nunca deixou de adicionar profundidade, humanidade, força e um senso de vulnerabilidade a cada personagem que interpretou. Aqui estão 10 de nossas performances favoritas da grande e saudosa atriz.
O Poderoso Chefão (1972)
Quando a maioria das pessoas menciona este marco imponente dos anos 1970 — a fusão perfeita entre a amplitude da velha Hollywood e a garra da nova Hollywood — elas falam de Brando, Pacino, Coppola, as citações intermináveis que permanecem parte do léxico pop (“Eu vou fazer uma oferta que ele não pode recusar”). Diane Keaton geralmente não é a primeira pessoa a ser mencionada, mas não se engane: ela é uma parte absolutamente essencial desta obra-prima americana.
Sua personagem, Kay Corleone, não é apenas a substituta do público, observando a cultura e os costumes deste clã ítalo-americano da perspectiva de uma estranha e, assim, nos permitindo entrar também nesse mundo. Ela é o centro moral do filme, aquela que confronta Michael Corleone por barganhar sua alma e fazer tudo ser sobre negócios em vez de ser pessoal. Até mesmo a insistência de Kay de que “senadores e presidentes não mandam matar pessoas” (quem está sendo ingênua agora, Kay?) sugere uma visão otimista do mundo que neutraliza a realidade violenta da mentalidade da máfia de seu namorado. Sua leitura daquela frase diz tudo. E quando aquela porta é fechada para Kay na cena final do filme, Keaton garante que você veja a perda no rosto de Kay.
Ela reprisaria a personagem com grande efeito em O Poderoso Chefão: Parte II — sua cena “isso tudo tem que acabar” permanece absolutamente devastadora — e retornaria para a Parte III décadas depois. Mas seu papel de estreia no cinema estabeleceu Keaton como alguém que seguiríamos para qualquer lugar. Vê-la era uma oferta que nunca poderíamos recusar.
Noivo Neurótico, Noiva Nervosa (1977)
Keaton foi escalada ao lado de Woody Allen na produção teatral original de 1969 de Play It Again, Sam (Sonhos de um Sedutor), que marcaria o início de um longo relacionamento romântico e de uma colaboração profissional ainda mais longa e indelével. Seu trabalho contracenando com o ator-diretor na versão cinematográfica de 1972 dessa comédia que idolatra Humphrey Bogart, bem como em O Dorminhoco (Sleeper, 1973) e Guerra e Paz (Love and Death, 1975), ajudou a estabelecê-la como uma comediante de primeira linha e a parceira perfeita para o desajeitado e eterno nebbish (indivíduo patético e inseguro) de Allen.
No entanto, foi o tributo de Allen a Keaton em 1977 que a transformou em uma estrela de cinema de boa-fé. A partir do momento em que ela profere a frase característica de Annie, “La di da” — um termo que Keaton pegou de seu próprio repertório de frases da vida real —, ficamos tão encantados por esta nova-iorquina maluca, adorável e neurótica quanto Alvy Singer.
As roupas por si só foram suficientes para tornar a personagem-título um ícone e impulsionar uma tendência de moda de ternos folgados e chapéus flexíveis. No entanto, é a maneira como Keaton transforma uma intelectual boba (ou talvez seja uma intelectual desajeitada?) em uma mulher moderna tridimensional e totalmente desenvolvida. O papel lhe rendeu um Oscar, e Keaton continuaria a trabalhar esporadicamente com Allen nas décadas seguintes. Mas este permanece como o auge tanto de seu trabalho conjunto quanto da era de “It Girl” de Keaton nos anos 70. La di da, de fato.
À Procura de Mr. Goodbar (1977)
“Prefiro ser seduzida a confortada”, diz Theresa Dunn, a professora interpretada por Diane Keaton, a alguém no início da adaptação de Richard Brooks para o best-seller de Judith Rossner — e sua personagem passará o resto do filme procurando o Sr. Certo (ou o Sr. Serve-Para-Esta-Noite) em busca tanto de sedução quanto de conforto.
Visto hoje, esta abordagem à então crescente tendência dos bares de solteiros parece datada em todos os sentidos, exceto pela performance extraordinária de Keaton. Ela consegue fazer com que Dunn pareça tanto um símbolo representativo de toda mulher tentando navegar em águas sociais agitadas, quanto o tipo de mulher comum que você veria no metrô.
Sério, nomeie outro ator por volta de 1977 que poderia se manter firme contra um maníaco Richard Gere usando um suspensório atlético, agitando os braços enquanto segura o que parece ser uma faca cor fluorescente! Keaton faz você sentir a solidão e a esperança dessa mulher sem fazê-la parecer lamentável ou desesperada; o jogo de emoções que transcorre em seu rosto durante aquela sequência com Gere, ou quando ela percebe que o último encontro que leva para casa é menos estável do que imaginava, entrega tudo sem dizer uma palavra.
Reds (1981)
Vendido como um épico drama romântico histórico, este retrato do ativista comunista do início do século XX, John Reed, tinha a grandiosidade de …E o Vento Levou ou Doutor Jivago. Mas nem Vivien Leigh nem Julie Christie tiveram um papel tão substancial quanto o que foi dado a Diane Keaton pelo diretor Warren Beatty — o da autora feminista Louise Bryant, que se apaixona por Reed, mas nunca perde sua ardente independência no processo.
Após uma década ganhando aclamação nos filmes de O Poderoso Chefão e como musa frequente de Woody Allen, Keaton encontrou uma nova marcha aqui, exibindo um intelecto cortante que estava muito distante das personagens mais suaves e doces de sua carreira anterior. No entanto, a desafiança de Bryant é muito bem complementada pelas vulnerabilidades da personagem, dando a Keaton a chance de fazer uma história de amor em uma tela grandiosa que, no entanto, parece íntima da maneira que suas melhores performances sempre foram.
E quem pode esquecer os trechos finais de Reds, nos quais Bryant vai àquela estação de trem lotada na esperança de que seu verdadeiro amor, Reed, apareça — sua antecipação se transformando em pânico, depois em desespero, e finalmente em gratidão lacrimosa.
A Chama Que Não Se Apaga (1982)
Para muitos, Keaton epitomou a mulher independente da década de 1970. No contundente drama doméstico de Alan Parker, ela daria um rosto ao crescente número de divorciadas no início dos anos 1980.
Como uma das metades do casal que se desintegra diante de seus olhos, Faith Dunlap (Keaton) é forçada a lidar com seu marido infiel, George (interpretado por Albert Finney), e tenta encontrar o amor em meio às ruínas de sua situação com um empreiteiro (Peter Weller) que está construindo sua quadra de tênis. Você não chamaria a separação deles de amigável. Todos se lembram da pura crueldade das brigas neste filme — acredite, elas são brutais — e o quociente de amargura é altíssimo.
Mas são os momentos silenciosos de Keaton no filme que nos atingem quando o revemos agora, desde o olhar de choque em seu rosto enquanto os Dunlaps voltam para casa após um evento formal, até Faith fumando um cigarro de maconha na banheira e cantando suavemente “If I Fell” dos Beatles. É de alguma forma o momento mais bonito e devastador em um filme repleto de som e fúria, e é tudo obra de Keaton.
Crimes do Coração (1986)
É a santíssima trindade de atrizes de peso dos anos 1980 (se Meryl Streep estivesse envolvida, seria como Os Vingadores para as mulheres fortes daquela época, cujos nomes ficavam acima do título nos cinemas). E você não poderia pedir um trio melhor do que Sissy Spacek, Jessica Lange e Diane Keaton para abordar a peça vencedora do Pulitzer de Beth Henley sobre três irmãs sulistas lidando com as consequências de um crime — especificamente, um que envolve não apenas o coração, mas o corpo de um dos maridos.
Retornando à casa da família no Mississippi, as irmãs Magrath têm cada uma sua maneira de lidar com a situação; para Lenny Magrath de Keaton, que é mais reservada, isso significa se preocupar que a família seja dilacerada pelo escândalo e lamentar uma juventude que a deixou para trás. É definitivamente um trabalho de conjunto, e a alegria do filme é ver essas três estrelas interagindo entre si. Mas isso não significa que Keaton não tenha seus momentos de destaque, ou que não consiga transformar uma cena simples envolvendo o ato de comer seus chocolates em uma ária de raiva e ressentimento acumulado.
Presente de Grego (1987)
A década de 1980 teve sua parcela de comédias sobre mulheres no ambiente de trabalho corporativo, de Como Eliminar Seu Chefe (9 to 5) a Uma Secretária de Futuro (Working Girl). No meio desses clássicos está Presente de Grego (Baby Boom), a primeira colaboração entre Keaton e Nancy Meyers.
Ela estrela como J.C. Wiatt, uma yuppie obcecada pela carreira que herda o bebê de uma prima que não via desde 1954. Ela acaba abandonando Nova York — e seu namorado banqueiro, interpretado por Harold Ramis — e se muda para a zona rural de Vermont, onde assume totalmente o papel de mãe e inventa comida natural para bebês.
Tinha se passado apenas uma década desde Noivo Neurótico, Noiva Nervosa, mas Keaton passou os anos recentes estrelando dramas; é quase como se ela estivesse armazenando toda essa energia cômica e ansiosa, esperando para liberá-la. Nem um único segundo deste filme de 110 minutos é desperdiçado, enquanto ela tem um colapso histérico após o outro, como quando seu poço literalmente seca e ela desabafa com o técnico de reparos — de forma tão profunda que cai de costas na neve.
Revisitando o filme anos depois, ela ficou surpresa com sua própria atuação. “Eu assisti”, ela disse, “e pensei, ‘Meu Deus, eu não sei como eu fiz isso’”.
O Pai da Noiva (1991)
Logo após O Poderoso Chefão Parte III, Keaton interpretou uma esposa muito diferente — o tipo calma, cool e controlada, que tira o marido teimoso (Steve Martin) da cadeia depois que ele se recusa a comprar um pacote de doze pães de cachorro-quente em vez dos oito que ele queria.
Neste remake da comédia de 1950 O Pai da Noiva, Nina Banks era o contraponto cômico ao seu marido tenso e neurótico, que simplesmente não conseguia aceitar o fato de que a filha, Annie (Kimberly Williams), estava se casando. Nina genuinamente gosta de seu charmoso futuro genro (George Newbern) e do planejador de casamentos caprichosamente estranho, Franck Eggelhoffer (Martin Short). Mas em vez de apenas interpretar uma dona de casa complacente que balança a cabeça para as palhaçadas ridículas do marido — aquele casamento custou US$ 250 por cabeça! —, Keaton trouxe profundidade a Nina, tornando-a pé-no-chão, lógica e incrivelmente engraçada.
Ela ganhou ainda mais material para trabalhar na sequência de 1995, quando Nina engravida junto com a filha, e George vende a casa sem lhe contar. Keaton brilha com cada fala naquele filme também, como quando Annie lhe pergunta se ela tirou uma foto da árvore favorita deles antes de se mudarem. “Apenas um rolo inteiro, querida”, ela responde em lágrimas.
O Clube das Desquitadas (1996)
Como Annie MacDuggan-Paradis, uma dona de casa ansiosa preterida pelo marido em favor da terapeuta do casal, Keaton ofereceu empatia àquelas que lutam para encontrar autonomia no final de um casamento.
Sua química com as co-estrelas de O Clube das Desquitadas, Bette Midler e Goldie Hawn — que supostamente sugeriu Sally Field para o papel de Annie — era inegável e cativantemente convincente. Juntas, era impossível não torcer por elas, e a merecida vingança de Annie, quando ela finalmente se impôs e assumiu a agência de publicidade do marido, gerou aplausos.
O filme não estaria completo sem o trio performando sua própria versão do sucesso de Lesley Gore, “You Don’t Own Me” — um hino para qualquer pessoa tentando se reerguer. Keaton frequentemente refletia sobre o quanto foi divertido filmar este longa, e é um sentimento que o espectador consegue captar. Ela era alguém que realmente apreciava seu trabalho.
Alguém Tem que Ceder (2003)
Keaton colaborou com Nancy Meyers quatro vezes ao longo de sua carreira, mas nenhum filme foi tão satisfatório quanto Alguém Tem Que Ceder. Era uma comédia romântica clássica, mas com uma reviravolta: Meyers rejeitou a ideia de que esses tipos de filmes tivessem que ser estrelados por atores jovens, permitindo que Keaton e Jack Nicholson tivessem a oportunidade de provar que o amor chega em todas as idades.
Ela trouxe uma doçura a Erica, uma dramaturga de sucesso que não sucumbiu à amargura do divórcio. Era fácil ver por que o jovem Julian (Keanu Reeves) estava tão apaixonado por ela — o público também estava.
Ela venceu o Globo de Ouro e conquistou várias indicações adicionais, incluindo a de Melhor Atriz no Oscar. O filme apresenta a memorável cena em que Keaton se despe para uma sequência cômica com Nicholson, e ela disse mais tarde à Interview: “Não era a minha ideia de um bom momento, mas era um filme tão maravilhoso. E, claro, eu fiz a coisa que pensei que nunca faria. Então, o que isso diz sobre mim?”.
Este artigo foi originalmente publicado pela Rolling Stone EUA, no dia 12 de outubro, e pode ser conferido aqui.
O post Diane Keaton: 10 filmes essenciais apareceu primeiro em Rolling Stone Brasil.
Diane Keaton: 10 filmes essenciais
A esposa original da máfia, a excêntrica pioneira da comédia romântica, a autora feminista do início do século XX, a mulher moderna do final do século XX navegando tanto pela turbulenta “década do eu” quanto pelos anos 1980 do “você pode ter tudo” — esses papéis poderiam ter sido memoráveis nas mãos de inúmeros atores. Diane Keaton os tornou icônicos.
Desde seu papel de destaque em O Poderoso Chefão até sua inesquecível interpretação de uma dramaturga que navega por traiçoeiras águas românticas em Alguém Tem Que Ceder, Keaton — que faleceu ontem aos 79 anos — nunca deixou de adicionar profundidade, humanidade, força e um senso de vulnerabilidade a cada personagem que interpretou. Aqui estão 10 de nossas performances favoritas da grande e saudosa atriz.
O Poderoso Chefão (1972)
Quando a maioria das pessoas menciona este marco imponente dos anos 1970 — a fusão perfeita entre a amplitude da velha Hollywood e a garra da nova Hollywood — elas falam de Brando, Pacino, Coppola, as citações intermináveis que permanecem parte do léxico pop (“Eu vou fazer uma oferta que ele não pode recusar”). Diane Keaton geralmente não é a primeira pessoa a ser mencionada, mas não se engane: ela é uma parte absolutamente essencial desta obra-prima americana.
Sua personagem, Kay Corleone, não é apenas a substituta do público, observando a cultura e os costumes deste clã ítalo-americano da perspectiva de uma estranha e, assim, nos permitindo entrar também nesse mundo. Ela é o centro moral do filme, aquela que confronta Michael Corleone por barganhar sua alma e fazer tudo ser sobre negócios em vez de ser pessoal. Até mesmo a insistência de Kay de que “senadores e presidentes não mandam matar pessoas” (quem está sendo ingênua agora, Kay?) sugere uma visão otimista do mundo que neutraliza a realidade violenta da mentalidade da máfia de seu namorado. Sua leitura daquela frase diz tudo. E quando aquela porta é fechada para Kay na cena final do filme, Keaton garante que você veja a perda no rosto de Kay.
Ela reprisaria a personagem com grande efeito em O Poderoso Chefão: Parte II — sua cena “isso tudo tem que acabar” permanece absolutamente devastadora — e retornaria para a Parte III décadas depois. Mas seu papel de estreia no cinema estabeleceu Keaton como alguém que seguiríamos para qualquer lugar. Vê-la era uma oferta que nunca poderíamos recusar.
Noivo Neurótico, Noiva Nervosa (1977)
Keaton foi escalada ao lado de Woody Allen na produção teatral original de 1969 de Play It Again, Sam (Sonhos de um Sedutor), que marcaria o início de um longo relacionamento romântico e de uma colaboração profissional ainda mais longa e indelével. Seu trabalho contracenando com o ator-diretor na versão cinematográfica de 1972 dessa comédia que idolatra Humphrey Bogart, bem como em O Dorminhoco (Sleeper, 1973) e Guerra e Paz (Love and Death, 1975), ajudou a estabelecê-la como uma comediante de primeira linha e a parceira perfeita para o desajeitado e eterno nebbish (indivíduo patético e inseguro) de Allen.
No entanto, foi o tributo de Allen a Keaton em 1977 que a transformou em uma estrela de cinema de boa-fé. A partir do momento em que ela profere a frase característica de Annie, “La di da” — um termo que Keaton pegou de seu próprio repertório de frases da vida real —, ficamos tão encantados por esta nova-iorquina maluca, adorável e neurótica quanto Alvy Singer.
As roupas por si só foram suficientes para tornar a personagem-título um ícone e impulsionar uma tendência de moda de ternos folgados e chapéus flexíveis. No entanto, é a maneira como Keaton transforma uma intelectual boba (ou talvez seja uma intelectual desajeitada?) em uma mulher moderna tridimensional e totalmente desenvolvida. O papel lhe rendeu um Oscar, e Keaton continuaria a trabalhar esporadicamente com Allen nas décadas seguintes. Mas este permanece como o auge tanto de seu trabalho conjunto quanto da era de “It Girl” de Keaton nos anos 70. La di da, de fato.
À Procura de Mr. Goodbar (1977)
“Prefiro ser seduzida a confortada”, diz Theresa Dunn, a professora interpretada por Diane Keaton, a alguém no início da adaptação de Richard Brooks para o best-seller de Judith Rossner — e sua personagem passará o resto do filme procurando o Sr. Certo (ou o Sr. Serve-Para-Esta-Noite) em busca tanto de sedução quanto de conforto.
Visto hoje, esta abordagem à então crescente tendência dos bares de solteiros parece datada em todos os sentidos, exceto pela performance extraordinária de Keaton. Ela consegue fazer com que Dunn pareça tanto um símbolo representativo de toda mulher tentando navegar em águas sociais agitadas, quanto o tipo de mulher comum que você veria no metrô.
Sério, nomeie outro ator por volta de 1977 que poderia se manter firme contra um maníaco Richard Gere usando um suspensório atlético, agitando os braços enquanto segura o que parece ser uma faca cor fluorescente! Keaton faz você sentir a solidão e a esperança dessa mulher sem fazê-la parecer lamentável ou desesperada; o jogo de emoções que transcorre em seu rosto durante aquela sequência com Gere, ou quando ela percebe que o último encontro que leva para casa é menos estável do que imaginava, entrega tudo sem dizer uma palavra.
Reds (1981)
Vendido como um épico drama romântico histórico, este retrato do ativista comunista do início do século XX, John Reed, tinha a grandiosidade de …E o Vento Levou ou Doutor Jivago. Mas nem Vivien Leigh nem Julie Christie tiveram um papel tão substancial quanto o que foi dado a Diane Keaton pelo diretor Warren Beatty — o da autora feminista Louise Bryant, que se apaixona por Reed, mas nunca perde sua ardente independência no processo.
Após uma década ganhando aclamação nos filmes de O Poderoso Chefão e como musa frequente de Woody Allen, Keaton encontrou uma nova marcha aqui, exibindo um intelecto cortante que estava muito distante das personagens mais suaves e doces de sua carreira anterior. No entanto, a desafiança de Bryant é muito bem complementada pelas vulnerabilidades da personagem, dando a Keaton a chance de fazer uma história de amor em uma tela grandiosa que, no entanto, parece íntima da maneira que suas melhores performances sempre foram.
E quem pode esquecer os trechos finais de Reds, nos quais Bryant vai àquela estação de trem lotada na esperança de que seu verdadeiro amor, Reed, apareça — sua antecipação se transformando em pânico, depois em desespero, e finalmente em gratidão lacrimosa.
A Chama Que Não Se Apaga (1982)
Para muitos, Keaton epitomou a mulher independente da década de 1970. No contundente drama doméstico de Alan Parker, ela daria um rosto ao crescente número de divorciadas no início dos anos 1980.
Como uma das metades do casal que se desintegra diante de seus olhos, Faith Dunlap (Keaton) é forçada a lidar com seu marido infiel, George (interpretado por Albert Finney), e tenta encontrar o amor em meio às ruínas de sua situação com um empreiteiro (Peter Weller) que está construindo sua quadra de tênis. Você não chamaria a separação deles de amigável. Todos se lembram da pura crueldade das brigas neste filme — acredite, elas são brutais — e o quociente de amargura é altíssimo.
Mas são os momentos silenciosos de Keaton no filme que nos atingem quando o revemos agora, desde o olhar de choque em seu rosto enquanto os Dunlaps voltam para casa após um evento formal, até Faith fumando um cigarro de maconha na banheira e cantando suavemente “If I Fell” dos Beatles. É de alguma forma o momento mais bonito e devastador em um filme repleto de som e fúria, e é tudo obra de Keaton.
Crimes do Coração (1986)
É a santíssima trindade de atrizes de peso dos anos 1980 (se Meryl Streep estivesse envolvida, seria como Os Vingadores para as mulheres fortes daquela época, cujos nomes ficavam acima do título nos cinemas). E você não poderia pedir um trio melhor do que Sissy Spacek, Jessica Lange e Diane Keaton para abordar a peça vencedora do Pulitzer de Beth Henley sobre três irmãs sulistas lidando com as consequências de um crime — especificamente, um que envolve não apenas o coração, mas o corpo de um dos maridos.
Retornando à casa da família no Mississippi, as irmãs Magrath têm cada uma sua maneira de lidar com a situação; para Lenny Magrath de Keaton, que é mais reservada, isso significa se preocupar que a família seja dilacerada pelo escândalo e lamentar uma juventude que a deixou para trás. É definitivamente um trabalho de conjunto, e a alegria do filme é ver essas três estrelas interagindo entre si. Mas isso não significa que Keaton não tenha seus momentos de destaque, ou que não consiga transformar uma cena simples envolvendo o ato de comer seus chocolates em uma ária de raiva e ressentimento acumulado.
Presente de Grego (1987)
A década de 1980 teve sua parcela de comédias sobre mulheres no ambiente de trabalho corporativo, de Como Eliminar Seu Chefe (9 to 5) a Uma Secretária de Futuro (Working Girl). No meio desses clássicos está Presente de Grego (Baby Boom), a primeira colaboração entre Keaton e Nancy Meyers.
Ela estrela como J.C. Wiatt, uma yuppie obcecada pela carreira que herda o bebê de uma prima que não via desde 1954. Ela acaba abandonando Nova York — e seu namorado banqueiro, interpretado por Harold Ramis — e se muda para a zona rural de Vermont, onde assume totalmente o papel de mãe e inventa comida natural para bebês.
Tinha se passado apenas uma década desde Noivo Neurótico, Noiva Nervosa, mas Keaton passou os anos recentes estrelando dramas; é quase como se ela estivesse armazenando toda essa energia cômica e ansiosa, esperando para liberá-la. Nem um único segundo deste filme de 110 minutos é desperdiçado, enquanto ela tem um colapso histérico após o outro, como quando seu poço literalmente seca e ela desabafa com o técnico de reparos — de forma tão profunda que cai de costas na neve.
Revisitando o filme anos depois, ela ficou surpresa com sua própria atuação. “Eu assisti”, ela disse, “e pensei, ‘Meu Deus, eu não sei como eu fiz isso’”.
O Pai da Noiva (1991)
Logo após O Poderoso Chefão Parte III, Keaton interpretou uma esposa muito diferente — o tipo calma, cool e controlada, que tira o marido teimoso (Steve Martin) da cadeia depois que ele se recusa a comprar um pacote de doze pães de cachorro-quente em vez dos oito que ele queria.
Neste remake da comédia de 1950 O Pai da Noiva, Nina Banks era o contraponto cômico ao seu marido tenso e neurótico, que simplesmente não conseguia aceitar o fato de que a filha, Annie (Kimberly Williams), estava se casando. Nina genuinamente gosta de seu charmoso futuro genro (George Newbern) e do planejador de casamentos caprichosamente estranho, Franck Eggelhoffer (Martin Short). Mas em vez de apenas interpretar uma dona de casa complacente que balança a cabeça para as palhaçadas ridículas do marido — aquele casamento custou US$ 250 por cabeça! —, Keaton trouxe profundidade a Nina, tornando-a pé-no-chão, lógica e incrivelmente engraçada.
Ela ganhou ainda mais material para trabalhar na sequência de 1995, quando Nina engravida junto com a filha, e George vende a casa sem lhe contar. Keaton brilha com cada fala naquele filme também, como quando Annie lhe pergunta se ela tirou uma foto da árvore favorita deles antes de se mudarem. “Apenas um rolo inteiro, querida”, ela responde em lágrimas.
O Clube das Desquitadas (1996)
Como Annie MacDuggan-Paradis, uma dona de casa ansiosa preterida pelo marido em favor da terapeuta do casal, Keaton ofereceu empatia àquelas que lutam para encontrar autonomia no final de um casamento.
Sua química com as co-estrelas de O Clube das Desquitadas, Bette Midler e Goldie Hawn — que supostamente sugeriu Sally Field para o papel de Annie — era inegável e cativantemente convincente. Juntas, era impossível não torcer por elas, e a merecida vingança de Annie, quando ela finalmente se impôs e assumiu a agência de publicidade do marido, gerou aplausos.
O filme não estaria completo sem o trio performando sua própria versão do sucesso de Lesley Gore, “You Don’t Own Me” — um hino para qualquer pessoa tentando se reerguer. Keaton frequentemente refletia sobre o quanto foi divertido filmar este longa, e é um sentimento que o espectador consegue captar. Ela era alguém que realmente apreciava seu trabalho.
Alguém Tem que Ceder (2003)
Keaton colaborou com Nancy Meyers quatro vezes ao longo de sua carreira, mas nenhum filme foi tão satisfatório quanto Alguém Tem Que Ceder. Era uma comédia romântica clássica, mas com uma reviravolta: Meyers rejeitou a ideia de que esses tipos de filmes tivessem que ser estrelados por atores jovens, permitindo que Keaton e Jack Nicholson tivessem a oportunidade de provar que o amor chega em todas as idades.
Ela trouxe uma doçura a Erica, uma dramaturga de sucesso que não sucumbiu à amargura do divórcio. Era fácil ver por que o jovem Julian (Keanu Reeves) estava tão apaixonado por ela — o público também estava.
Ela venceu o Globo de Ouro e conquistou várias indicações adicionais, incluindo a de Melhor Atriz no Oscar. O filme apresenta a memorável cena em que Keaton se despe para uma sequência cômica com Nicholson, e ela disse mais tarde à Interview: “Não era a minha ideia de um bom momento, mas era um filme tão maravilhoso. E, claro, eu fiz a coisa que pensei que nunca faria. Então, o que isso diz sobre mim?”.
Este artigo foi originalmente publicado pela Rolling Stone EUA, no dia 12 de outubro, e pode ser conferido aqui.
O post Diane Keaton: 10 filmes essenciais apareceu primeiro em Rolling Stone Brasil.
Diane Keaton: 10 filmes essenciais
A esposa original da máfia, a excêntrica pioneira da comédia romântica, a autora feminista do início do século XX, a mulher moderna do final do século XX navegando tanto pela turbulenta “década do eu” quanto pelos anos 1980 do “você pode ter tudo” — esses papéis poderiam ter sido memoráveis nas mãos de inúmeros atores. Diane Keaton os tornou icônicos.
Desde seu papel de destaque em O Poderoso Chefão até sua inesquecível interpretação de uma dramaturga que navega por traiçoeiras águas românticas em Alguém Tem Que Ceder, Keaton — que faleceu ontem aos 79 anos — nunca deixou de adicionar profundidade, humanidade, força e um senso de vulnerabilidade a cada personagem que interpretou. Aqui estão 10 de nossas performances favoritas da grande e saudosa atriz.
O Poderoso Chefão (1972)
Quando a maioria das pessoas menciona este marco imponente dos anos 1970 — a fusão perfeita entre a amplitude da velha Hollywood e a garra da nova Hollywood — elas falam de Brando, Pacino, Coppola, as citações intermináveis que permanecem parte do léxico pop (“Eu vou fazer uma oferta que ele não pode recusar”). Diane Keaton geralmente não é a primeira pessoa a ser mencionada, mas não se engane: ela é uma parte absolutamente essencial desta obra-prima americana.
Sua personagem, Kay Corleone, não é apenas a substituta do público, observando a cultura e os costumes deste clã ítalo-americano da perspectiva de uma estranha e, assim, nos permitindo entrar também nesse mundo. Ela é o centro moral do filme, aquela que confronta Michael Corleone por barganhar sua alma e fazer tudo ser sobre negócios em vez de ser pessoal. Até mesmo a insistência de Kay de que “senadores e presidentes não mandam matar pessoas” (quem está sendo ingênua agora, Kay?) sugere uma visão otimista do mundo que neutraliza a realidade violenta da mentalidade da máfia de seu namorado. Sua leitura daquela frase diz tudo. E quando aquela porta é fechada para Kay na cena final do filme, Keaton garante que você veja a perda no rosto de Kay.
Ela reprisaria a personagem com grande efeito em O Poderoso Chefão: Parte II — sua cena “isso tudo tem que acabar” permanece absolutamente devastadora — e retornaria para a Parte III décadas depois. Mas seu papel de estreia no cinema estabeleceu Keaton como alguém que seguiríamos para qualquer lugar. Vê-la era uma oferta que nunca poderíamos recusar.
Noivo Neurótico, Noiva Nervosa (1977)
Keaton foi escalada ao lado de Woody Allen na produção teatral original de 1969 de Play It Again, Sam (Sonhos de um Sedutor), que marcaria o início de um longo relacionamento romântico e de uma colaboração profissional ainda mais longa e indelével. Seu trabalho contracenando com o ator-diretor na versão cinematográfica de 1972 dessa comédia que idolatra Humphrey Bogart, bem como em O Dorminhoco (Sleeper, 1973) e Guerra e Paz (Love and Death, 1975), ajudou a estabelecê-la como uma comediante de primeira linha e a parceira perfeita para o desajeitado e eterno nebbish (indivíduo patético e inseguro) de Allen.
No entanto, foi o tributo de Allen a Keaton em 1977 que a transformou em uma estrela de cinema de boa-fé. A partir do momento em que ela profere a frase característica de Annie, “La di da” — um termo que Keaton pegou de seu próprio repertório de frases da vida real —, ficamos tão encantados por esta nova-iorquina maluca, adorável e neurótica quanto Alvy Singer.
As roupas por si só foram suficientes para tornar a personagem-título um ícone e impulsionar uma tendência de moda de ternos folgados e chapéus flexíveis. No entanto, é a maneira como Keaton transforma uma intelectual boba (ou talvez seja uma intelectual desajeitada?) em uma mulher moderna tridimensional e totalmente desenvolvida. O papel lhe rendeu um Oscar, e Keaton continuaria a trabalhar esporadicamente com Allen nas décadas seguintes. Mas este permanece como o auge tanto de seu trabalho conjunto quanto da era de “It Girl” de Keaton nos anos 70. La di da, de fato.
À Procura de Mr. Goodbar (1977)
“Prefiro ser seduzida a confortada”, diz Theresa Dunn, a professora interpretada por Diane Keaton, a alguém no início da adaptação de Richard Brooks para o best-seller de Judith Rossner — e sua personagem passará o resto do filme procurando o Sr. Certo (ou o Sr. Serve-Para-Esta-Noite) em busca tanto de sedução quanto de conforto.
Visto hoje, esta abordagem à então crescente tendência dos bares de solteiros parece datada em todos os sentidos, exceto pela performance extraordinária de Keaton. Ela consegue fazer com que Dunn pareça tanto um símbolo representativo de toda mulher tentando navegar em águas sociais agitadas, quanto o tipo de mulher comum que você veria no metrô.
Sério, nomeie outro ator por volta de 1977 que poderia se manter firme contra um maníaco Richard Gere usando um suspensório atlético, agitando os braços enquanto segura o que parece ser uma faca cor fluorescente! Keaton faz você sentir a solidão e a esperança dessa mulher sem fazê-la parecer lamentável ou desesperada; o jogo de emoções que transcorre em seu rosto durante aquela sequência com Gere, ou quando ela percebe que o último encontro que leva para casa é menos estável do que imaginava, entrega tudo sem dizer uma palavra.
Reds (1981)
Vendido como um épico drama romântico histórico, este retrato do ativista comunista do início do século XX, John Reed, tinha a grandiosidade de …E o Vento Levou ou Doutor Jivago. Mas nem Vivien Leigh nem Julie Christie tiveram um papel tão substancial quanto o que foi dado a Diane Keaton pelo diretor Warren Beatty — o da autora feminista Louise Bryant, que se apaixona por Reed, mas nunca perde sua ardente independência no processo.
Após uma década ganhando aclamação nos filmes de O Poderoso Chefão e como musa frequente de Woody Allen, Keaton encontrou uma nova marcha aqui, exibindo um intelecto cortante que estava muito distante das personagens mais suaves e doces de sua carreira anterior. No entanto, a desafiança de Bryant é muito bem complementada pelas vulnerabilidades da personagem, dando a Keaton a chance de fazer uma história de amor em uma tela grandiosa que, no entanto, parece íntima da maneira que suas melhores performances sempre foram.
E quem pode esquecer os trechos finais de Reds, nos quais Bryant vai àquela estação de trem lotada na esperança de que seu verdadeiro amor, Reed, apareça — sua antecipação se transformando em pânico, depois em desespero, e finalmente em gratidão lacrimosa.
A Chama Que Não Se Apaga (1982)
Para muitos, Keaton epitomou a mulher independente da década de 1970. No contundente drama doméstico de Alan Parker, ela daria um rosto ao crescente número de divorciadas no início dos anos 1980.
Como uma das metades do casal que se desintegra diante de seus olhos, Faith Dunlap (Keaton) é forçada a lidar com seu marido infiel, George (interpretado por Albert Finney), e tenta encontrar o amor em meio às ruínas de sua situação com um empreiteiro (Peter Weller) que está construindo sua quadra de tênis. Você não chamaria a separação deles de amigável. Todos se lembram da pura crueldade das brigas neste filme — acredite, elas são brutais — e o quociente de amargura é altíssimo.
Mas são os momentos silenciosos de Keaton no filme que nos atingem quando o revemos agora, desde o olhar de choque em seu rosto enquanto os Dunlaps voltam para casa após um evento formal, até Faith fumando um cigarro de maconha na banheira e cantando suavemente “If I Fell” dos Beatles. É de alguma forma o momento mais bonito e devastador em um filme repleto de som e fúria, e é tudo obra de Keaton.
Crimes do Coração (1986)
É a santíssima trindade de atrizes de peso dos anos 1980 (se Meryl Streep estivesse envolvida, seria como Os Vingadores para as mulheres fortes daquela época, cujos nomes ficavam acima do título nos cinemas). E você não poderia pedir um trio melhor do que Sissy Spacek, Jessica Lange e Diane Keaton para abordar a peça vencedora do Pulitzer de Beth Henley sobre três irmãs sulistas lidando com as consequências de um crime — especificamente, um que envolve não apenas o coração, mas o corpo de um dos maridos.
Retornando à casa da família no Mississippi, as irmãs Magrath têm cada uma sua maneira de lidar com a situação; para Lenny Magrath de Keaton, que é mais reservada, isso significa se preocupar que a família seja dilacerada pelo escândalo e lamentar uma juventude que a deixou para trás. É definitivamente um trabalho de conjunto, e a alegria do filme é ver essas três estrelas interagindo entre si. Mas isso não significa que Keaton não tenha seus momentos de destaque, ou que não consiga transformar uma cena simples envolvendo o ato de comer seus chocolates em uma ária de raiva e ressentimento acumulado.
Presente de Grego (1987)
A década de 1980 teve sua parcela de comédias sobre mulheres no ambiente de trabalho corporativo, de Como Eliminar Seu Chefe (9 to 5) a Uma Secretária de Futuro (Working Girl). No meio desses clássicos está Presente de Grego (Baby Boom), a primeira colaboração entre Keaton e Nancy Meyers.
Ela estrela como J.C. Wiatt, uma yuppie obcecada pela carreira que herda o bebê de uma prima que não via desde 1954. Ela acaba abandonando Nova York — e seu namorado banqueiro, interpretado por Harold Ramis — e se muda para a zona rural de Vermont, onde assume totalmente o papel de mãe e inventa comida natural para bebês.
Tinha se passado apenas uma década desde Noivo Neurótico, Noiva Nervosa, mas Keaton passou os anos recentes estrelando dramas; é quase como se ela estivesse armazenando toda essa energia cômica e ansiosa, esperando para liberá-la. Nem um único segundo deste filme de 110 minutos é desperdiçado, enquanto ela tem um colapso histérico após o outro, como quando seu poço literalmente seca e ela desabafa com o técnico de reparos — de forma tão profunda que cai de costas na neve.
Revisitando o filme anos depois, ela ficou surpresa com sua própria atuação. “Eu assisti”, ela disse, “e pensei, ‘Meu Deus, eu não sei como eu fiz isso’”.
O Pai da Noiva (1991)
Logo após O Poderoso Chefão Parte III, Keaton interpretou uma esposa muito diferente — o tipo calma, cool e controlada, que tira o marido teimoso (Steve Martin) da cadeia depois que ele se recusa a comprar um pacote de doze pães de cachorro-quente em vez dos oito que ele queria.
Neste remake da comédia de 1950 O Pai da Noiva, Nina Banks era o contraponto cômico ao seu marido tenso e neurótico, que simplesmente não conseguia aceitar o fato de que a filha, Annie (Kimberly Williams), estava se casando. Nina genuinamente gosta de seu charmoso futuro genro (George Newbern) e do planejador de casamentos caprichosamente estranho, Franck Eggelhoffer (Martin Short). Mas em vez de apenas interpretar uma dona de casa complacente que balança a cabeça para as palhaçadas ridículas do marido — aquele casamento custou US$ 250 por cabeça! —, Keaton trouxe profundidade a Nina, tornando-a pé-no-chão, lógica e incrivelmente engraçada.
Ela ganhou ainda mais material para trabalhar na sequência de 1995, quando Nina engravida junto com a filha, e George vende a casa sem lhe contar. Keaton brilha com cada fala naquele filme também, como quando Annie lhe pergunta se ela tirou uma foto da árvore favorita deles antes de se mudarem. “Apenas um rolo inteiro, querida”, ela responde em lágrimas.
O Clube das Desquitadas (1996)
Como Annie MacDuggan-Paradis, uma dona de casa ansiosa preterida pelo marido em favor da terapeuta do casal, Keaton ofereceu empatia àquelas que lutam para encontrar autonomia no final de um casamento.
Sua química com as co-estrelas de O Clube das Desquitadas, Bette Midler e Goldie Hawn — que supostamente sugeriu Sally Field para o papel de Annie — era inegável e cativantemente convincente. Juntas, era impossível não torcer por elas, e a merecida vingança de Annie, quando ela finalmente se impôs e assumiu a agência de publicidade do marido, gerou aplausos.
O filme não estaria completo sem o trio performando sua própria versão do sucesso de Lesley Gore, “You Don’t Own Me” — um hino para qualquer pessoa tentando se reerguer. Keaton frequentemente refletia sobre o quanto foi divertido filmar este longa, e é um sentimento que o espectador consegue captar. Ela era alguém que realmente apreciava seu trabalho.
Alguém Tem que Ceder (2003)
Keaton colaborou com Nancy Meyers quatro vezes ao longo de sua carreira, mas nenhum filme foi tão satisfatório quanto Alguém Tem Que Ceder. Era uma comédia romântica clássica, mas com uma reviravolta: Meyers rejeitou a ideia de que esses tipos de filmes tivessem que ser estrelados por atores jovens, permitindo que Keaton e Jack Nicholson tivessem a oportunidade de provar que o amor chega em todas as idades.
Ela trouxe uma doçura a Erica, uma dramaturga de sucesso que não sucumbiu à amargura do divórcio. Era fácil ver por que o jovem Julian (Keanu Reeves) estava tão apaixonado por ela — o público também estava.
Ela venceu o Globo de Ouro e conquistou várias indicações adicionais, incluindo a de Melhor Atriz no Oscar. O filme apresenta a memorável cena em que Keaton se despe para uma sequência cômica com Nicholson, e ela disse mais tarde à Interview: “Não era a minha ideia de um bom momento, mas era um filme tão maravilhoso. E, claro, eu fiz a coisa que pensei que nunca faria. Então, o que isso diz sobre mim?”.
Este artigo foi originalmente publicado pela Rolling Stone EUA, no dia 12 de outubro, e pode ser conferido aqui.
O post Diane Keaton: 10 filmes essenciais apareceu primeiro em Rolling Stone Brasil.
Diane Keaton: 10 filmes essenciais
A esposa original da máfia, a excêntrica pioneira da comédia romântica, a autora feminista do início do século XX, a mulher moderna do final do século XX navegando tanto pela turbulenta “década do eu” quanto pelos anos 1980 do “você pode ter tudo” — esses papéis poderiam ter sido memoráveis nas mãos de inúmeros atores. Diane Keaton os tornou icônicos.
Desde seu papel de destaque em O Poderoso Chefão até sua inesquecível interpretação de uma dramaturga que navega por traiçoeiras águas românticas em Alguém Tem Que Ceder, Keaton — que faleceu ontem aos 79 anos — nunca deixou de adicionar profundidade, humanidade, força e um senso de vulnerabilidade a cada personagem que interpretou. Aqui estão 10 de nossas performances favoritas da grande e saudosa atriz.
O Poderoso Chefão (1972)
Quando a maioria das pessoas menciona este marco imponente dos anos 1970 — a fusão perfeita entre a amplitude da velha Hollywood e a garra da nova Hollywood — elas falam de Brando, Pacino, Coppola, as citações intermináveis que permanecem parte do léxico pop (“Eu vou fazer uma oferta que ele não pode recusar”). Diane Keaton geralmente não é a primeira pessoa a ser mencionada, mas não se engane: ela é uma parte absolutamente essencial desta obra-prima americana.
Sua personagem, Kay Corleone, não é apenas a substituta do público, observando a cultura e os costumes deste clã ítalo-americano da perspectiva de uma estranha e, assim, nos permitindo entrar também nesse mundo. Ela é o centro moral do filme, aquela que confronta Michael Corleone por barganhar sua alma e fazer tudo ser sobre negócios em vez de ser pessoal. Até mesmo a insistência de Kay de que “senadores e presidentes não mandam matar pessoas” (quem está sendo ingênua agora, Kay?) sugere uma visão otimista do mundo que neutraliza a realidade violenta da mentalidade da máfia de seu namorado. Sua leitura daquela frase diz tudo. E quando aquela porta é fechada para Kay na cena final do filme, Keaton garante que você veja a perda no rosto de Kay.
Ela reprisaria a personagem com grande efeito em O Poderoso Chefão: Parte II — sua cena “isso tudo tem que acabar” permanece absolutamente devastadora — e retornaria para a Parte III décadas depois. Mas seu papel de estreia no cinema estabeleceu Keaton como alguém que seguiríamos para qualquer lugar. Vê-la era uma oferta que nunca poderíamos recusar.
Noivo Neurótico, Noiva Nervosa (1977)
Keaton foi escalada ao lado de Woody Allen na produção teatral original de 1969 de Play It Again, Sam (Sonhos de um Sedutor), que marcaria o início de um longo relacionamento romântico e de uma colaboração profissional ainda mais longa e indelével. Seu trabalho contracenando com o ator-diretor na versão cinematográfica de 1972 dessa comédia que idolatra Humphrey Bogart, bem como em O Dorminhoco (Sleeper, 1973) e Guerra e Paz (Love and Death, 1975), ajudou a estabelecê-la como uma comediante de primeira linha e a parceira perfeita para o desajeitado e eterno nebbish (indivíduo patético e inseguro) de Allen.
No entanto, foi o tributo de Allen a Keaton em 1977 que a transformou em uma estrela de cinema de boa-fé. A partir do momento em que ela profere a frase característica de Annie, “La di da” — um termo que Keaton pegou de seu próprio repertório de frases da vida real —, ficamos tão encantados por esta nova-iorquina maluca, adorável e neurótica quanto Alvy Singer.
As roupas por si só foram suficientes para tornar a personagem-título um ícone e impulsionar uma tendência de moda de ternos folgados e chapéus flexíveis. No entanto, é a maneira como Keaton transforma uma intelectual boba (ou talvez seja uma intelectual desajeitada?) em uma mulher moderna tridimensional e totalmente desenvolvida. O papel lhe rendeu um Oscar, e Keaton continuaria a trabalhar esporadicamente com Allen nas décadas seguintes. Mas este permanece como o auge tanto de seu trabalho conjunto quanto da era de “It Girl” de Keaton nos anos 70. La di da, de fato.
À Procura de Mr. Goodbar (1977)
“Prefiro ser seduzida a confortada”, diz Theresa Dunn, a professora interpretada por Diane Keaton, a alguém no início da adaptação de Richard Brooks para o best-seller de Judith Rossner — e sua personagem passará o resto do filme procurando o Sr. Certo (ou o Sr. Serve-Para-Esta-Noite) em busca tanto de sedução quanto de conforto.
Visto hoje, esta abordagem à então crescente tendência dos bares de solteiros parece datada em todos os sentidos, exceto pela performance extraordinária de Keaton. Ela consegue fazer com que Dunn pareça tanto um símbolo representativo de toda mulher tentando navegar em águas sociais agitadas, quanto o tipo de mulher comum que você veria no metrô.
Sério, nomeie outro ator por volta de 1977 que poderia se manter firme contra um maníaco Richard Gere usando um suspensório atlético, agitando os braços enquanto segura o que parece ser uma faca cor fluorescente! Keaton faz você sentir a solidão e a esperança dessa mulher sem fazê-la parecer lamentável ou desesperada; o jogo de emoções que transcorre em seu rosto durante aquela sequência com Gere, ou quando ela percebe que o último encontro que leva para casa é menos estável do que imaginava, entrega tudo sem dizer uma palavra.
Reds (1981)
Vendido como um épico drama romântico histórico, este retrato do ativista comunista do início do século XX, John Reed, tinha a grandiosidade de …E o Vento Levou ou Doutor Jivago. Mas nem Vivien Leigh nem Julie Christie tiveram um papel tão substancial quanto o que foi dado a Diane Keaton pelo diretor Warren Beatty — o da autora feminista Louise Bryant, que se apaixona por Reed, mas nunca perde sua ardente independência no processo.
Após uma década ganhando aclamação nos filmes de O Poderoso Chefão e como musa frequente de Woody Allen, Keaton encontrou uma nova marcha aqui, exibindo um intelecto cortante que estava muito distante das personagens mais suaves e doces de sua carreira anterior. No entanto, a desafiança de Bryant é muito bem complementada pelas vulnerabilidades da personagem, dando a Keaton a chance de fazer uma história de amor em uma tela grandiosa que, no entanto, parece íntima da maneira que suas melhores performances sempre foram.
E quem pode esquecer os trechos finais de Reds, nos quais Bryant vai àquela estação de trem lotada na esperança de que seu verdadeiro amor, Reed, apareça — sua antecipação se transformando em pânico, depois em desespero, e finalmente em gratidão lacrimosa.
A Chama Que Não Se Apaga (1982)
Para muitos, Keaton epitomou a mulher independente da década de 1970. No contundente drama doméstico de Alan Parker, ela daria um rosto ao crescente número de divorciadas no início dos anos 1980.
Como uma das metades do casal que se desintegra diante de seus olhos, Faith Dunlap (Keaton) é forçada a lidar com seu marido infiel, George (interpretado por Albert Finney), e tenta encontrar o amor em meio às ruínas de sua situação com um empreiteiro (Peter Weller) que está construindo sua quadra de tênis. Você não chamaria a separação deles de amigável. Todos se lembram da pura crueldade das brigas neste filme — acredite, elas são brutais — e o quociente de amargura é altíssimo.
Mas são os momentos silenciosos de Keaton no filme que nos atingem quando o revemos agora, desde o olhar de choque em seu rosto enquanto os Dunlaps voltam para casa após um evento formal, até Faith fumando um cigarro de maconha na banheira e cantando suavemente “If I Fell” dos Beatles. É de alguma forma o momento mais bonito e devastador em um filme repleto de som e fúria, e é tudo obra de Keaton.
Crimes do Coração (1986)
É a santíssima trindade de atrizes de peso dos anos 1980 (se Meryl Streep estivesse envolvida, seria como Os Vingadores para as mulheres fortes daquela época, cujos nomes ficavam acima do título nos cinemas). E você não poderia pedir um trio melhor do que Sissy Spacek, Jessica Lange e Diane Keaton para abordar a peça vencedora do Pulitzer de Beth Henley sobre três irmãs sulistas lidando com as consequências de um crime — especificamente, um que envolve não apenas o coração, mas o corpo de um dos maridos.
Retornando à casa da família no Mississippi, as irmãs Magrath têm cada uma sua maneira de lidar com a situação; para Lenny Magrath de Keaton, que é mais reservada, isso significa se preocupar que a família seja dilacerada pelo escândalo e lamentar uma juventude que a deixou para trás. É definitivamente um trabalho de conjunto, e a alegria do filme é ver essas três estrelas interagindo entre si. Mas isso não significa que Keaton não tenha seus momentos de destaque, ou que não consiga transformar uma cena simples envolvendo o ato de comer seus chocolates em uma ária de raiva e ressentimento acumulado.
Presente de Grego (1987)
A década de 1980 teve sua parcela de comédias sobre mulheres no ambiente de trabalho corporativo, de Como Eliminar Seu Chefe (9 to 5) a Uma Secretária de Futuro (Working Girl). No meio desses clássicos está Presente de Grego (Baby Boom), a primeira colaboração entre Keaton e Nancy Meyers.
Ela estrela como J.C. Wiatt, uma yuppie obcecada pela carreira que herda o bebê de uma prima que não via desde 1954. Ela acaba abandonando Nova York — e seu namorado banqueiro, interpretado por Harold Ramis — e se muda para a zona rural de Vermont, onde assume totalmente o papel de mãe e inventa comida natural para bebês.
Tinha se passado apenas uma década desde Noivo Neurótico, Noiva Nervosa, mas Keaton passou os anos recentes estrelando dramas; é quase como se ela estivesse armazenando toda essa energia cômica e ansiosa, esperando para liberá-la. Nem um único segundo deste filme de 110 minutos é desperdiçado, enquanto ela tem um colapso histérico após o outro, como quando seu poço literalmente seca e ela desabafa com o técnico de reparos — de forma tão profunda que cai de costas na neve.
Revisitando o filme anos depois, ela ficou surpresa com sua própria atuação. “Eu assisti”, ela disse, “e pensei, ‘Meu Deus, eu não sei como eu fiz isso’”.
O Pai da Noiva (1991)
Logo após O Poderoso Chefão Parte III, Keaton interpretou uma esposa muito diferente — o tipo calma, cool e controlada, que tira o marido teimoso (Steve Martin) da cadeia depois que ele se recusa a comprar um pacote de doze pães de cachorro-quente em vez dos oito que ele queria.
Neste remake da comédia de 1950 O Pai da Noiva, Nina Banks era o contraponto cômico ao seu marido tenso e neurótico, que simplesmente não conseguia aceitar o fato de que a filha, Annie (Kimberly Williams), estava se casando. Nina genuinamente gosta de seu charmoso futuro genro (George Newbern) e do planejador de casamentos caprichosamente estranho, Franck Eggelhoffer (Martin Short). Mas em vez de apenas interpretar uma dona de casa complacente que balança a cabeça para as palhaçadas ridículas do marido — aquele casamento custou US$ 250 por cabeça! —, Keaton trouxe profundidade a Nina, tornando-a pé-no-chão, lógica e incrivelmente engraçada.
Ela ganhou ainda mais material para trabalhar na sequência de 1995, quando Nina engravida junto com a filha, e George vende a casa sem lhe contar. Keaton brilha com cada fala naquele filme também, como quando Annie lhe pergunta se ela tirou uma foto da árvore favorita deles antes de se mudarem. “Apenas um rolo inteiro, querida”, ela responde em lágrimas.
O Clube das Desquitadas (1996)
Como Annie MacDuggan-Paradis, uma dona de casa ansiosa preterida pelo marido em favor da terapeuta do casal, Keaton ofereceu empatia àquelas que lutam para encontrar autonomia no final de um casamento.
Sua química com as co-estrelas de O Clube das Desquitadas, Bette Midler e Goldie Hawn — que supostamente sugeriu Sally Field para o papel de Annie — era inegável e cativantemente convincente. Juntas, era impossível não torcer por elas, e a merecida vingança de Annie, quando ela finalmente se impôs e assumiu a agência de publicidade do marido, gerou aplausos.
O filme não estaria completo sem o trio performando sua própria versão do sucesso de Lesley Gore, “You Don’t Own Me” — um hino para qualquer pessoa tentando se reerguer. Keaton frequentemente refletia sobre o quanto foi divertido filmar este longa, e é um sentimento que o espectador consegue captar. Ela era alguém que realmente apreciava seu trabalho.
Alguém Tem que Ceder (2003)
Keaton colaborou com Nancy Meyers quatro vezes ao longo de sua carreira, mas nenhum filme foi tão satisfatório quanto Alguém Tem Que Ceder. Era uma comédia romântica clássica, mas com uma reviravolta: Meyers rejeitou a ideia de que esses tipos de filmes tivessem que ser estrelados por atores jovens, permitindo que Keaton e Jack Nicholson tivessem a oportunidade de provar que o amor chega em todas as idades.
Ela trouxe uma doçura a Erica, uma dramaturga de sucesso que não sucumbiu à amargura do divórcio. Era fácil ver por que o jovem Julian (Keanu Reeves) estava tão apaixonado por ela — o público também estava.
Ela venceu o Globo de Ouro e conquistou várias indicações adicionais, incluindo a de Melhor Atriz no Oscar. O filme apresenta a memorável cena em que Keaton se despe para uma sequência cômica com Nicholson, e ela disse mais tarde à Interview: “Não era a minha ideia de um bom momento, mas era um filme tão maravilhoso. E, claro, eu fiz a coisa que pensei que nunca faria. Então, o que isso diz sobre mim?”.
Este artigo foi originalmente publicado pela Rolling Stone EUA, no dia 12 de outubro, e pode ser conferido aqui.
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Diane Keaton: 10 filmes essenciais
A esposa original da máfia, a excêntrica pioneira da comédia romântica, a autora feminista do início do século XX, a mulher moderna do final do século XX navegando tanto pela turbulenta “década do eu” quanto pelos anos 1980 do “você pode ter tudo” — esses papéis poderiam ter sido memoráveis nas mãos de inúmeros atores. Diane Keaton os tornou icônicos.
Desde seu papel de destaque em O Poderoso Chefão até sua inesquecível interpretação de uma dramaturga que navega por traiçoeiras águas românticas em Alguém Tem Que Ceder, Keaton — que faleceu ontem aos 79 anos — nunca deixou de adicionar profundidade, humanidade, força e um senso de vulnerabilidade a cada personagem que interpretou. Aqui estão 10 de nossas performances favoritas da grande e saudosa atriz.
O Poderoso Chefão (1972)
Quando a maioria das pessoas menciona este marco imponente dos anos 1970 — a fusão perfeita entre a amplitude da velha Hollywood e a garra da nova Hollywood — elas falam de Brando, Pacino, Coppola, as citações intermináveis que permanecem parte do léxico pop (“Eu vou fazer uma oferta que ele não pode recusar”). Diane Keaton geralmente não é a primeira pessoa a ser mencionada, mas não se engane: ela é uma parte absolutamente essencial desta obra-prima americana.
Sua personagem, Kay Corleone, não é apenas a substituta do público, observando a cultura e os costumes deste clã ítalo-americano da perspectiva de uma estranha e, assim, nos permitindo entrar também nesse mundo. Ela é o centro moral do filme, aquela que confronta Michael Corleone por barganhar sua alma e fazer tudo ser sobre negócios em vez de ser pessoal. Até mesmo a insistência de Kay de que “senadores e presidentes não mandam matar pessoas” (quem está sendo ingênua agora, Kay?) sugere uma visão otimista do mundo que neutraliza a realidade violenta da mentalidade da máfia de seu namorado. Sua leitura daquela frase diz tudo. E quando aquela porta é fechada para Kay na cena final do filme, Keaton garante que você veja a perda no rosto de Kay.
Ela reprisaria a personagem com grande efeito em O Poderoso Chefão: Parte II — sua cena “isso tudo tem que acabar” permanece absolutamente devastadora — e retornaria para a Parte III décadas depois. Mas seu papel de estreia no cinema estabeleceu Keaton como alguém que seguiríamos para qualquer lugar. Vê-la era uma oferta que nunca poderíamos recusar.
Noivo Neurótico, Noiva Nervosa (1977)
Keaton foi escalada ao lado de Woody Allen na produção teatral original de 1969 de Play It Again, Sam (Sonhos de um Sedutor), que marcaria o início de um longo relacionamento romântico e de uma colaboração profissional ainda mais longa e indelével. Seu trabalho contracenando com o ator-diretor na versão cinematográfica de 1972 dessa comédia que idolatra Humphrey Bogart, bem como em O Dorminhoco (Sleeper, 1973) e Guerra e Paz (Love and Death, 1975), ajudou a estabelecê-la como uma comediante de primeira linha e a parceira perfeita para o desajeitado e eterno nebbish (indivíduo patético e inseguro) de Allen.
No entanto, foi o tributo de Allen a Keaton em 1977 que a transformou em uma estrela de cinema de boa-fé. A partir do momento em que ela profere a frase característica de Annie, “La di da” — um termo que Keaton pegou de seu próprio repertório de frases da vida real —, ficamos tão encantados por esta nova-iorquina maluca, adorável e neurótica quanto Alvy Singer.
As roupas por si só foram suficientes para tornar a personagem-título um ícone e impulsionar uma tendência de moda de ternos folgados e chapéus flexíveis. No entanto, é a maneira como Keaton transforma uma intelectual boba (ou talvez seja uma intelectual desajeitada?) em uma mulher moderna tridimensional e totalmente desenvolvida. O papel lhe rendeu um Oscar, e Keaton continuaria a trabalhar esporadicamente com Allen nas décadas seguintes. Mas este permanece como o auge tanto de seu trabalho conjunto quanto da era de “It Girl” de Keaton nos anos 70. La di da, de fato.
À Procura de Mr. Goodbar (1977)
“Prefiro ser seduzida a confortada”, diz Theresa Dunn, a professora interpretada por Diane Keaton, a alguém no início da adaptação de Richard Brooks para o best-seller de Judith Rossner — e sua personagem passará o resto do filme procurando o Sr. Certo (ou o Sr. Serve-Para-Esta-Noite) em busca tanto de sedução quanto de conforto.
Visto hoje, esta abordagem à então crescente tendência dos bares de solteiros parece datada em todos os sentidos, exceto pela performance extraordinária de Keaton. Ela consegue fazer com que Dunn pareça tanto um símbolo representativo de toda mulher tentando navegar em águas sociais agitadas, quanto o tipo de mulher comum que você veria no metrô.
Sério, nomeie outro ator por volta de 1977 que poderia se manter firme contra um maníaco Richard Gere usando um suspensório atlético, agitando os braços enquanto segura o que parece ser uma faca cor fluorescente! Keaton faz você sentir a solidão e a esperança dessa mulher sem fazê-la parecer lamentável ou desesperada; o jogo de emoções que transcorre em seu rosto durante aquela sequência com Gere, ou quando ela percebe que o último encontro que leva para casa é menos estável do que imaginava, entrega tudo sem dizer uma palavra.
Reds (1981)
Vendido como um épico drama romântico histórico, este retrato do ativista comunista do início do século XX, John Reed, tinha a grandiosidade de …E o Vento Levou ou Doutor Jivago. Mas nem Vivien Leigh nem Julie Christie tiveram um papel tão substancial quanto o que foi dado a Diane Keaton pelo diretor Warren Beatty — o da autora feminista Louise Bryant, que se apaixona por Reed, mas nunca perde sua ardente independência no processo.
Após uma década ganhando aclamação nos filmes de O Poderoso Chefão e como musa frequente de Woody Allen, Keaton encontrou uma nova marcha aqui, exibindo um intelecto cortante que estava muito distante das personagens mais suaves e doces de sua carreira anterior. No entanto, a desafiança de Bryant é muito bem complementada pelas vulnerabilidades da personagem, dando a Keaton a chance de fazer uma história de amor em uma tela grandiosa que, no entanto, parece íntima da maneira que suas melhores performances sempre foram.
E quem pode esquecer os trechos finais de Reds, nos quais Bryant vai àquela estação de trem lotada na esperança de que seu verdadeiro amor, Reed, apareça — sua antecipação se transformando em pânico, depois em desespero, e finalmente em gratidão lacrimosa.
A Chama Que Não Se Apaga (1982)
Para muitos, Keaton epitomou a mulher independente da década de 1970. No contundente drama doméstico de Alan Parker, ela daria um rosto ao crescente número de divorciadas no início dos anos 1980.
Como uma das metades do casal que se desintegra diante de seus olhos, Faith Dunlap (Keaton) é forçada a lidar com seu marido infiel, George (interpretado por Albert Finney), e tenta encontrar o amor em meio às ruínas de sua situação com um empreiteiro (Peter Weller) que está construindo sua quadra de tênis. Você não chamaria a separação deles de amigável. Todos se lembram da pura crueldade das brigas neste filme — acredite, elas são brutais — e o quociente de amargura é altíssimo.
Mas são os momentos silenciosos de Keaton no filme que nos atingem quando o revemos agora, desde o olhar de choque em seu rosto enquanto os Dunlaps voltam para casa após um evento formal, até Faith fumando um cigarro de maconha na banheira e cantando suavemente “If I Fell” dos Beatles. É de alguma forma o momento mais bonito e devastador em um filme repleto de som e fúria, e é tudo obra de Keaton.
Crimes do Coração (1986)
É a santíssima trindade de atrizes de peso dos anos 1980 (se Meryl Streep estivesse envolvida, seria como Os Vingadores para as mulheres fortes daquela época, cujos nomes ficavam acima do título nos cinemas). E você não poderia pedir um trio melhor do que Sissy Spacek, Jessica Lange e Diane Keaton para abordar a peça vencedora do Pulitzer de Beth Henley sobre três irmãs sulistas lidando com as consequências de um crime — especificamente, um que envolve não apenas o coração, mas o corpo de um dos maridos.
Retornando à casa da família no Mississippi, as irmãs Magrath têm cada uma sua maneira de lidar com a situação; para Lenny Magrath de Keaton, que é mais reservada, isso significa se preocupar que a família seja dilacerada pelo escândalo e lamentar uma juventude que a deixou para trás. É definitivamente um trabalho de conjunto, e a alegria do filme é ver essas três estrelas interagindo entre si. Mas isso não significa que Keaton não tenha seus momentos de destaque, ou que não consiga transformar uma cena simples envolvendo o ato de comer seus chocolates em uma ária de raiva e ressentimento acumulado.
Presente de Grego (1987)
A década de 1980 teve sua parcela de comédias sobre mulheres no ambiente de trabalho corporativo, de Como Eliminar Seu Chefe (9 to 5) a Uma Secretária de Futuro (Working Girl). No meio desses clássicos está Presente de Grego (Baby Boom), a primeira colaboração entre Keaton e Nancy Meyers.
Ela estrela como J.C. Wiatt, uma yuppie obcecada pela carreira que herda o bebê de uma prima que não via desde 1954. Ela acaba abandonando Nova York — e seu namorado banqueiro, interpretado por Harold Ramis — e se muda para a zona rural de Vermont, onde assume totalmente o papel de mãe e inventa comida natural para bebês.
Tinha se passado apenas uma década desde Noivo Neurótico, Noiva Nervosa, mas Keaton passou os anos recentes estrelando dramas; é quase como se ela estivesse armazenando toda essa energia cômica e ansiosa, esperando para liberá-la. Nem um único segundo deste filme de 110 minutos é desperdiçado, enquanto ela tem um colapso histérico após o outro, como quando seu poço literalmente seca e ela desabafa com o técnico de reparos — de forma tão profunda que cai de costas na neve.
Revisitando o filme anos depois, ela ficou surpresa com sua própria atuação. “Eu assisti”, ela disse, “e pensei, ‘Meu Deus, eu não sei como eu fiz isso’”.
O Pai da Noiva (1991)
Logo após O Poderoso Chefão Parte III, Keaton interpretou uma esposa muito diferente — o tipo calma, cool e controlada, que tira o marido teimoso (Steve Martin) da cadeia depois que ele se recusa a comprar um pacote de doze pães de cachorro-quente em vez dos oito que ele queria.
Neste remake da comédia de 1950 O Pai da Noiva, Nina Banks era o contraponto cômico ao seu marido tenso e neurótico, que simplesmente não conseguia aceitar o fato de que a filha, Annie (Kimberly Williams), estava se casando. Nina genuinamente gosta de seu charmoso futuro genro (George Newbern) e do planejador de casamentos caprichosamente estranho, Franck Eggelhoffer (Martin Short). Mas em vez de apenas interpretar uma dona de casa complacente que balança a cabeça para as palhaçadas ridículas do marido — aquele casamento custou US$ 250 por cabeça! —, Keaton trouxe profundidade a Nina, tornando-a pé-no-chão, lógica e incrivelmente engraçada.
Ela ganhou ainda mais material para trabalhar na sequência de 1995, quando Nina engravida junto com a filha, e George vende a casa sem lhe contar. Keaton brilha com cada fala naquele filme também, como quando Annie lhe pergunta se ela tirou uma foto da árvore favorita deles antes de se mudarem. “Apenas um rolo inteiro, querida”, ela responde em lágrimas.
O Clube das Desquitadas (1996)
Como Annie MacDuggan-Paradis, uma dona de casa ansiosa preterida pelo marido em favor da terapeuta do casal, Keaton ofereceu empatia àquelas que lutam para encontrar autonomia no final de um casamento.
Sua química com as co-estrelas de O Clube das Desquitadas, Bette Midler e Goldie Hawn — que supostamente sugeriu Sally Field para o papel de Annie — era inegável e cativantemente convincente. Juntas, era impossível não torcer por elas, e a merecida vingança de Annie, quando ela finalmente se impôs e assumiu a agência de publicidade do marido, gerou aplausos.
O filme não estaria completo sem o trio performando sua própria versão do sucesso de Lesley Gore, “You Don’t Own Me” — um hino para qualquer pessoa tentando se reerguer. Keaton frequentemente refletia sobre o quanto foi divertido filmar este longa, e é um sentimento que o espectador consegue captar. Ela era alguém que realmente apreciava seu trabalho.
Alguém Tem que Ceder (2003)
Keaton colaborou com Nancy Meyers quatro vezes ao longo de sua carreira, mas nenhum filme foi tão satisfatório quanto Alguém Tem Que Ceder. Era uma comédia romântica clássica, mas com uma reviravolta: Meyers rejeitou a ideia de que esses tipos de filmes tivessem que ser estrelados por atores jovens, permitindo que Keaton e Jack Nicholson tivessem a oportunidade de provar que o amor chega em todas as idades.
Ela trouxe uma doçura a Erica, uma dramaturga de sucesso que não sucumbiu à amargura do divórcio. Era fácil ver por que o jovem Julian (Keanu Reeves) estava tão apaixonado por ela — o público também estava.
Ela venceu o Globo de Ouro e conquistou várias indicações adicionais, incluindo a de Melhor Atriz no Oscar. O filme apresenta a memorável cena em que Keaton se despe para uma sequência cômica com Nicholson, e ela disse mais tarde à Interview: “Não era a minha ideia de um bom momento, mas era um filme tão maravilhoso. E, claro, eu fiz a coisa que pensei que nunca faria. Então, o que isso diz sobre mim?”.
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Filme sobre show de Elvis Presley de Baz Luhrmann com imagens inéditas chega aos cinemas em 2026
Um novo filme de show de Elvis Presley, dirigido por Baz Luhrmann e com um tesouro de imagens e gravações inéditas, está previsto para chegar aos cinemas em 2026, informa a Variety.
EPiC: Elvis Presley in Concert (2026) é centrado em grande parte em torno de vídeos recém-descobertos da famosa residência de Presley em Las Vegas em 1970 e sua turnê norte-americana de 1972. O filme também apresenta novas imagens em 8mm dos arquivos de Graceland, além de gravações de Presley falando sobre sua vida, que Luhrmann descobriu enquanto trabalhava no filme biográfico de 2022, Elvis (2022).
EPiC (2026) estreou no Festival Internacional de Cinema de Toronto no mês passado. Desde então, foi adquirido pela Neon, que lançará o filme nos cinemas dos EUA em 2026.
Em um novo comunicado, Luhrmann descreveu EPiC (2026) como “uma experiência que não é apenas um documentário e não é apenas um filme de show”. Ele acrescentou: “Desde o primeiro dia em que meu editor, Jonathan Redmond, e eu encontramos essas imagens raras e nunca vistas de Elvis há quase oito anos, nossa missão tem sido que Elvis finalmente realizasse seu sonho não concretizado de fazer uma turnê pelo mundo”.
A maior parte das imagens inéditas foi originalmente filmada para os dois primeiros filmes de show de Presley dos anos 1970: Elvis: That’s the Way It Is (1970) e Elvis on Tour (1972). Como Luhrmann explicou anteriormente, ele se propôs a encontrar essas imagens perdidas no início da produção de Elvis (2022), pensando originalmente que, se conseguissem encontrá-las, poderiam restaurá-las e usá-las no filme biográfico.
Eles não apenas encontraram essas imagens em um cofre da Warner Bros. — situado, dentre todos os lugares, em uma mina de sal subterrânea no Kansas — como Luhrmann disse que “descobriram 68 caixas de negativos de filme, além de imagens inéditas em 8mm”. Havia até um novo vídeo do famoso show de 1957 de Presley com a “jaqueta lamê dourada” no Havaí. Mas as descobertas favoritas do diretor foram as “gravações inéditas de Elvis falando sobre sua vida e música”, que o inspiraram a fazer EPiC (2026).
Luhrmann e sua equipe passaram os últimos dois anos restaurando as imagens de vídeo para apresentação. Ele também disse que tiveram que “recuperar meticulosamente o som das muitas fontes não convencionais que também foram desenterradas”.
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O cãozinho de ‘Caramelo’, novidade da Netflix, morre no final?
Caramelo, drama estrelado por Rafael Vitti (Além da Ilusão) e pelo astro de quatro patas Amendoim, vivendo o vira-lata caramelo, animal que virou símbolo do Brasil em diversos memes, já está disponível na Netflix e figura entre os mais assistidos da plataforma. Mas o que muitos querem saber antes de dar o play é: o cãozinho morre no final? Saiba a seguir:
Do que se trata?
Na história, Pedro (Rafael Vitti) é um obstinado chef de cozinha que está prestes a realizar seu sonho de liderar um restaurante, quando um diagnóstico inesperado vira tudo de cabeça para baixo. Com a ajuda de um simpático vira-lata caramelo (Amendoim), ele embarca em uma emocionante jornada de redescoberta, encontrando significado e inspiração no agora. É para se emocionar – e se apaixonar.
Quem está na produção?
Com direção de Diego Freitas (Depois do Universo), Caramelo traz no elenco, ainda, Arianne Botelho (A Lei do Amor), Noemia Oliveira (Porta dos Fundos), Ademara (Sem Filtro), Kelzy Ecard (Segundo Sol), Bruno Vinicius, Roger Gobeth (Floribella), Olívia Araújo (Fuzuê), além de Cristina Pereira e Carolina Ferraz (O Astro), e uma participação especial da chef Paola Carosella.
Afinal, o cãozinho de Caramelo morre no final?
Pode ficar tranquilo, o longa brasileiro não mostra o cãozinho morrendo ao final do filme. A história termina com Pedro e seu cachorro juntos após um longo período de tempo. “Lá se vão 12 anos. Quem diria! Para quem já teve só sete dias, eu até que estou no lucro. Respirando… Sentindo… Vivendo”, diz Pedro em off curtindo a praia e o mar ao lado do mascote, indicando que seu tumor entrou em remissão, mas ainda sem cura.
“A cura ainda não veio. Mas o que é a cura, senão estar aqui? Construindo um lar, fazendo planos, tendo sonhos – sempre com você ao meu lado, meu amigo”, ao lado de seu fiel cão, já mais velho, encerrando a história de forma filosófica.
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‘Depois da Caçada’, novo filme de Luca Guadagnino, estreia nos cinemas brasileiros
Depois da Caçada, novo filme do diretor Luca Guadagnino (Me Chame Pelo Seu Nome e Rivais), estrelado por Julia Roberts (Um Lugar Chamado Notting Hill), Ayo Edebiri (O Urso) e Andrew Garfield (O Espetacular Homem Aranha), estreia nos cinemas brasileiros nesta quinta-feira, 9 de outubro.
Do que se trata?
Depois da Caçada é um drama psicológico sobre uma professora universitária (Julia Roberts) que se encontra em uma encruzilhada quando uma estudante (Ayo Edebiri) faz uma acusação contra um professor (Andrew Garfield), e um segredo obscuro do seu próprio passado ameaça vir à tona.
Quem está no elenco?
Além do trio principal, o elenco do filme também conta com Chloë Sevigny (Psicopata Americano) e Michael Stuhlbarg, que trabalhou com Guadagnino em Me Chame Pelo Seu Nome.
Os músicos e compositores Trent Reznor e Atticus Ross, responsáveis pela trilha sonora de Rivais e Queer, filmes dirigidos por Luca Guadagnino, também retomam a parceria com o diretor.
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