As 50 melhores músicas do Aerosmith, segundo Rolling Stone
Por mais de 50 anos, o Aerosmith tem reinado como os guerreiros supremos do rock & roll americano. Os “Bad Boys de Boston” construíram um dos repertórios mais clássicos de todos os tempos, sem nunca fazer nada do jeito sensato. Eles estouraram nos anos setenta como o carro chefe do blues-metal, os monstros do gênero mais legais de todos: o ataque de guitarra de Joe Perry e Brad Whitford, o ritmo funk de Joey Kramer e Tom Hamilton, a tagarelice suja e desenfreada do maluco/poeta Steven Tyler.
Mas o Aerosmith também reinou como a irmandade mais disfuncional do rock, com cinco personalidades famosamente combativas. Esses caras batalharam, se cansaram, bateram no fundo do poço, mas sobreviveram para fazer um dos retornos mais bizarros da história da música. Nada poderia matar sua química estranha — nem drogas, nem desintoxicação, nem todos aqueles anos de caos do rock & roll. “Cometemos cada erro seis vezes”, Joe Perry disse a Rolling Stone em 2001. “Nós pagamos por toda essa porra. Eu saí da banda, Brad saiu da banda, a gente errou muito, assinamos contratos ruins, tivemos empresários ruins, tivemos bons empresários. Mas durante tudo isso, algo nos manteve juntos.”
Infelizmente, o Aerosmith acabou de ter que anunciar que eles finalmente estão parando como banda de turnê, depois que Tyler fraturou sua laringe no palco. Mas em honra a sua trajetória histórica, vamos celebrar esse legado com um tributo às 50 melhores músicas do Aerosmith. Algumas dessas melodias são mega-hits famosos que todo mundo conhece. Outras são lados B, valorizados por fãs vigorosos. Algumas são hinos de guitarra para bate cabelo; algumas são baladas da MTV. Mas essas 50 melodias clássicas definem o Aerosmith como os mais cruéis, mais sujos e maiores fora-da-lei do hard rock americano. Toque essas músicas alto para sempre, e continue sonhando.
50. ‘Make It’ (1973)
O Aerosmith deu o pontapé inicial em seu álbum de estreia com “Make It“, um dos mais icônicos hinos de “Boa noite, pessoal, bem-vindos ao show” do rock dos anos setenta. Foi uma declaração de missão. Eles tinham acabado de tomar a escolha decisiva de se mudar juntos para Boston, conseguir um apartamento e buscar sua fortuna. “Make It” é a música que Tyler compôs no banco de trás quando a banda dirigiu para lá. “Escrevi ‘Make It‘ num carro dirigindo de New Hampshire para Boston”, ele disse. “Tem aquela colina que você sobe e vê o horizonte de Boston.” Ele escreveu a letra numa caixa de lenços de papel, olhando para a cidade, pronto para perseguir o sonho. Toda a saga do Aerosmith começa aqui. — R.S.
49. ‘S.O.S. (Too Bad)’ (1974)
Este sucesso metálico do álbum Get Your Wings (1974) parece o Aerosmith no seu melhor rosnando. Tyler ronda com uma intensidade feroz. Kramer está segurando suas baquetas ao contrário, batendo com as pontas grossas só para ficar tão alto quanto humanamente possível. Mas é Perry quem rouba o show, com um solo de guitarra afiado numa lâmina de barbear enferrujada. Rápido e irregular, o toque de guitarra de Perry pinga com ameaça proto-metal, combinando com o ritmo maníaco definido pelo estoico deus do baixo Hamilton. O ano de 1974 foi um momento de fazer ou morrer para a banda de Boston, que estava constantemente no cepo da gravadora. “S.O.S.” é uma declaração de intenção de uma banda que sabia que tinha algo a provar — e provou com pura força. — S.G.
48. ‘Kings and Queens’ (1977)
Quem se importa se a letra de Tyler confunde viagens vikings com implementos de execução da revolução francesa? “Kings and Queens” contém uma das melodias mais ousadas e dramáticas do Aerosmith, e a ponte sombria acena para o Pink Floyd tanto quanto para as baladas passadas da banda como “Dream On“. Embora a canção parecesse um deslize comparada a tudo no álbum Rocks (1976) antes dela, em retrospectiva, é um testemunho de como as escolhas musicais certas (como a forma que Tyler geme “Screams of no reply” (“Gritos sem resposta”) podem elevar uma banda a um trono mais alto. — K.G.
47. ‘Fever’ (1993)
Get a Grip (1993) é o som do Aerosmith rasgando pela estrada do roqueiro de meia-idade: famintos por sucessos, mas felizes de estar ali. A produção polida está longe do grunhido de rock de garagem da banda dos anos setenta. Mas até os críticos teriam dificuldade em resistir à atração gravitacional de “Fever“, com sua energia delirante e aquelas harmonias excitadas na ponte. Nunca alguém a recuar de uma metáfora deliciosamente vulgar, Tyler canta: “The buzz that you’re getting from the crack don’t last, I’d rather be OD’ing in the crack of her ass.” (“O barato que você está tendo com o crack não dura, eu preferiria estar em overdose na fenda da bunda dela.”) É o Tyler clássico, regozijando-se na sacanagem e no absurdo de tudo, que é tudo que podemos pedir. — S.G.
46. ‘Remember (Walking in the Sand)’ (1979)
O Aerosmith abriu 1979 com Night in the Ruts (1979) olhando para trás em seu apogeu com “No Surprize“. O único lançamento do álbum de fraco desempenho foi outro gesto nostálgico, uma versão da obra-prima operística de grupo feminino das Shangri-Las de 1964, “Remember (Walking in the Sand)“, reformulada como uma grande balada de metal de arena. Pode ter parecido uma escolha estranha para os fãs do Aerosmith, mas conectava-se às raízes rock’n’roll novaiorquinas de Tyler. Ele tinha visto as Shangri-Las se apresentarem ao vivo antigamente, e a cantora das Shangri-Las, Mary Weiss, forneceu vocais de apoio (sem créditos) na versão do Aerosmith. — J.D.
45. ‘East Coast, West Coast’, do The Joe Perry Project (1981)
Perry deixou o Aerosmith em 1979 e formou rapidamente o The Joe Perry Project, argumentando que o vocalista da banda Ralph Mormon era um cantor melhor que Tyler, incluindo nas músicas do Aerosmith que Perry teimosamente manteve no repertório de sua nova banda. Mormon saiu após o surpreendentemente bom álbum de estreia de 1980, Let the Music Do the Talking, para ser substituído pelo cantor e compositor local Charlie Farren, que trouxe a sublime joia de metal pop “East Coast, West Coast” para o segundo LP do Project, I’ve Got the Rock and Rolls Again (1981). Estava no repertório da banda quando eles entraram em turnê em 2023, desta vez com Gary Cherone do Extreme nos vocais. — J.D.
44. ‘The Reason a Dog’ (1985)
“The reason a dog has so many friends? He wags his tail instead of his tongue.” (“A razão de um cachorro ter tantos amigos? Ele abana o rabo em vez da língua.”) Muito gentil da parte de Tyler oferecer dicas de etiqueta sobre manter a boca fechada, mas obviamente, ele nunca tentou seguir seu próprio conselho. “The Reason a Dog” é uma mistura enxuta e malvada de Done With Mirrors (1985), o álbum onde eles se reuniram com Perry e Whitford, aprendendo tudo de novo sobre como escrever músicas do Aerosmith. “Não quero que os fãs pensem que somos garotos americanos limpos e honrados”, disse Perry a Rolling Stone. “Mas somos americanos, e nós ficamos de pé.” Dois anos antes de Permanent Vacation (1987), é aqui que o verdadeiro retorno do Aerosmith começa. — R.S.
43. ‘Woman of the World’ (1974)
“Woman of the World” é uma entrada curiosa na obra do Aerosmith — uma das poucas faixas de blues-rock que celebra uma rica dona de gatos sem filhos com talento para receber visitas. Tyler canta suavemente: “She’s got big-eyed cats, she’s got coats of sable.” (“Ela tem gatos de olhos grandes, ela tem casacos de zibelina.”) Depois acrescenta: “She seats 44 at her dinner table,” (“Ela acomoda 44 em sua mesa de jantar”), sobre um ritmo de blues que é hipnótico e expansivo. O vocal de Tyler tem um toque distante e tranquilo, mesmo enquanto ele claramente continua trabalhando para imitar seu herói, James Brown. “Woman of the World” captura o Aerosmith num momento de formação, onde Perry e Tyler estavam apenas começando a descobrir sua dinâmica, mas já capazes de criar algo que transcendia suas influências. — S.G.
42. ‘Home Tonight’ (1976)
A confiança do Aerosmith estava tão alta em 1976 que eles decidiram encerrar Rocks superando Elton John. (É justo, já que Rock of the Westies de 1975 de Elton era basicamente sua versão de um álbum do Aerosmith.) “Home Tonight” é uma balada grandiosa de piano, vindo como um final surpresa em Rocks após um álbum inteiro de suas guitarras mais pesadas. Tyler se despede da audiência, com harmonias polidas até brilharem. Whitford fecha com seus solos de guitarra inflexivelmente ferozes — uma bela combinação. — R.S.
41. ‘Bolivian Ragamuffin’ (1982)
Esses foram os anos perdidos da banda no deserto, sem Perry ou Whitford. Mas “Bolivian Ragamuffin” é uma estranheza bizarra deliciosamente fora do padrão do Lado A de Rock in a Hard Place (1982). É a única vez que o Aerosmith tentou copiar o Rush, com Tyler reclamando sobre uma batida tirada direto de “The Spirit of Radio” — uma influência improvável, mas uma encruzilhada surpreendentemente bacana entre Megadon e “Mama Kin“. “Bolivian Ragamuffin” prova que até os álbuns mais ruins do Aerosmith geralmente têm pelo menos alguns tesouros enterrados — se você tiver estômago para caçá-los. (E se você está procurando neste álbum, não ignore “Joanie’s Butterfly.”) —R.S.
40. ‘Come Together’ (1978)
O musical cinematográfico de 1978 Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band foi uma catástrofe tão épica que quase destruiu as carreiras de Peter Frampton e dos Bee Gees perto do auge absoluto de sua fama. A única coisa boa que saiu dele foi a versão do Aerosmith de “Come Together“, que eles tocam durante um momento tipicamente incompreensível no filme onde Frampton e os Bee Gees tentam resgatar uma mulher amordaçada e amarrada a uma placa de neon. Termina com Frampton e Tyler brigando no palco, mas não importa. A música foi o último sucesso deles antes de Run-D.M.C. trazê-los de volta do esquecimento quase uma década depois. — A.G.
39. ‘I Don’t Want to Miss a Thing’ (1998)
Existem dois tipos de pessoas neste mundo: aquelas que veem “I Don’t Want to Miss a Thing” como uma balada poderosa açucarada e piegas que o Aerosmith nem escreveu, e aquelas que acham que é uma de suas melhores músicas dos anos 90 — uma balada irmã linda e épica de “Angel“. Embora seja verdade que Diane Warren escreveu o tema de Armageddon de 1998, ela admitiu que a banda e o produtor Matt Serletic foram responsáveis pelo gigante que se tornou. “Aquilo foi Steven sendo Steven, fazendo a merda legal que só ele pode fazer”, disse Warren, elogiando o arranjo de cordas e as oitavas dramáticas. “Lembro da primeira vez que ouvi e fiquei literalmente derrubada da minha cadeira de quão ótimo aquilo era.” —A.M.
38. ‘The Other Side’ (1989)
Ninguém consegue fazer “mmm-mmm-mmm” como Tyler. Combinado com a caixa de Kramer, a onomatopeia de Tyler anunciou a chegada do que é indiscutivelmente a faixa mais cativante de Pump (1989). É tão simples quanto o rock do fim dos anos 80 ficou, entre o baixo sem frescura de Hamilton, metais simples e brilhantes, e clichês fazendo papel de letras (“Between the devil and the deep blue sea!”; “Entre o diabo e o mar azul profundo!”). Não importa, “The Other Side” é irresistível — talvez demais. Os compositores de “Standing in the Shadow of Love” dos Four Tops ameaçaram ação legal pela melodia excessivamente similar do Aerosmith, resultando num crédito Holland/Dozier/Holland ao lado de Tyler e seu coautor Jim Vallance. —J.H.
37. ‘Combination’ (1976)
Nenhuma música no rock & roll incorpora a ideia de estar “elegantemente arrasado” como esta contribuição de Perry para Rocks (1976). A letra “Walking on Gucci, wearing Yves St. Laurent/barely staying on cause I’m so goddamn gaunt” (Andando de Gucci, vestindo Yves St. Laurent/mal conseguindo ficar em pé porque estou tão terrivelmente magro) expôs a elegância de estrela do rock. Perry na verdade faz mais do que apenas harmonizar com Tyler na música: ele canta a voz principal, quase. Em suas memórias, o guitarrista observou o ciúme que experimentava de seus companheiros de banda toda vez que se aproximava dos holofotes. “Depois de um tempo, porém, a banda cedeu e me apoiou, contanto que eu cantasse a música como uma espécie de dueto com Steven”, escreveu Perry sobre “Combination“. “Até hoje, [eu] fico surpreso com a frequência com que me pedem para tocá-la ao vivo.” —J.H.
36. ‘My Fist Your Face’ (1985)
Ninguém esperava nada do álbum de reunião do Aerosmith, Done With Mirrors (1985). Muito menos eles. “Sei que todo mundo vai perguntar se voltamos a ficar juntos por dinheiro”, disse Perry à Rolling Stone em 1984. “E é claro que sim.” No entanto, tinha sinais surpreendentes de vida, como esta pequena vinheta de briga de bar matadora. “My Fist Your Face” era punk o suficiente para os The Replacements tocarem na turnê de Tim (1985), plenamente conscientes de que nenhum de seus fãs a conheceria. “Os Quiet Riots e todos aqueles caras com couros e tachas e as pilhas de amplificadores Marshall que não estão ligados é melhor tomarem cuidado”, alardeou Perry. “Nós somos a banda sobre a qual sua mãe avisou você.” —R.S.
35. ‘You See Me Crying’ (1975)
Esta joia poderosa mostrou a banda experimentando como fazer a vulnerabilidade bater tão forte quanto sua pestana de guitarra mais pesada — uma habilidade que os serviria bem quando depois invadiram as paradas pop. Tyler pressionou a banda a gastar numa orquestra de 100 peças e assumiu o comando dos arranjos. É uma peça de piano enganosamente complexa, com mudanças de compasso e oscilações dinâmicas que combinam perfeitamente com a extensão vocal sobrenatural de Tyler. No entanto, apesar de todas as suas complexidades, “You See Me Crying” quase se perdeu na névoa dos excessos notórios da banda. Conta-se que Tyler — profundamente em estado alterado — uma vez ouviu a música no rádio e sugeriu que eles a regravassem, apenas para Perry responder: “Somos nós, cabeça de merda.” —S.G.
34. ‘Lightning Strikes’ (1982)
O Aerosmith estava totalmente fora de sincronia com as tendências de 1982, quando fizeram Rock in a Hard Place — isso mesmo, o álbum onde eles acharam que era legal colocar Stonehenge na capa. This Is Spinal Tap (1984) veio dois anos depois, e sim, Steven Tyler levou para o lado pessoal. Mas mesmo sem Joe Perry, o álbum tinha guitarras cruéis dos firmes substitutos Rick Dufay (pai da Minka Kelly!) e Jimmy Crespo. “Lightning Strikes” tem aquele velho poder de riff chicoteante e os jogos de palavras de Tyler, quando ele ameaça “ler seus direitos fúnebres.” —R.S.
33. ‘Dude (Looks Like a Lady)’ (1987)
Houve um tempo, não muito tempo atrás, quando você podia chamar uma música de “Dude (Looks Like a Lady)” e era totalmente socialmente aceitável. Na verdade, este foi o grande single do álbum que restabeleceu o Aerosmith como produtores de sucessos dos anos 80 depois que seu remake de “Walk This Way” com Run-D.M.C. ajudou a apresentá-los à geração MTV. Para conseguir a sagacidade pop de que precisavam, a banda se juntou a Desmond Child, recém-saído de seu trabalho mega-platinado com Bon Jovi. As letras foram inspiradas em eventos da vida real — ou seja, Tyler bêbado vendo uma loira gostosa de trás e então ficando chocado quando ela/ele acabou sendo o cantor do Mötley Crüe, Vince Neil. —J.D.
32. ‘Draw the Line’ (1977)
O Aerosmith tinha feito um álbum por ano durante quatro anos quando chegaram a Draw the Line de 1977, e seu esgotamento e consumo de drogas deram ao quinto álbum uma sensação única de desespero danificado. Com seu riff brutamontes e produção turva e nem-aí, a faixa-título soa mais cruel que muito do punk-rock surgindo no mesmo ano. Tyler explicou a letra “Carrie… was a wet-nap winner” assim: “Bem, um wet nap é algo com que você limpa bundas de bebês. Antigamente, se você tivesse sorte o suficiente de pegar uma aeromoça num avião e você saísse do banheiro, tudo que você tinha para limpar era um wet nap.” —J.D.
31. ‘Adam’s Apple’ (1975)
Deixe com o Aerosmith pegar a saga de Adão e Eva e torná-la ainda mais picante nesta faixa obscura de Toys in the Attic (1975). Sobre uma baixaria de guitarra martelante, Tyler apresenta sua própria teoria de possível intervenção alienígena (a “nave-mãe” que vem “do céu”), mas o que se segue poderia fazer um extraterrestre corar. Adão se delicia no “fruto doce e amargo” de Eva, e ela mesma “comeu — Senhor, foi amor à primeira mordida.” Ainda assim, o mais fascinante sobre “Adam’s Apple” é a solenidade com que Tyler a encara, até lamentando a maneira como “o mal veio como chuva” depois que são expulsos do Jardim do Éden. Bastou o fim da inocência do homem para assustar Tyler. —D.B.
30. ‘Let the Music Do the Talking’ (1985)
Nos anos em que o Aerosmith estava brigando com Perry, foi o guitarrista quem realmente manteve a chama acesa. Todos os três álbuns de seu Projeto Joe Perry ainda são guardados. (Podemos receber um amém para “Black Velvet Pants“? “South Station Blues“? Que tal “I’ve Got the Rock & Rolls Again“?) Mas o auge foi sua música-título arrasadora de 1980 Let the Music Do the Talking. Então, quando Perry voltou ao Aerosmith, eles sabiamente a reviveram como o single e faixa de abertura de Done With Mirrors de 1985. Um caso raro desta banda tomar uma decisão sensata de carreira. —R.S.
29. ‘Chip Away the Stone’ (1978)
O grande sucesso perdido do Aerosmith, um favorito cult valorizado por conhecedores fervorosos. “Chip Away the Stone” é uma valentia rude de country ao estilo Skynyrd, escrita pelo amigo e colaborador de longa data Richie Supa. Como single ao vivo, fracassou no número 77, quebrando sua sequência de sucessos no Top 40. Mas a versão de estúdio muito superior foi enterrada no Lado B, e nem sequer apareceu num álbum até uma década depois, na coletânea Gems (1988). Uma banda mais sensata teria escolhido a “Chip Away the Stone” de estúdio como o single — poderia ter sido o sucesso de rádio salvador de carreira de que eles desesperadamente precisavam. Mas em 1978, Aerosmith e sanidade nem estavam conversando. —R.S.
28. ‘Crazy’ (1993)
Pelos padrões de hoje, escalar sua filha de 16 anos como uma estudante de colegial sexy num vídeo onde ela nada nua, entra num concurso numa casa de strip, e dirige por aí de sutiã ao lado de outra garota má adolescente, interpretada por Alicia Silverstone, parece bem perturbador. Bem, era perturbador em 1993, mas o Aerosmith não dava a mínima. O vídeo transformou Liv Tyler (que tinha acabado de descobrir que Steven Tyler era seu pai) numa estrela, e transformou “Crazy” em mais um sucesso gigante de Get a Grip (1993). —A.G.
27. ‘Big Ten Inch Record’ (1975)
O Aerosmith já tinha regravado “Train Kept a Rollin’” e “Walkin’ the Dog” em álbuns anteriores, mas há algo especialmente comovente em ouvir a banda que deu ao mundo “Back in the Saddle” e “Lord of the Thighs” prestar homenagem às raízes do rock de duplo sentido com sua versão boogie-woogie do clássico blues fálico de 1952 de Bull Moose Jackson. Eles mandam com afeto real, caras do rock pesado prestando homenagem a um precursor estético. —J.D.
26. ‘Rats in the Cellar’ (1976)
Um ano depois de “Toys in the Attic“, o Aerosmith virou a casa da diversão de cabeça para baixo para a sequência, “Rats in the Cellar“. Mas é um conto mais sombrio e sinistro, capturando o momento em que todos os cinco membros da banda estavam acelerando em direção ao desastre. “‘Rats‘ é mais como o que estava realmente acontecendo”, Tyler recordou em seu livro de memórias Does the Noise in My Head Bother You? (2004) “As coisas estavam desmoronando, a sanidade estava fugindo para o sul, a cautela foi jogada ao vento, e aos poucos o caos estava se mudando permanentemente.” —R.S.
25. ‘Angel’ (1987)
O Aerosmith não era uma banda de hair metal. Mas eles tiraram uma página do manual do hair metal ao seguir um hino de rock, “Dude (Looks Like a Lady)“, com uma balada de amor, “Angel“, ao escolher singles de Permanent Vacation (1987). Escrita por Tyler e Desmond “Livin’ on a Prayer” Child, a música solidificou um dos retornos mais improváveis da história do rock ao atingir o Número Três na Billboard Hot 100. Isso pode ter horrorizado fãs da velha guarda que ainda se apegavam aos seus antigos fitas oito-track de Toys in the Attic (1975) e Rocks (1976), mas este era o Aerosmith para uma nova geração. —A.G.
24. ‘Lord of the Thighs’ (1974)
“Lord of the Thighs” é uma faixa tão mergulhada em baixaria que praticamente deixa uma mancha no seu toca-discos. Mas por baixo da sujeira, há a batida embrionária que eventualmente evoluiria para “Walk This Way“. O trabalho de pés de Kramer no bumbo, perfeitamente sincronizado com o riff serpenteante de guitarra de Perry, estabelece uma batida tão primitiva quanto precisa: apenas dois e quatro por cima, com colcheias nos chimbal impulsionando o ritmo. Da lama surgiu um som perturbador e estranhamente sedutor — uma batida gritante que enredaria gerações de guitarristas de rock vindouros. —S.G.
23. ‘Nobody’s Fault’ (1976)
No início, o Aerosmith às vezes era descartado como uma imitação dos Stones, mas este tesouro enterrado de Rocks (1976), escrito por Tyler e Whitford, prova que eles podiam acenar para o Led Zeppelin com desenvoltura genuína. Tyler empurra sua voz para guinchar como Plant, e as guitarras e a pancada de bateria do martelo dos deuses são puro Page e Bonham. Adicione provavelmente as letras mais sombriamente apocalípticas que a banda já escreveu — conjurando terremotos, casas desabadas, pássaros batendo asas desesperadamente, e Terras Santas em decomposição — e você tem um verdadeiro apocalipse santo de arrepiar. (E foi só coincidência que o Zeppelin lançou “Nobody’s Fault But Mine” no mesmo ano?) —D.B.
22. ‘Same Old Song and Dance’ (1974)
O primeiro single de Get Your Wings de 1974 era tudo menos a mesma velha história. Os Bad Boys de Boston estão particularmente ferozes aqui, apoiando-se pesadamente no riff forte de Perry e nas rimas cantadas de Tyler sobre matar, cocaína e um juiz com “prisão de ventre” que vai até a cabeça. “Get yourself cooler, lay yourself low/coincidental murder with nothing to show” (Fique mais frio, abaixe-se/assassinato coincidente sem nada para mostrar), grita Tyler para abrir a faixa, que aparecia frequentemente no repertório da banda: eles a tocaram pela primeira vez em 1973, e novamente 50 anos depois em Pittsburgh — no que seria a penúltima apresentação ao vivo do Aerosmith. —J.H.
21. ‘Livin’ on the Edge’ (1993)
Uma dose sóbria de comentário social após a agitação civil em Los Angeles que seguiu quatro policiais espancando Rodney King em 1992, “Livin’ on the Edge” encontra Tyler espiando no abismo sem muita esperança. “Estamos vivendo no limite”, canta Tyler, enquanto os vocais de fundo o provocam: “Você não pode evitar de cair.” É um problema sem solução, mas o Aerosmith fez soar ótimo com a guitarra de sino de Perry e alguns toques country. Além disso, a música tem um dos vídeos mais malucos dos anos 90, apresentando o garoto de O Exterminador do Futuro 2 (1991) jogando fora uma embalagem de camisinha, Perry desviando de um trem em disparada, e a glória que é Steven Tyler nu. —K.G.
20. ‘No Surprize’ (1979)
No final dos anos 1970, com a banda desmoronando, os garotos do Aerosmith dão uma olhada para trás em seu auge. “No Surprize” é uma das músicas mais cruéis e engraçadas de “como a banda começou” em todo o mundo do rock, um passeio sardônico pelos seus primeiros dias: tocando em botecos, se deliciando na baixaria de Nova York do Max’s Kansas City, assinando na linha pontilhada com Clive Davis, conseguindo drogas com os policiais. Tyler rosna sobre ser enganado pelos tubarões da indústria, perguntando: “Se japoneses podem ferver chás, então onde diabos estão meus royalties?” Na guitarra, Perry soa como o rei do mundo. Mas quando esta música foi lançada, ele estava fora da banda. —R.S.
19. ‘Jaded’ (2001)
A última grande música do Aerosmith, e seu último sucesso, chegando ao Número Sete no início de 2001. Tudo sobre “Jaded” foi impecável, incluindo o timing — estava no Top 10 na semana em que foram incluídos no Hall da Fama do Rock & Roll. De todos os veteranos no Hall, quantos podem se vangloriar de ter tido um novo sucesso estrondoso para tocar na cerimônia, muito menos um tão grande? (Eles deixaram Justin Timberlake cantar o refrão no Super Bowl — essa foi uma decisão nteressante.) “Jaded” é um envio agridoce às suas três primeiras décadas, com Tyler lamentando: “Meu, meu baby blue.” Linda, elegíaca, mas sem sentimentalismo — uma maneira graciosa de completar um dos melhores repertórios do rock. —R.S.
18. ‘What It Takes’ (1989)
Embora este destaque de Pump de 1989 seja considerado uma balada poderosa, tem muito mais em comum com uma música country de varanda. Credite isso à entrega descontraída de Tyler, à presença sutil de acordeão, e ao fato de que, em seu núcleo, é uma música de separação à moda antiga. A banda até a apresenta num bar caipira no vídeo oficial (embora sejamos sempre parciais à versão alternativa no estúdio). Escrita por Tyler e Perry com Desmond Child, o mestre da balada poderosa, “What It Takes” foi um ponto alto toda vez que o Aerosmith a tocou ao vivo, com Tyler provocando a plateia — “Não, não, assim” — antes de guinchar o “lance de dados” final. —J.H.
17. ‘Sick as a Dog’ (1976)
“Sick as a Dog” é um destaque esquecido de Rocks (1976), mas é o Aerosmith em seu mais musicalmente feroz e emocionalmente cru, com harmonias assombrosas e o arranjo de guitarra metal-estilo-Byrds de Hamilton. Tyler canta sobre duas crianças perdidas na estrada, longe de casa, tentando manter uma à outra vivas através de uma longa noite de drogas e desespero. Enquanto ele implora: “You’re the only friend I got/You’ll be the last to see me rot.” (Você é o único amigo que tenho/Você será o último a me ver apodrecer) A música termina com palmas, diretamente do manual das Shangri-Las. Eles editaram “Sick as a Dog” ao vivo no estúdio, com Hamilton na guitarra e Perry no baixo. No último minuto, Perry passou o baixo para Tyler e terminou a música na guitarra, enquanto a fita continuava rodando. — R.S.
16. ‘Cryin” (1993)
Não havia muitas estrelas do rock na casa dos 40 anos na MTV em 1993. É por isso que o Aerosmith fez a escolha brilhante de escalar Alicia Silverstone de 17 anos como a estrela do vídeo de “Cryin’“, o terceiro single de Get a Grip (1993). O vídeo onde ela interpreta uma namorada rejeitada que se vinga do homem traidor tocou na MTV em um loop quase constante por meses, disparando a música para o Número Um na Billboard Hot 100, e ajudando Get a Grip a vender impressionantes 20 milhões de discos no mundo todo. Foi tão bem-sucedido que Silverstone estrelou os próximos dois vídeos do Aerosmith, o que a ajudou a conseguir o papel principal num filmezinho chamado As Patricinhas de Beverly Hills (1995). — A.G.
15. ‘Train Kept a Rollin” (1974)
No início, a pérola do blues “Train Kept a-Rollin’” era filha de Tiny Bradshaw, que gerou a versão acelerada de Johnny Burnette, que gerou a versão do Yardbirds de Blowup (1966), que gerou a versão conduzida pelo Led Zeppelin, que gerou a versão de parar o trânsito do Aerosmith, transformando esse trem no Novo Testamento do rock pesado do rádio FM. Embora a banda tenha estreado uma versão de estúdio de cinco minutos e meio da música em Get Your Wings (1974), a música sempre soava melhor no palco, onde eles aceleravam e desaceleravam como se o trem estivesse vivo e fora de controle e pronto para arrasar, assim como o Aerosmith. — K.G.
14. ‘Lick and a Promise’ (1976)
Era divertido assim ser o Aerosmith nos anos 70, até que não foi mais. “Lick and a Promise” é uma explosão em série de Rocks (1976), com Whitford e Perry arrasando em seu modo característico rápido e pesado. O ritmo maníaco e o caos químico já estavam os alcançando — como Perry disse: “Começamos como uma banda de rock brincando com drogas, depois nos tornamos uma banda de drogas brincando com rock.” Mas nesta empolgação desenfreada, eles continuam dançando no limite — uma das músicas mais puramente alegres que o Aerosmith já fez. Aquele gancho “na-na-na-na-na” era tão indelével que eles o reciclaram anos depois no refrão de seu sucesso de 2001 “Jaded“. — R.S.
13. ‘Amazing’ (1993)
O Aerosmith atingiu o zênite de sua era de baladas poderosas dos anos 90 com “Amazing“, conquistando a MTV com sua icônica trilogia Alicia Silverstone. “Amazing” veio entre “Cryin’” e “Crazy“, mas, como O Poderoso Chefão, esta é uma trilogia que atinge o pico no capítulo do meio. O vídeo tinha um tema de “ciberespaço” bastante bobo — talvez não o melhor uso das habilidades dramáticas de Silverstone, tão adequadas para chutar bandidos na calçada. Mas é uma meditação ao piano genuinamente comovente sobre sobriedade e o trabalho duro necessário para se manter firme. “Amazing” dispara para os céus nos minutos finais, com um longo, amplo e glorioso solo de guitarra de Perry. — R.S.
12. ‘Rag Doll’ (1988)
Para o terceiro single de Permanent Vacation (1988), o Aerosmith recorreu ao médico de músicas de Bryan Adams, Jim Vallance, coautor de “Run to You“, “Cuts Like a Knife” e “Summer of ’69“. Ele os ajudou a criar esta fusão propulsora de blues rock e metal hair, completa com guitarra slide e uma seção de metais. Eles originalmente a chamaram de “Ragtime“, mas Holly Knight (coautora de “Love Is a Battlefield” de Pat Benatar) sugeriu que mudassem para “Rag Doll“. O vídeo se passa num universo onde Tyler aparentemente está tendo casos com todas as jovens mulheres de uma rua suburbana. — A.G.
11. ‘Last Child’ (1976)
Cheia de funk, suja e inconfundivelmente Aerosmith, “Last Child” é um sonho febril presunçoso e sulista e o coração caipira de sua obra-prima de blues pesado Rocks (1976). Whitford coescreveu a música e a construiu em torno de seu riff de guitarra encardido que é tão contagioso que basicamente tem sido um gatilho pavloviano para públicos de shows desde então. A seção rítmica — Kramer na bateria, Hamilton no baixo — estabelece uma fundação “funkificada” que dá a Tyler todo o espaço que ele precisa para sua poesia maluca de varanda: “Can’t catch no dose of my hot tail poon tang sweetheart sweat hog” (Não consigo pegar nenhuma dose da minha gostosa poon tang querida porco suado). No mundo do Aerosmith, onde sentido e absurdo tendem a se confundir, tudo simplesmente funciona. — S.G.
10. ‘Love in an Elevator’ (1989)
Ao longo da história do rock, artistas escreveram músicas inescrutáveis onde o significado lírico fica a critério do ouvinte. “Love in an Elevator” não é uma delas. É sobre Tyler desfrutando de relações carnais num elevador. Se houvesse alguma dúvida sobre isso, o que seria quase impossível considerando o título e cada palavra da música, ela começa com uma operadora de elevador dizendo: “Bom dia Sr. Tyler, indo… para baixo?” (Ela está se referindo tanto ao movimento do elevador quanto fazendo uma referência velada a sexo oral.) Lançada no auge do movimento hair metal, a música se encaixou perfeitamente com novos lançamentos de Poison, Mötley Crüe e Warrant, e deu ao Aerosmith o single de abertura perfeito para Pump (1989). — A.G.
9. ‘No More No More’ (1975)
A declaração existencial definitiva do Aerosmith, sobre a jornada insana e interminável de tocar numa banda de rock & roll. Tyler soa como um vampiro cansado da estrada quando grita: “Ain’t seen the daylight since I started this band.” (Não vejo a luz do dia desde que comecei esta banda.)” – uma frase boa o suficiente para os Beastie Boys roubarem em “No Sleep ‘Til Brooklyn”. “No More No More” é um turbilhão de Holiday Inns, bares enfumaçados, noites tardias, estranhos drogados e a ida de carro para a próxima cidade, com um tom melancólico nos floreios acústicos. Perry conta seu lado da história, se estendendo nos minutos finais para seu solilóquio de guitarra mais elegíaco. — R.S.
8. ‘Seasons of Wither’ (1974)
Deprimente, cara. Esta balada química zonza revela o espírito sensível escondido por trás da presunção de “Lord of the Thighs” da banda. Tyler a escreveu num Halloween quando estava morando numa fazenda de galinhas em Vermont com o baterista Kramer. “Desci para o porão, queimei um incenso e peguei este violão que Joey tinha encontrado num lixão em algum lugar”, Tyler recordou em 1991. “Estava afinado bem mal, e tinha um tom especial. E aquela afinação forçou aquela música para fora.” “Seasons of Wither” tinha uma gravidade proto-grunge muito além do que as pessoas presumiam que esta banda poderia alcançar. Você pode praticamente sentir os ventos frios da Nova Inglaterra se aproximando. — R.S.
7. ‘Toys in the Attic’ (1975)
Com seus riffs de locomotiva e melodias cheias de teias de aranha, “Toys in the Attic” arrasa tanto que é fácil perder o quão profunda ela é. Letras como “Leaving the things that you love from mind/All of the things that you learned from fears/Nothing is left for the years” (Deixando as coisas que você ama longe da mente/Todas as coisas que você aprendeu com medos/Nada sobra para os anos) são poéticas de uma maneira similar ao refrão “Turn off your mind/Relax, and float downstream/It is not dying” (Desligue sua mente/Relaxe e flutue rio abaixo/Não é morrer) na artística “Tomorrow Never Knows” dos Beatles. Mas como o Aerosmith toca direto com abandono de invadir-os-portões-do-Inferno, e Tyler transformou o refrão “Toys! Toys! Toys… in the attic” (Brinquedos! Brinquedos! Brinquedos… no sótão) num erguedor de cerveja sob medida nos shows, o hippismo psicodélico de tudo é fácil de digerir. “Joe [Perry] estava só fazendo um riff, e eu comecei a gritar: ‘Toys, toys, toys… ‘”, Tyler lembrou. “Orgânico, imediato, contagioso… incrível pra caralho. Mais uma vez, os Gêmeos Tóxicos cavalgam para o pôr do sol… desta vez, o pôr do sol do sótão.” — K.G.
6. ‘Mama Kin’ (1973)
“Mama Kin” era o hino que definia o estilo de vida do Aerosmith. Tyler a escreveu antes de entrar para a banda, um sábio hippie místico preso no corpo de uma estrela do rock. “As pessoas sempre perguntam: ‘O que é ‘mama kin’?’” ele disse a Rolling Stone em 2001. “É a mãe de tudo. É o desejo de escrever música, o desejo de transar, de passar pelo relacionamento com uma garota, ou o que quer que seja. Manter contato com mama kin significa manter contato com os velhos espíritos que te levaram até lá para começar.” Tyler era tão devotado à sua mensagem espiritual que tatuou “MA KIN” no braço. Magricelo que é, ele não tinha braço suficiente para caber o título inteiro. — R.S.
5. ‘Janie’s Got a Gun’ (1989)
“Janie’s Got a Gun” se destaca como um dos triunfos mais improváveis do rock. Em 1989, enquanto surfavam alto numa onda de seu ressurgimento comercial, o Aerosmith lançou esta obra noir audaciosa — um conto sem rodeios de vingança, incesto e assassinato. A faixa abre com um prelúdio assustador de gongo de vento e harmônica de vidro, antes de Tyler soltar seu uivo do ponto de vista de uma garota traumatizada. Nada disso deveria ter funcionado — mas contra todas as probabilidades concebíveis, se tornou um dos maiores sucessos da década. Rendeu ao Aerosmith um Grammy e, graças ao vídeo musical que tomou conta da MTV, dirigido por um David Fincher pré-Clube da Luta (1999), relevância cultural renovada. A habilidade de Tyler de habitar a psique de personagens improváveis estava em plena exibição — uma abordagem narrativa que ele empregou em faixas anteriores como “Uncle Salty“, onde ele deu voz a um menino órfão abusado. Mas com “Janie“, ele mergulha ainda mais fundo em seu medo e raiva, entregando o que pode ser a interpretação vocal mais poderosa de sua carreira. — S.G.
4. ‘Back in the Saddle’ (1976)
Perry escreveu o riff enrolado e retumbante de “Back in the Saddle” em seu baixo de seis cordas, deitado de costas em seu quarto enquanto drogado. “Foi uma daquelas músicas que realmente abriu as coisas para nós”, ele recordou depois. “Back in the Saddle” abre o álbum clássico de 1976 do Aerosmith, Rocks, o melhor álbum de hard- rock americano dos anos 1970. Tyler amarrou pandeiros em suas pernas para soar como esporas tilintantes quando ele pisava com o groove ameaçador e enganosamente complexo da música enquanto cantava suas letras de cowboy sexual, e eles até trouxeram um chicote para o estúdio. Essas teatralidades os colocaram no clima para atingir o ideal Platônico de majestade de fora-da-lei vagabundo. — J.D.
3. ‘Dream On’ (1973)
Tyler tinha apenas 24 anos quando gravou “Dream On“, mas soava três vezes mais velho com a maneira que gritava sobre ver rugas em seu rosto e lamentando em letras como: “Você tem que perder para saber como ganhar.” A música de alguma forma se tornou o maior sucesso do Aerosmith dos anos 1970. Mas no contexto da carreira de blues-rock da banda, é sua música menos “Aerosmithiana”, já que Tyler passa a maior parte dela numa viagem ruim, apertando as teclas de seu cravo e cantando em sua voz natural mais grave (embora ele eleve as coisas a um grito demoníaco no final). “Quando escrevi ‘Dream On‘, pensei: ‘De onde isso veio?’” Tyler disse a Rolling Stone. “Não questionei. Quando leio as letras agora, para um cara que estava chapado, estúpido e babando, consegui tirar algo de lá: ‘O passado se foi/Passou como o crepúsculo ao amanhecer.’” Para o Aerosmith, foi um começo improvável. — K.G.
2. ‘Sweet Emotion’ (1975)
Em 1975, o Aerosmith já tinha lançado dois álbuns e tinha legado ao mundo futuros clássicos como “Dream On” e “Mama Kin“. Mas “Sweet Emotion“, o primeiro single lançado de Toys in the Attic (1975), parecia algo diferente — o começo de um Aerosmith mais sólido, mais ousado e mais confiante, tomando forma diante de nossos ouvidos. Não é apenas a autoconfiança inabalável com que a banda toca, mas a maneira como “Sweet Emotion” mistura perfeitamente sagacidade pop (aquela frase do título) com aspereza do rock (aqueles versos e a participação de talk-box de Perry). É uma receita que os sustentaria por várias décadas mais. No estilo tipicamente bagunçado do Aerosmith, a música foi parcialmente inspirada por um momento de caos da banda: Tyler estava com raiva de Perry, e da então esposa de Perry, por não compartilharem suas drogas com ele e descarregou sua fúria nas letras (“Você fala sobre coisas que ninguém se importa/Vestindo coisas que ninguém usa”). Mas como frequentemente faziam, a banda e o produtor Jack Douglas conseguiram juntar tudo no estúdio. Com a vulcânica “Sweet Emotion“, o Aerosmith sentiu que estava verdadeiramente pronto para conquistar não apenas bares e clubes, mas o mundo. — D.B.
1. ‘Walk This Way’ (1975)
“Walk This Way” mostra o Aerosmith em seu momento mais provocante, cheio de ritmo e no auge da forma — os “Bad Boys de Boston” em sua fase mais rebelde. Perry brilha com um riff de guitarra sujo e marcante, enquanto Tyler despeja sua poesia frenética e sexual. A música nasceu depois que a banda foi assistir ao novo filme de Mel Brooks, O Jovem Frankenstein (1974), e caiu na risada com a cena em que Marty Feldman e Gene Wilder fazem a piada do “walk this way” (“ande por aqui”). Mas o que começou como uma brincadeira virou um sucesso: a canção entrou para o Top 10, com o baterista Kramer adicionando um ritmo dançante inspirado no funk (ele já havia tocado com as lendas do R&B Tavares). Nos primeiros dias do hip-hop, DJs no sul do Bronx usavam a introdução da música como base para suas mixagens. Em 1986, o grupo Run-D.M.C. a reviveu em uma nova versão — que, embora tenha marcado o início do declínio deles, serviu para ressuscitar a carreira do Aerosmith. “Walk This Way” continua sendo o alicerce de toda a grandiosidade que a banda construiu ao longo de 50 anos. — R.S.
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As 50 melhores músicas do Aerosmith, segundo Rolling Stone
Por mais de 50 anos, o Aerosmith tem reinado como os guerreiros supremos do rock & roll americano. Os “Bad Boys de Boston” construíram um dos repertórios mais clássicos de todos os tempos, sem nunca fazer nada do jeito sensato. Eles estouraram nos anos setenta como o carro chefe do blues-metal, os monstros do gênero mais legais de todos: o ataque de guitarra de Joe Perry e Brad Whitford, o ritmo funk de Joey Kramer e Tom Hamilton, a tagarelice suja e desenfreada do maluco/poeta Steven Tyler.
Mas o Aerosmith também reinou como a irmandade mais disfuncional do rock, com cinco personalidades famosamente combativas. Esses caras batalharam, se cansaram, bateram no fundo do poço, mas sobreviveram para fazer um dos retornos mais bizarros da história da música. Nada poderia matar sua química estranha — nem drogas, nem desintoxicação, nem todos aqueles anos de caos do rock & roll. “Cometemos cada erro seis vezes”, Joe Perry disse a Rolling Stone em 2001. “Nós pagamos por toda essa porra. Eu saí da banda, Brad saiu da banda, a gente errou muito, assinamos contratos ruins, tivemos empresários ruins, tivemos bons empresários. Mas durante tudo isso, algo nos manteve juntos.”
Infelizmente, o Aerosmith acabou de ter que anunciar que eles finalmente estão parando como banda de turnê, depois que Tyler fraturou sua laringe no palco. Mas em honra a sua trajetória histórica, vamos celebrar esse legado com um tributo às 50 melhores músicas do Aerosmith. Algumas dessas melodias são mega-hits famosos que todo mundo conhece. Outras são lados B, valorizados por fãs vigorosos. Algumas são hinos de guitarra para bate cabelo; algumas são baladas da MTV. Mas essas 50 melodias clássicas definem o Aerosmith como os mais cruéis, mais sujos e maiores fora-da-lei do hard rock americano. Toque essas músicas alto para sempre, e continue sonhando.
50. ‘Make It’ (1973)
O Aerosmith deu o pontapé inicial em seu álbum de estreia com “Make It“, um dos mais icônicos hinos de “Boa noite, pessoal, bem-vindos ao show” do rock dos anos setenta. Foi uma declaração de missão. Eles tinham acabado de tomar a escolha decisiva de se mudar juntos para Boston, conseguir um apartamento e buscar sua fortuna. “Make It” é a música que Tyler compôs no banco de trás quando a banda dirigiu para lá. “Escrevi ‘Make It‘ num carro dirigindo de New Hampshire para Boston”, ele disse. “Tem aquela colina que você sobe e vê o horizonte de Boston.” Ele escreveu a letra numa caixa de lenços de papel, olhando para a cidade, pronto para perseguir o sonho. Toda a saga do Aerosmith começa aqui. — R.S.
49. ‘S.O.S. (Too Bad)’ (1974)
Este sucesso metálico do álbum Get Your Wings (1974) parece o Aerosmith no seu melhor rosnando. Tyler ronda com uma intensidade feroz. Kramer está segurando suas baquetas ao contrário, batendo com as pontas grossas só para ficar tão alto quanto humanamente possível. Mas é Perry quem rouba o show, com um solo de guitarra afiado numa lâmina de barbear enferrujada. Rápido e irregular, o toque de guitarra de Perry pinga com ameaça proto-metal, combinando com o ritmo maníaco definido pelo estoico deus do baixo Hamilton. O ano de 1974 foi um momento de fazer ou morrer para a banda de Boston, que estava constantemente no cepo da gravadora. “S.O.S.” é uma declaração de intenção de uma banda que sabia que tinha algo a provar — e provou com pura força. — S.G.
48. ‘Kings and Queens’ (1977)
Quem se importa se a letra de Tyler confunde viagens vikings com implementos de execução da revolução francesa? “Kings and Queens” contém uma das melodias mais ousadas e dramáticas do Aerosmith, e a ponte sombria acena para o Pink Floyd tanto quanto para as baladas passadas da banda como “Dream On“. Embora a canção parecesse um deslize comparada a tudo no álbum Rocks (1976) antes dela, em retrospectiva, é um testemunho de como as escolhas musicais certas (como a forma que Tyler geme “Screams of no reply” (“Gritos sem resposta”) podem elevar uma banda a um trono mais alto. — K.G.
47. ‘Fever’ (1993)
Get a Grip (1993) é o som do Aerosmith rasgando pela estrada do roqueiro de meia-idade: famintos por sucessos, mas felizes de estar ali. A produção polida está longe do grunhido de rock de garagem da banda dos anos setenta. Mas até os críticos teriam dificuldade em resistir à atração gravitacional de “Fever“, com sua energia delirante e aquelas harmonias excitadas na ponte. Nunca alguém a recuar de uma metáfora deliciosamente vulgar, Tyler canta: “The buzz that you’re getting from the crack don’t last, I’d rather be OD’ing in the crack of her ass.” (“O barato que você está tendo com o crack não dura, eu preferiria estar em overdose na fenda da bunda dela.”) É o Tyler clássico, regozijando-se na sacanagem e no absurdo de tudo, que é tudo que podemos pedir. — S.G.
46. ‘Remember (Walking in the Sand)’ (1979)
O Aerosmith abriu 1979 com Night in the Ruts (1979) olhando para trás em seu apogeu com “No Surprize“. O único lançamento do álbum de fraco desempenho foi outro gesto nostálgico, uma versão da obra-prima operística de grupo feminino das Shangri-Las de 1964, “Remember (Walking in the Sand)“, reformulada como uma grande balada de metal de arena. Pode ter parecido uma escolha estranha para os fãs do Aerosmith, mas conectava-se às raízes rock’n’roll novaiorquinas de Tyler. Ele tinha visto as Shangri-Las se apresentarem ao vivo antigamente, e a cantora das Shangri-Las, Mary Weiss, forneceu vocais de apoio (sem créditos) na versão do Aerosmith. — J.D.
45. ‘East Coast, West Coast’, do The Joe Perry Project (1981)
Perry deixou o Aerosmith em 1979 e formou rapidamente o The Joe Perry Project, argumentando que o vocalista da banda Ralph Mormon era um cantor melhor que Tyler, incluindo nas músicas do Aerosmith que Perry teimosamente manteve no repertório de sua nova banda. Mormon saiu após o surpreendentemente bom álbum de estreia de 1980, Let the Music Do the Talking, para ser substituído pelo cantor e compositor local Charlie Farren, que trouxe a sublime joia de metal pop “East Coast, West Coast” para o segundo LP do Project, I’ve Got the Rock and Rolls Again (1981). Estava no repertório da banda quando eles entraram em turnê em 2023, desta vez com Gary Cherone do Extreme nos vocais. — J.D.
44. ‘The Reason a Dog’ (1985)
“The reason a dog has so many friends? He wags his tail instead of his tongue.” (“A razão de um cachorro ter tantos amigos? Ele abana o rabo em vez da língua.”) Muito gentil da parte de Tyler oferecer dicas de etiqueta sobre manter a boca fechada, mas obviamente, ele nunca tentou seguir seu próprio conselho. “The Reason a Dog” é uma mistura enxuta e malvada de Done With Mirrors (1985), o álbum onde eles se reuniram com Perry e Whitford, aprendendo tudo de novo sobre como escrever músicas do Aerosmith. “Não quero que os fãs pensem que somos garotos americanos limpos e honrados”, disse Perry a Rolling Stone. “Mas somos americanos, e nós ficamos de pé.” Dois anos antes de Permanent Vacation (1987), é aqui que o verdadeiro retorno do Aerosmith começa. — R.S.
43. ‘Woman of the World’ (1974)
“Woman of the World” é uma entrada curiosa na obra do Aerosmith — uma das poucas faixas de blues-rock que celebra uma rica dona de gatos sem filhos com talento para receber visitas. Tyler canta suavemente: “She’s got big-eyed cats, she’s got coats of sable.” (“Ela tem gatos de olhos grandes, ela tem casacos de zibelina.”) Depois acrescenta: “She seats 44 at her dinner table,” (“Ela acomoda 44 em sua mesa de jantar”), sobre um ritmo de blues que é hipnótico e expansivo. O vocal de Tyler tem um toque distante e tranquilo, mesmo enquanto ele claramente continua trabalhando para imitar seu herói, James Brown. “Woman of the World” captura o Aerosmith num momento de formação, onde Perry e Tyler estavam apenas começando a descobrir sua dinâmica, mas já capazes de criar algo que transcendia suas influências. — S.G.
42. ‘Home Tonight’ (1976)
A confiança do Aerosmith estava tão alta em 1976 que eles decidiram encerrar Rocks superando Elton John. (É justo, já que Rock of the Westies de 1975 de Elton era basicamente sua versão de um álbum do Aerosmith.) “Home Tonight” é uma balada grandiosa de piano, vindo como um final surpresa em Rocks após um álbum inteiro de suas guitarras mais pesadas. Tyler se despede da audiência, com harmonias polidas até brilharem. Whitford fecha com seus solos de guitarra inflexivelmente ferozes — uma bela combinação. — R.S.
41. ‘Bolivian Ragamuffin’ (1982)
Esses foram os anos perdidos da banda no deserto, sem Perry ou Whitford. Mas “Bolivian Ragamuffin” é uma estranheza bizarra deliciosamente fora do padrão do Lado A de Rock in a Hard Place (1982). É a única vez que o Aerosmith tentou copiar o Rush, com Tyler reclamando sobre uma batida tirada direto de “The Spirit of Radio” — uma influência improvável, mas uma encruzilhada surpreendentemente bacana entre Megadon e “Mama Kin“. “Bolivian Ragamuffin” prova que até os álbuns mais ruins do Aerosmith geralmente têm pelo menos alguns tesouros enterrados — se você tiver estômago para caçá-los. (E se você está procurando neste álbum, não ignore “Joanie’s Butterfly.”) —R.S.
40. ‘Come Together’ (1978)
O musical cinematográfico de 1978 Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band foi uma catástrofe tão épica que quase destruiu as carreiras de Peter Frampton e dos Bee Gees perto do auge absoluto de sua fama. A única coisa boa que saiu dele foi a versão do Aerosmith de “Come Together“, que eles tocam durante um momento tipicamente incompreensível no filme onde Frampton e os Bee Gees tentam resgatar uma mulher amordaçada e amarrada a uma placa de neon. Termina com Frampton e Tyler brigando no palco, mas não importa. A música foi o último sucesso deles antes de Run-D.M.C. trazê-los de volta do esquecimento quase uma década depois. — A.G.
39. ‘I Don’t Want to Miss a Thing’ (1998)
Existem dois tipos de pessoas neste mundo: aquelas que veem “I Don’t Want to Miss a Thing” como uma balada poderosa açucarada e piegas que o Aerosmith nem escreveu, e aquelas que acham que é uma de suas melhores músicas dos anos 90 — uma balada irmã linda e épica de “Angel“. Embora seja verdade que Diane Warren escreveu o tema de Armageddon de 1998, ela admitiu que a banda e o produtor Matt Serletic foram responsáveis pelo gigante que se tornou. “Aquilo foi Steven sendo Steven, fazendo a merda legal que só ele pode fazer”, disse Warren, elogiando o arranjo de cordas e as oitavas dramáticas. “Lembro da primeira vez que ouvi e fiquei literalmente derrubada da minha cadeira de quão ótimo aquilo era.” —A.M.
38. ‘The Other Side’ (1989)
Ninguém consegue fazer “mmm-mmm-mmm” como Tyler. Combinado com a caixa de Kramer, a onomatopeia de Tyler anunciou a chegada do que é indiscutivelmente a faixa mais cativante de Pump (1989). É tão simples quanto o rock do fim dos anos 80 ficou, entre o baixo sem frescura de Hamilton, metais simples e brilhantes, e clichês fazendo papel de letras (“Between the devil and the deep blue sea!”; “Entre o diabo e o mar azul profundo!”). Não importa, “The Other Side” é irresistível — talvez demais. Os compositores de “Standing in the Shadow of Love” dos Four Tops ameaçaram ação legal pela melodia excessivamente similar do Aerosmith, resultando num crédito Holland/Dozier/Holland ao lado de Tyler e seu coautor Jim Vallance. —J.H.
37. ‘Combination’ (1976)
Nenhuma música no rock & roll incorpora a ideia de estar “elegantemente arrasado” como esta contribuição de Perry para Rocks (1976). A letra “Walking on Gucci, wearing Yves St. Laurent/barely staying on cause I’m so goddamn gaunt” (Andando de Gucci, vestindo Yves St. Laurent/mal conseguindo ficar em pé porque estou tão terrivelmente magro) expôs a elegância de estrela do rock. Perry na verdade faz mais do que apenas harmonizar com Tyler na música: ele canta a voz principal, quase. Em suas memórias, o guitarrista observou o ciúme que experimentava de seus companheiros de banda toda vez que se aproximava dos holofotes. “Depois de um tempo, porém, a banda cedeu e me apoiou, contanto que eu cantasse a música como uma espécie de dueto com Steven”, escreveu Perry sobre “Combination“. “Até hoje, [eu] fico surpreso com a frequência com que me pedem para tocá-la ao vivo.” —J.H.
36. ‘My Fist Your Face’ (1985)
Ninguém esperava nada do álbum de reunião do Aerosmith, Done With Mirrors (1985). Muito menos eles. “Sei que todo mundo vai perguntar se voltamos a ficar juntos por dinheiro”, disse Perry à Rolling Stone em 1984. “E é claro que sim.” No entanto, tinha sinais surpreendentes de vida, como esta pequena vinheta de briga de bar matadora. “My Fist Your Face” era punk o suficiente para os The Replacements tocarem na turnê de Tim (1985), plenamente conscientes de que nenhum de seus fãs a conheceria. “Os Quiet Riots e todos aqueles caras com couros e tachas e as pilhas de amplificadores Marshall que não estão ligados é melhor tomarem cuidado”, alardeou Perry. “Nós somos a banda sobre a qual sua mãe avisou você.” —R.S.
35. ‘You See Me Crying’ (1975)
Esta joia poderosa mostrou a banda experimentando como fazer a vulnerabilidade bater tão forte quanto sua pestana de guitarra mais pesada — uma habilidade que os serviria bem quando depois invadiram as paradas pop. Tyler pressionou a banda a gastar numa orquestra de 100 peças e assumiu o comando dos arranjos. É uma peça de piano enganosamente complexa, com mudanças de compasso e oscilações dinâmicas que combinam perfeitamente com a extensão vocal sobrenatural de Tyler. No entanto, apesar de todas as suas complexidades, “You See Me Crying” quase se perdeu na névoa dos excessos notórios da banda. Conta-se que Tyler — profundamente em estado alterado — uma vez ouviu a música no rádio e sugeriu que eles a regravassem, apenas para Perry responder: “Somos nós, cabeça de merda.” —S.G.
34. ‘Lightning Strikes’ (1982)
O Aerosmith estava totalmente fora de sincronia com as tendências de 1982, quando fizeram Rock in a Hard Place — isso mesmo, o álbum onde eles acharam que era legal colocar Stonehenge na capa. This Is Spinal Tap (1984) veio dois anos depois, e sim, Steven Tyler levou para o lado pessoal. Mas mesmo sem Joe Perry, o álbum tinha guitarras cruéis dos firmes substitutos Rick Dufay (pai da Minka Kelly!) e Jimmy Crespo. “Lightning Strikes” tem aquele velho poder de riff chicoteante e os jogos de palavras de Tyler, quando ele ameaça “ler seus direitos fúnebres.” —R.S.
33. ‘Dude (Looks Like a Lady)’ (1987)
Houve um tempo, não muito tempo atrás, quando você podia chamar uma música de “Dude (Looks Like a Lady)” e era totalmente socialmente aceitável. Na verdade, este foi o grande single do álbum que restabeleceu o Aerosmith como produtores de sucessos dos anos 80 depois que seu remake de “Walk This Way” com Run-D.M.C. ajudou a apresentá-los à geração MTV. Para conseguir a sagacidade pop de que precisavam, a banda se juntou a Desmond Child, recém-saído de seu trabalho mega-platinado com Bon Jovi. As letras foram inspiradas em eventos da vida real — ou seja, Tyler bêbado vendo uma loira gostosa de trás e então ficando chocado quando ela/ele acabou sendo o cantor do Mötley Crüe, Vince Neil. —J.D.
32. ‘Draw the Line’ (1977)
O Aerosmith tinha feito um álbum por ano durante quatro anos quando chegaram a Draw the Line de 1977, e seu esgotamento e consumo de drogas deram ao quinto álbum uma sensação única de desespero danificado. Com seu riff brutamontes e produção turva e nem-aí, a faixa-título soa mais cruel que muito do punk-rock surgindo no mesmo ano. Tyler explicou a letra “Carrie… was a wet-nap winner” assim: “Bem, um wet nap é algo com que você limpa bundas de bebês. Antigamente, se você tivesse sorte o suficiente de pegar uma aeromoça num avião e você saísse do banheiro, tudo que você tinha para limpar era um wet nap.” —J.D.
31. ‘Adam’s Apple’ (1975)
Deixe com o Aerosmith pegar a saga de Adão e Eva e torná-la ainda mais picante nesta faixa obscura de Toys in the Attic (1975). Sobre uma baixaria de guitarra martelante, Tyler apresenta sua própria teoria de possível intervenção alienígena (a “nave-mãe” que vem “do céu”), mas o que se segue poderia fazer um extraterrestre corar. Adão se delicia no “fruto doce e amargo” de Eva, e ela mesma “comeu — Senhor, foi amor à primeira mordida.” Ainda assim, o mais fascinante sobre “Adam’s Apple” é a solenidade com que Tyler a encara, até lamentando a maneira como “o mal veio como chuva” depois que são expulsos do Jardim do Éden. Bastou o fim da inocência do homem para assustar Tyler. —D.B.
30. ‘Let the Music Do the Talking’ (1985)
Nos anos em que o Aerosmith estava brigando com Perry, foi o guitarrista quem realmente manteve a chama acesa. Todos os três álbuns de seu Projeto Joe Perry ainda são guardados. (Podemos receber um amém para “Black Velvet Pants“? “South Station Blues“? Que tal “I’ve Got the Rock & Rolls Again“?) Mas o auge foi sua música-título arrasadora de 1980 Let the Music Do the Talking. Então, quando Perry voltou ao Aerosmith, eles sabiamente a reviveram como o single e faixa de abertura de Done With Mirrors de 1985. Um caso raro desta banda tomar uma decisão sensata de carreira. —R.S.
29. ‘Chip Away the Stone’ (1978)
O grande sucesso perdido do Aerosmith, um favorito cult valorizado por conhecedores fervorosos. “Chip Away the Stone” é uma valentia rude de country ao estilo Skynyrd, escrita pelo amigo e colaborador de longa data Richie Supa. Como single ao vivo, fracassou no número 77, quebrando sua sequência de sucessos no Top 40. Mas a versão de estúdio muito superior foi enterrada no Lado B, e nem sequer apareceu num álbum até uma década depois, na coletânea Gems (1988). Uma banda mais sensata teria escolhido a “Chip Away the Stone” de estúdio como o single — poderia ter sido o sucesso de rádio salvador de carreira de que eles desesperadamente precisavam. Mas em 1978, Aerosmith e sanidade nem estavam conversando. —R.S.
28. ‘Crazy’ (1993)
Pelos padrões de hoje, escalar sua filha de 16 anos como uma estudante de colegial sexy num vídeo onde ela nada nua, entra num concurso numa casa de strip, e dirige por aí de sutiã ao lado de outra garota má adolescente, interpretada por Alicia Silverstone, parece bem perturbador. Bem, era perturbador em 1993, mas o Aerosmith não dava a mínima. O vídeo transformou Liv Tyler (que tinha acabado de descobrir que Steven Tyler era seu pai) numa estrela, e transformou “Crazy” em mais um sucesso gigante de Get a Grip (1993). —A.G.
27. ‘Big Ten Inch Record’ (1975)
O Aerosmith já tinha regravado “Train Kept a Rollin’” e “Walkin’ the Dog” em álbuns anteriores, mas há algo especialmente comovente em ouvir a banda que deu ao mundo “Back in the Saddle” e “Lord of the Thighs” prestar homenagem às raízes do rock de duplo sentido com sua versão boogie-woogie do clássico blues fálico de 1952 de Bull Moose Jackson. Eles mandam com afeto real, caras do rock pesado prestando homenagem a um precursor estético. —J.D.
26. ‘Rats in the Cellar’ (1976)
Um ano depois de “Toys in the Attic“, o Aerosmith virou a casa da diversão de cabeça para baixo para a sequência, “Rats in the Cellar“. Mas é um conto mais sombrio e sinistro, capturando o momento em que todos os cinco membros da banda estavam acelerando em direção ao desastre. “‘Rats‘ é mais como o que estava realmente acontecendo”, Tyler recordou em seu livro de memórias Does the Noise in My Head Bother You? (2004) “As coisas estavam desmoronando, a sanidade estava fugindo para o sul, a cautela foi jogada ao vento, e aos poucos o caos estava se mudando permanentemente.” —R.S.
25. ‘Angel’ (1987)
O Aerosmith não era uma banda de hair metal. Mas eles tiraram uma página do manual do hair metal ao seguir um hino de rock, “Dude (Looks Like a Lady)“, com uma balada de amor, “Angel“, ao escolher singles de Permanent Vacation (1987). Escrita por Tyler e Desmond “Livin’ on a Prayer” Child, a música solidificou um dos retornos mais improváveis da história do rock ao atingir o Número Três na Billboard Hot 100. Isso pode ter horrorizado fãs da velha guarda que ainda se apegavam aos seus antigos fitas oito-track de Toys in the Attic (1975) e Rocks (1976), mas este era o Aerosmith para uma nova geração. —A.G.
24. ‘Lord of the Thighs’ (1974)
“Lord of the Thighs” é uma faixa tão mergulhada em baixaria que praticamente deixa uma mancha no seu toca-discos. Mas por baixo da sujeira, há a batida embrionária que eventualmente evoluiria para “Walk This Way“. O trabalho de pés de Kramer no bumbo, perfeitamente sincronizado com o riff serpenteante de guitarra de Perry, estabelece uma batida tão primitiva quanto precisa: apenas dois e quatro por cima, com colcheias nos chimbal impulsionando o ritmo. Da lama surgiu um som perturbador e estranhamente sedutor — uma batida gritante que enredaria gerações de guitarristas de rock vindouros. —S.G.
23. ‘Nobody’s Fault’ (1976)
No início, o Aerosmith às vezes era descartado como uma imitação dos Stones, mas este tesouro enterrado de Rocks (1976), escrito por Tyler e Whitford, prova que eles podiam acenar para o Led Zeppelin com desenvoltura genuína. Tyler empurra sua voz para guinchar como Plant, e as guitarras e a pancada de bateria do martelo dos deuses são puro Page e Bonham. Adicione provavelmente as letras mais sombriamente apocalípticas que a banda já escreveu — conjurando terremotos, casas desabadas, pássaros batendo asas desesperadamente, e Terras Santas em decomposição — e você tem um verdadeiro apocalipse santo de arrepiar. (E foi só coincidência que o Zeppelin lançou “Nobody’s Fault But Mine” no mesmo ano?) —D.B.
22. ‘Same Old Song and Dance’ (1974)
O primeiro single de Get Your Wings de 1974 era tudo menos a mesma velha história. Os Bad Boys de Boston estão particularmente ferozes aqui, apoiando-se pesadamente no riff forte de Perry e nas rimas cantadas de Tyler sobre matar, cocaína e um juiz com “prisão de ventre” que vai até a cabeça. “Get yourself cooler, lay yourself low/coincidental murder with nothing to show” (Fique mais frio, abaixe-se/assassinato coincidente sem nada para mostrar), grita Tyler para abrir a faixa, que aparecia frequentemente no repertório da banda: eles a tocaram pela primeira vez em 1973, e novamente 50 anos depois em Pittsburgh — no que seria a penúltima apresentação ao vivo do Aerosmith. —J.H.
21. ‘Livin’ on the Edge’ (1993)
Uma dose sóbria de comentário social após a agitação civil em Los Angeles que seguiu quatro policiais espancando Rodney King em 1992, “Livin’ on the Edge” encontra Tyler espiando no abismo sem muita esperança. “Estamos vivendo no limite”, canta Tyler, enquanto os vocais de fundo o provocam: “Você não pode evitar de cair.” É um problema sem solução, mas o Aerosmith fez soar ótimo com a guitarra de sino de Perry e alguns toques country. Além disso, a música tem um dos vídeos mais malucos dos anos 90, apresentando o garoto de O Exterminador do Futuro 2 (1991) jogando fora uma embalagem de camisinha, Perry desviando de um trem em disparada, e a glória que é Steven Tyler nu. —K.G.
20. ‘No Surprize’ (1979)
No final dos anos 1970, com a banda desmoronando, os garotos do Aerosmith dão uma olhada para trás em seu auge. “No Surprize” é uma das músicas mais cruéis e engraçadas de “como a banda começou” em todo o mundo do rock, um passeio sardônico pelos seus primeiros dias: tocando em botecos, se deliciando na baixaria de Nova York do Max’s Kansas City, assinando na linha pontilhada com Clive Davis, conseguindo drogas com os policiais. Tyler rosna sobre ser enganado pelos tubarões da indústria, perguntando: “Se japoneses podem ferver chás, então onde diabos estão meus royalties?” Na guitarra, Perry soa como o rei do mundo. Mas quando esta música foi lançada, ele estava fora da banda. —R.S.
19. ‘Jaded’ (2001)
A última grande música do Aerosmith, e seu último sucesso, chegando ao Número Sete no início de 2001. Tudo sobre “Jaded” foi impecável, incluindo o timing — estava no Top 10 na semana em que foram incluídos no Hall da Fama do Rock & Roll. De todos os veteranos no Hall, quantos podem se vangloriar de ter tido um novo sucesso estrondoso para tocar na cerimônia, muito menos um tão grande? (Eles deixaram Justin Timberlake cantar o refrão no Super Bowl — essa foi uma decisão nteressante.) “Jaded” é um envio agridoce às suas três primeiras décadas, com Tyler lamentando: “Meu, meu baby blue.” Linda, elegíaca, mas sem sentimentalismo — uma maneira graciosa de completar um dos melhores repertórios do rock. —R.S.
18. ‘What It Takes’ (1989)
Embora este destaque de Pump de 1989 seja considerado uma balada poderosa, tem muito mais em comum com uma música country de varanda. Credite isso à entrega descontraída de Tyler, à presença sutil de acordeão, e ao fato de que, em seu núcleo, é uma música de separação à moda antiga. A banda até a apresenta num bar caipira no vídeo oficial (embora sejamos sempre parciais à versão alternativa no estúdio). Escrita por Tyler e Perry com Desmond Child, o mestre da balada poderosa, “What It Takes” foi um ponto alto toda vez que o Aerosmith a tocou ao vivo, com Tyler provocando a plateia — “Não, não, assim” — antes de guinchar o “lance de dados” final. —J.H.
17. ‘Sick as a Dog’ (1976)
“Sick as a Dog” é um destaque esquecido de Rocks (1976), mas é o Aerosmith em seu mais musicalmente feroz e emocionalmente cru, com harmonias assombrosas e o arranjo de guitarra metal-estilo-Byrds de Hamilton. Tyler canta sobre duas crianças perdidas na estrada, longe de casa, tentando manter uma à outra vivas através de uma longa noite de drogas e desespero. Enquanto ele implora: “You’re the only friend I got/You’ll be the last to see me rot.” (Você é o único amigo que tenho/Você será o último a me ver apodrecer) A música termina com palmas, diretamente do manual das Shangri-Las. Eles editaram “Sick as a Dog” ao vivo no estúdio, com Hamilton na guitarra e Perry no baixo. No último minuto, Perry passou o baixo para Tyler e terminou a música na guitarra, enquanto a fita continuava rodando. — R.S.
16. ‘Cryin” (1993)
Não havia muitas estrelas do rock na casa dos 40 anos na MTV em 1993. É por isso que o Aerosmith fez a escolha brilhante de escalar Alicia Silverstone de 17 anos como a estrela do vídeo de “Cryin’“, o terceiro single de Get a Grip (1993). O vídeo onde ela interpreta uma namorada rejeitada que se vinga do homem traidor tocou na MTV em um loop quase constante por meses, disparando a música para o Número Um na Billboard Hot 100, e ajudando Get a Grip a vender impressionantes 20 milhões de discos no mundo todo. Foi tão bem-sucedido que Silverstone estrelou os próximos dois vídeos do Aerosmith, o que a ajudou a conseguir o papel principal num filmezinho chamado As Patricinhas de Beverly Hills (1995). — A.G.
15. ‘Train Kept a Rollin” (1974)
No início, a pérola do blues “Train Kept a-Rollin’” era filha de Tiny Bradshaw, que gerou a versão acelerada de Johnny Burnette, que gerou a versão do Yardbirds de Blowup (1966), que gerou a versão conduzida pelo Led Zeppelin, que gerou a versão de parar o trânsito do Aerosmith, transformando esse trem no Novo Testamento do rock pesado do rádio FM. Embora a banda tenha estreado uma versão de estúdio de cinco minutos e meio da música em Get Your Wings (1974), a música sempre soava melhor no palco, onde eles aceleravam e desaceleravam como se o trem estivesse vivo e fora de controle e pronto para arrasar, assim como o Aerosmith. — K.G.
14. ‘Lick and a Promise’ (1976)
Era divertido assim ser o Aerosmith nos anos 70, até que não foi mais. “Lick and a Promise” é uma explosão em série de Rocks (1976), com Whitford e Perry arrasando em seu modo característico rápido e pesado. O ritmo maníaco e o caos químico já estavam os alcançando — como Perry disse: “Começamos como uma banda de rock brincando com drogas, depois nos tornamos uma banda de drogas brincando com rock.” Mas nesta empolgação desenfreada, eles continuam dançando no limite — uma das músicas mais puramente alegres que o Aerosmith já fez. Aquele gancho “na-na-na-na-na” era tão indelével que eles o reciclaram anos depois no refrão de seu sucesso de 2001 “Jaded“. — R.S.
13. ‘Amazing’ (1993)
O Aerosmith atingiu o zênite de sua era de baladas poderosas dos anos 90 com “Amazing“, conquistando a MTV com sua icônica trilogia Alicia Silverstone. “Amazing” veio entre “Cryin’” e “Crazy“, mas, como O Poderoso Chefão, esta é uma trilogia que atinge o pico no capítulo do meio. O vídeo tinha um tema de “ciberespaço” bastante bobo — talvez não o melhor uso das habilidades dramáticas de Silverstone, tão adequadas para chutar bandidos na calçada. Mas é uma meditação ao piano genuinamente comovente sobre sobriedade e o trabalho duro necessário para se manter firme. “Amazing” dispara para os céus nos minutos finais, com um longo, amplo e glorioso solo de guitarra de Perry. — R.S.
12. ‘Rag Doll’ (1988)
Para o terceiro single de Permanent Vacation (1988), o Aerosmith recorreu ao médico de músicas de Bryan Adams, Jim Vallance, coautor de “Run to You“, “Cuts Like a Knife” e “Summer of ’69“. Ele os ajudou a criar esta fusão propulsora de blues rock e metal hair, completa com guitarra slide e uma seção de metais. Eles originalmente a chamaram de “Ragtime“, mas Holly Knight (coautora de “Love Is a Battlefield” de Pat Benatar) sugeriu que mudassem para “Rag Doll“. O vídeo se passa num universo onde Tyler aparentemente está tendo casos com todas as jovens mulheres de uma rua suburbana. — A.G.
11. ‘Last Child’ (1976)
Cheia de funk, suja e inconfundivelmente Aerosmith, “Last Child” é um sonho febril presunçoso e sulista e o coração caipira de sua obra-prima de blues pesado Rocks (1976). Whitford coescreveu a música e a construiu em torno de seu riff de guitarra encardido que é tão contagioso que basicamente tem sido um gatilho pavloviano para públicos de shows desde então. A seção rítmica — Kramer na bateria, Hamilton no baixo — estabelece uma fundação “funkificada” que dá a Tyler todo o espaço que ele precisa para sua poesia maluca de varanda: “Can’t catch no dose of my hot tail poon tang sweetheart sweat hog” (Não consigo pegar nenhuma dose da minha gostosa poon tang querida porco suado). No mundo do Aerosmith, onde sentido e absurdo tendem a se confundir, tudo simplesmente funciona. — S.G.
10. ‘Love in an Elevator’ (1989)
Ao longo da história do rock, artistas escreveram músicas inescrutáveis onde o significado lírico fica a critério do ouvinte. “Love in an Elevator” não é uma delas. É sobre Tyler desfrutando de relações carnais num elevador. Se houvesse alguma dúvida sobre isso, o que seria quase impossível considerando o título e cada palavra da música, ela começa com uma operadora de elevador dizendo: “Bom dia Sr. Tyler, indo… para baixo?” (Ela está se referindo tanto ao movimento do elevador quanto fazendo uma referência velada a sexo oral.) Lançada no auge do movimento hair metal, a música se encaixou perfeitamente com novos lançamentos de Poison, Mötley Crüe e Warrant, e deu ao Aerosmith o single de abertura perfeito para Pump (1989). — A.G.
9. ‘No More No More’ (1975)
A declaração existencial definitiva do Aerosmith, sobre a jornada insana e interminável de tocar numa banda de rock & roll. Tyler soa como um vampiro cansado da estrada quando grita: “Ain’t seen the daylight since I started this band.” (Não vejo a luz do dia desde que comecei esta banda.)” – uma frase boa o suficiente para os Beastie Boys roubarem em “No Sleep ‘Til Brooklyn”. “No More No More” é um turbilhão de Holiday Inns, bares enfumaçados, noites tardias, estranhos drogados e a ida de carro para a próxima cidade, com um tom melancólico nos floreios acústicos. Perry conta seu lado da história, se estendendo nos minutos finais para seu solilóquio de guitarra mais elegíaco. — R.S.
8. ‘Seasons of Wither’ (1974)
Deprimente, cara. Esta balada química zonza revela o espírito sensível escondido por trás da presunção de “Lord of the Thighs” da banda. Tyler a escreveu num Halloween quando estava morando numa fazenda de galinhas em Vermont com o baterista Kramer. “Desci para o porão, queimei um incenso e peguei este violão que Joey tinha encontrado num lixão em algum lugar”, Tyler recordou em 1991. “Estava afinado bem mal, e tinha um tom especial. E aquela afinação forçou aquela música para fora.” “Seasons of Wither” tinha uma gravidade proto-grunge muito além do que as pessoas presumiam que esta banda poderia alcançar. Você pode praticamente sentir os ventos frios da Nova Inglaterra se aproximando. — R.S.
7. ‘Toys in the Attic’ (1975)
Com seus riffs de locomotiva e melodias cheias de teias de aranha, “Toys in the Attic” arrasa tanto que é fácil perder o quão profunda ela é. Letras como “Leaving the things that you love from mind/All of the things that you learned from fears/Nothing is left for the years” (Deixando as coisas que você ama longe da mente/Todas as coisas que você aprendeu com medos/Nada sobra para os anos) são poéticas de uma maneira similar ao refrão “Turn off your mind/Relax, and float downstream/It is not dying” (Desligue sua mente/Relaxe e flutue rio abaixo/Não é morrer) na artística “Tomorrow Never Knows” dos Beatles. Mas como o Aerosmith toca direto com abandono de invadir-os-portões-do-Inferno, e Tyler transformou o refrão “Toys! Toys! Toys… in the attic” (Brinquedos! Brinquedos! Brinquedos… no sótão) num erguedor de cerveja sob medida nos shows, o hippismo psicodélico de tudo é fácil de digerir. “Joe [Perry] estava só fazendo um riff, e eu comecei a gritar: ‘Toys, toys, toys… ‘”, Tyler lembrou. “Orgânico, imediato, contagioso… incrível pra caralho. Mais uma vez, os Gêmeos Tóxicos cavalgam para o pôr do sol… desta vez, o pôr do sol do sótão.” — K.G.
6. ‘Mama Kin’ (1973)
“Mama Kin” era o hino que definia o estilo de vida do Aerosmith. Tyler a escreveu antes de entrar para a banda, um sábio hippie místico preso no corpo de uma estrela do rock. “As pessoas sempre perguntam: ‘O que é ‘mama kin’?’” ele disse a Rolling Stone em 2001. “É a mãe de tudo. É o desejo de escrever música, o desejo de transar, de passar pelo relacionamento com uma garota, ou o que quer que seja. Manter contato com mama kin significa manter contato com os velhos espíritos que te levaram até lá para começar.” Tyler era tão devotado à sua mensagem espiritual que tatuou “MA KIN” no braço. Magricelo que é, ele não tinha braço suficiente para caber o título inteiro. — R.S.
5. ‘Janie’s Got a Gun’ (1989)
“Janie’s Got a Gun” se destaca como um dos triunfos mais improváveis do rock. Em 1989, enquanto surfavam alto numa onda de seu ressurgimento comercial, o Aerosmith lançou esta obra noir audaciosa — um conto sem rodeios de vingança, incesto e assassinato. A faixa abre com um prelúdio assustador de gongo de vento e harmônica de vidro, antes de Tyler soltar seu uivo do ponto de vista de uma garota traumatizada. Nada disso deveria ter funcionado — mas contra todas as probabilidades concebíveis, se tornou um dos maiores sucessos da década. Rendeu ao Aerosmith um Grammy e, graças ao vídeo musical que tomou conta da MTV, dirigido por um David Fincher pré-Clube da Luta (1999), relevância cultural renovada. A habilidade de Tyler de habitar a psique de personagens improváveis estava em plena exibição — uma abordagem narrativa que ele empregou em faixas anteriores como “Uncle Salty“, onde ele deu voz a um menino órfão abusado. Mas com “Janie“, ele mergulha ainda mais fundo em seu medo e raiva, entregando o que pode ser a interpretação vocal mais poderosa de sua carreira. — S.G.
4. ‘Back in the Saddle’ (1976)
Perry escreveu o riff enrolado e retumbante de “Back in the Saddle” em seu baixo de seis cordas, deitado de costas em seu quarto enquanto drogado. “Foi uma daquelas músicas que realmente abriu as coisas para nós”, ele recordou depois. “Back in the Saddle” abre o álbum clássico de 1976 do Aerosmith, Rocks, o melhor álbum de hard- rock americano dos anos 1970. Tyler amarrou pandeiros em suas pernas para soar como esporas tilintantes quando ele pisava com o groove ameaçador e enganosamente complexo da música enquanto cantava suas letras de cowboy sexual, e eles até trouxeram um chicote para o estúdio. Essas teatralidades os colocaram no clima para atingir o ideal Platônico de majestade de fora-da-lei vagabundo. — J.D.
3. ‘Dream On’ (1973)
Tyler tinha apenas 24 anos quando gravou “Dream On“, mas soava três vezes mais velho com a maneira que gritava sobre ver rugas em seu rosto e lamentando em letras como: “Você tem que perder para saber como ganhar.” A música de alguma forma se tornou o maior sucesso do Aerosmith dos anos 1970. Mas no contexto da carreira de blues-rock da banda, é sua música menos “Aerosmithiana”, já que Tyler passa a maior parte dela numa viagem ruim, apertando as teclas de seu cravo e cantando em sua voz natural mais grave (embora ele eleve as coisas a um grito demoníaco no final). “Quando escrevi ‘Dream On‘, pensei: ‘De onde isso veio?’” Tyler disse a Rolling Stone. “Não questionei. Quando leio as letras agora, para um cara que estava chapado, estúpido e babando, consegui tirar algo de lá: ‘O passado se foi/Passou como o crepúsculo ao amanhecer.’” Para o Aerosmith, foi um começo improvável. — K.G.
2. ‘Sweet Emotion’ (1975)
Em 1975, o Aerosmith já tinha lançado dois álbuns e tinha legado ao mundo futuros clássicos como “Dream On” e “Mama Kin“. Mas “Sweet Emotion“, o primeiro single lançado de Toys in the Attic (1975), parecia algo diferente — o começo de um Aerosmith mais sólido, mais ousado e mais confiante, tomando forma diante de nossos ouvidos. Não é apenas a autoconfiança inabalável com que a banda toca, mas a maneira como “Sweet Emotion” mistura perfeitamente sagacidade pop (aquela frase do título) com aspereza do rock (aqueles versos e a participação de talk-box de Perry). É uma receita que os sustentaria por várias décadas mais. No estilo tipicamente bagunçado do Aerosmith, a música foi parcialmente inspirada por um momento de caos da banda: Tyler estava com raiva de Perry, e da então esposa de Perry, por não compartilharem suas drogas com ele e descarregou sua fúria nas letras (“Você fala sobre coisas que ninguém se importa/Vestindo coisas que ninguém usa”). Mas como frequentemente faziam, a banda e o produtor Jack Douglas conseguiram juntar tudo no estúdio. Com a vulcânica “Sweet Emotion“, o Aerosmith sentiu que estava verdadeiramente pronto para conquistar não apenas bares e clubes, mas o mundo. — D.B.
1. ‘Walk This Way’ (1975)
“Walk This Way” mostra o Aerosmith em seu momento mais provocante, cheio de ritmo e no auge da forma — os “Bad Boys de Boston” em sua fase mais rebelde. Perry brilha com um riff de guitarra sujo e marcante, enquanto Tyler despeja sua poesia frenética e sexual. A música nasceu depois que a banda foi assistir ao novo filme de Mel Brooks, O Jovem Frankenstein (1974), e caiu na risada com a cena em que Marty Feldman e Gene Wilder fazem a piada do “walk this way” (“ande por aqui”). Mas o que começou como uma brincadeira virou um sucesso: a canção entrou para o Top 10, com o baterista Kramer adicionando um ritmo dançante inspirado no funk (ele já havia tocado com as lendas do R&B Tavares). Nos primeiros dias do hip-hop, DJs no sul do Bronx usavam a introdução da música como base para suas mixagens. Em 1986, o grupo Run-D.M.C. a reviveu em uma nova versão — que, embora tenha marcado o início do declínio deles, serviu para ressuscitar a carreira do Aerosmith. “Walk This Way” continua sendo o alicerce de toda a grandiosidade que a banda construiu ao longo de 50 anos. — R.S.
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As 50 melhores músicas do Aerosmith, segundo Rolling Stone
Por mais de 50 anos, o Aerosmith tem reinado como os guerreiros supremos do rock & roll americano. Os “Bad Boys de Boston” construíram um dos repertórios mais clássicos de todos os tempos, sem nunca fazer nada do jeito sensato. Eles estouraram nos anos setenta como o carro chefe do blues-metal, os monstros do gênero mais legais de todos: o ataque de guitarra de Joe Perry e Brad Whitford, o ritmo funk de Joey Kramer e Tom Hamilton, a tagarelice suja e desenfreada do maluco/poeta Steven Tyler.
Mas o Aerosmith também reinou como a irmandade mais disfuncional do rock, com cinco personalidades famosamente combativas. Esses caras batalharam, se cansaram, bateram no fundo do poço, mas sobreviveram para fazer um dos retornos mais bizarros da história da música. Nada poderia matar sua química estranha — nem drogas, nem desintoxicação, nem todos aqueles anos de caos do rock & roll. “Cometemos cada erro seis vezes”, Joe Perry disse a Rolling Stone em 2001. “Nós pagamos por toda essa porra. Eu saí da banda, Brad saiu da banda, a gente errou muito, assinamos contratos ruins, tivemos empresários ruins, tivemos bons empresários. Mas durante tudo isso, algo nos manteve juntos.”
Infelizmente, o Aerosmith acabou de ter que anunciar que eles finalmente estão parando como banda de turnê, depois que Tyler fraturou sua laringe no palco. Mas em honra a sua trajetória histórica, vamos celebrar esse legado com um tributo às 50 melhores músicas do Aerosmith. Algumas dessas melodias são mega-hits famosos que todo mundo conhece. Outras são lados B, valorizados por fãs vigorosos. Algumas são hinos de guitarra para bate cabelo; algumas são baladas da MTV. Mas essas 50 melodias clássicas definem o Aerosmith como os mais cruéis, mais sujos e maiores fora-da-lei do hard rock americano. Toque essas músicas alto para sempre, e continue sonhando.
50. ‘Make It’ (1973)
O Aerosmith deu o pontapé inicial em seu álbum de estreia com “Make It“, um dos mais icônicos hinos de “Boa noite, pessoal, bem-vindos ao show” do rock dos anos setenta. Foi uma declaração de missão. Eles tinham acabado de tomar a escolha decisiva de se mudar juntos para Boston, conseguir um apartamento e buscar sua fortuna. “Make It” é a música que Tyler compôs no banco de trás quando a banda dirigiu para lá. “Escrevi ‘Make It‘ num carro dirigindo de New Hampshire para Boston”, ele disse. “Tem aquela colina que você sobe e vê o horizonte de Boston.” Ele escreveu a letra numa caixa de lenços de papel, olhando para a cidade, pronto para perseguir o sonho. Toda a saga do Aerosmith começa aqui. — R.S.
49. ‘S.O.S. (Too Bad)’ (1974)
Este sucesso metálico do álbum Get Your Wings (1974) parece o Aerosmith no seu melhor rosnando. Tyler ronda com uma intensidade feroz. Kramer está segurando suas baquetas ao contrário, batendo com as pontas grossas só para ficar tão alto quanto humanamente possível. Mas é Perry quem rouba o show, com um solo de guitarra afiado numa lâmina de barbear enferrujada. Rápido e irregular, o toque de guitarra de Perry pinga com ameaça proto-metal, combinando com o ritmo maníaco definido pelo estoico deus do baixo Hamilton. O ano de 1974 foi um momento de fazer ou morrer para a banda de Boston, que estava constantemente no cepo da gravadora. “S.O.S.” é uma declaração de intenção de uma banda que sabia que tinha algo a provar — e provou com pura força. — S.G.
48. ‘Kings and Queens’ (1977)
Quem se importa se a letra de Tyler confunde viagens vikings com implementos de execução da revolução francesa? “Kings and Queens” contém uma das melodias mais ousadas e dramáticas do Aerosmith, e a ponte sombria acena para o Pink Floyd tanto quanto para as baladas passadas da banda como “Dream On“. Embora a canção parecesse um deslize comparada a tudo no álbum Rocks (1976) antes dela, em retrospectiva, é um testemunho de como as escolhas musicais certas (como a forma que Tyler geme “Screams of no reply” (“Gritos sem resposta”) podem elevar uma banda a um trono mais alto. — K.G.
47. ‘Fever’ (1993)
Get a Grip (1993) é o som do Aerosmith rasgando pela estrada do roqueiro de meia-idade: famintos por sucessos, mas felizes de estar ali. A produção polida está longe do grunhido de rock de garagem da banda dos anos setenta. Mas até os críticos teriam dificuldade em resistir à atração gravitacional de “Fever“, com sua energia delirante e aquelas harmonias excitadas na ponte. Nunca alguém a recuar de uma metáfora deliciosamente vulgar, Tyler canta: “The buzz that you’re getting from the crack don’t last, I’d rather be OD’ing in the crack of her ass.” (“O barato que você está tendo com o crack não dura, eu preferiria estar em overdose na fenda da bunda dela.”) É o Tyler clássico, regozijando-se na sacanagem e no absurdo de tudo, que é tudo que podemos pedir. — S.G.
46. ‘Remember (Walking in the Sand)’ (1979)
O Aerosmith abriu 1979 com Night in the Ruts (1979) olhando para trás em seu apogeu com “No Surprize“. O único lançamento do álbum de fraco desempenho foi outro gesto nostálgico, uma versão da obra-prima operística de grupo feminino das Shangri-Las de 1964, “Remember (Walking in the Sand)“, reformulada como uma grande balada de metal de arena. Pode ter parecido uma escolha estranha para os fãs do Aerosmith, mas conectava-se às raízes rock’n’roll novaiorquinas de Tyler. Ele tinha visto as Shangri-Las se apresentarem ao vivo antigamente, e a cantora das Shangri-Las, Mary Weiss, forneceu vocais de apoio (sem créditos) na versão do Aerosmith. — J.D.
45. ‘East Coast, West Coast’, do The Joe Perry Project (1981)
Perry deixou o Aerosmith em 1979 e formou rapidamente o The Joe Perry Project, argumentando que o vocalista da banda Ralph Mormon era um cantor melhor que Tyler, incluindo nas músicas do Aerosmith que Perry teimosamente manteve no repertório de sua nova banda. Mormon saiu após o surpreendentemente bom álbum de estreia de 1980, Let the Music Do the Talking, para ser substituído pelo cantor e compositor local Charlie Farren, que trouxe a sublime joia de metal pop “East Coast, West Coast” para o segundo LP do Project, I’ve Got the Rock and Rolls Again (1981). Estava no repertório da banda quando eles entraram em turnê em 2023, desta vez com Gary Cherone do Extreme nos vocais. — J.D.
44. ‘The Reason a Dog’ (1985)
“The reason a dog has so many friends? He wags his tail instead of his tongue.” (“A razão de um cachorro ter tantos amigos? Ele abana o rabo em vez da língua.”) Muito gentil da parte de Tyler oferecer dicas de etiqueta sobre manter a boca fechada, mas obviamente, ele nunca tentou seguir seu próprio conselho. “The Reason a Dog” é uma mistura enxuta e malvada de Done With Mirrors (1985), o álbum onde eles se reuniram com Perry e Whitford, aprendendo tudo de novo sobre como escrever músicas do Aerosmith. “Não quero que os fãs pensem que somos garotos americanos limpos e honrados”, disse Perry a Rolling Stone. “Mas somos americanos, e nós ficamos de pé.” Dois anos antes de Permanent Vacation (1987), é aqui que o verdadeiro retorno do Aerosmith começa. — R.S.
43. ‘Woman of the World’ (1974)
“Woman of the World” é uma entrada curiosa na obra do Aerosmith — uma das poucas faixas de blues-rock que celebra uma rica dona de gatos sem filhos com talento para receber visitas. Tyler canta suavemente: “She’s got big-eyed cats, she’s got coats of sable.” (“Ela tem gatos de olhos grandes, ela tem casacos de zibelina.”) Depois acrescenta: “She seats 44 at her dinner table,” (“Ela acomoda 44 em sua mesa de jantar”), sobre um ritmo de blues que é hipnótico e expansivo. O vocal de Tyler tem um toque distante e tranquilo, mesmo enquanto ele claramente continua trabalhando para imitar seu herói, James Brown. “Woman of the World” captura o Aerosmith num momento de formação, onde Perry e Tyler estavam apenas começando a descobrir sua dinâmica, mas já capazes de criar algo que transcendia suas influências. — S.G.
42. ‘Home Tonight’ (1976)
A confiança do Aerosmith estava tão alta em 1976 que eles decidiram encerrar Rocks superando Elton John. (É justo, já que Rock of the Westies de 1975 de Elton era basicamente sua versão de um álbum do Aerosmith.) “Home Tonight” é uma balada grandiosa de piano, vindo como um final surpresa em Rocks após um álbum inteiro de suas guitarras mais pesadas. Tyler se despede da audiência, com harmonias polidas até brilharem. Whitford fecha com seus solos de guitarra inflexivelmente ferozes — uma bela combinação. — R.S.
41. ‘Bolivian Ragamuffin’ (1982)
Esses foram os anos perdidos da banda no deserto, sem Perry ou Whitford. Mas “Bolivian Ragamuffin” é uma estranheza bizarra deliciosamente fora do padrão do Lado A de Rock in a Hard Place (1982). É a única vez que o Aerosmith tentou copiar o Rush, com Tyler reclamando sobre uma batida tirada direto de “The Spirit of Radio” — uma influência improvável, mas uma encruzilhada surpreendentemente bacana entre Megadon e “Mama Kin“. “Bolivian Ragamuffin” prova que até os álbuns mais ruins do Aerosmith geralmente têm pelo menos alguns tesouros enterrados — se você tiver estômago para caçá-los. (E se você está procurando neste álbum, não ignore “Joanie’s Butterfly.”) —R.S.
40. ‘Come Together’ (1978)
O musical cinematográfico de 1978 Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band foi uma catástrofe tão épica que quase destruiu as carreiras de Peter Frampton e dos Bee Gees perto do auge absoluto de sua fama. A única coisa boa que saiu dele foi a versão do Aerosmith de “Come Together“, que eles tocam durante um momento tipicamente incompreensível no filme onde Frampton e os Bee Gees tentam resgatar uma mulher amordaçada e amarrada a uma placa de neon. Termina com Frampton e Tyler brigando no palco, mas não importa. A música foi o último sucesso deles antes de Run-D.M.C. trazê-los de volta do esquecimento quase uma década depois. — A.G.
39. ‘I Don’t Want to Miss a Thing’ (1998)
Existem dois tipos de pessoas neste mundo: aquelas que veem “I Don’t Want to Miss a Thing” como uma balada poderosa açucarada e piegas que o Aerosmith nem escreveu, e aquelas que acham que é uma de suas melhores músicas dos anos 90 — uma balada irmã linda e épica de “Angel“. Embora seja verdade que Diane Warren escreveu o tema de Armageddon de 1998, ela admitiu que a banda e o produtor Matt Serletic foram responsáveis pelo gigante que se tornou. “Aquilo foi Steven sendo Steven, fazendo a merda legal que só ele pode fazer”, disse Warren, elogiando o arranjo de cordas e as oitavas dramáticas. “Lembro da primeira vez que ouvi e fiquei literalmente derrubada da minha cadeira de quão ótimo aquilo era.” —A.M.
38. ‘The Other Side’ (1989)
Ninguém consegue fazer “mmm-mmm-mmm” como Tyler. Combinado com a caixa de Kramer, a onomatopeia de Tyler anunciou a chegada do que é indiscutivelmente a faixa mais cativante de Pump (1989). É tão simples quanto o rock do fim dos anos 80 ficou, entre o baixo sem frescura de Hamilton, metais simples e brilhantes, e clichês fazendo papel de letras (“Between the devil and the deep blue sea!”; “Entre o diabo e o mar azul profundo!”). Não importa, “The Other Side” é irresistível — talvez demais. Os compositores de “Standing in the Shadow of Love” dos Four Tops ameaçaram ação legal pela melodia excessivamente similar do Aerosmith, resultando num crédito Holland/Dozier/Holland ao lado de Tyler e seu coautor Jim Vallance. —J.H.
37. ‘Combination’ (1976)
Nenhuma música no rock & roll incorpora a ideia de estar “elegantemente arrasado” como esta contribuição de Perry para Rocks (1976). A letra “Walking on Gucci, wearing Yves St. Laurent/barely staying on cause I’m so goddamn gaunt” (Andando de Gucci, vestindo Yves St. Laurent/mal conseguindo ficar em pé porque estou tão terrivelmente magro) expôs a elegância de estrela do rock. Perry na verdade faz mais do que apenas harmonizar com Tyler na música: ele canta a voz principal, quase. Em suas memórias, o guitarrista observou o ciúme que experimentava de seus companheiros de banda toda vez que se aproximava dos holofotes. “Depois de um tempo, porém, a banda cedeu e me apoiou, contanto que eu cantasse a música como uma espécie de dueto com Steven”, escreveu Perry sobre “Combination“. “Até hoje, [eu] fico surpreso com a frequência com que me pedem para tocá-la ao vivo.” —J.H.
36. ‘My Fist Your Face’ (1985)
Ninguém esperava nada do álbum de reunião do Aerosmith, Done With Mirrors (1985). Muito menos eles. “Sei que todo mundo vai perguntar se voltamos a ficar juntos por dinheiro”, disse Perry à Rolling Stone em 1984. “E é claro que sim.” No entanto, tinha sinais surpreendentes de vida, como esta pequena vinheta de briga de bar matadora. “My Fist Your Face” era punk o suficiente para os The Replacements tocarem na turnê de Tim (1985), plenamente conscientes de que nenhum de seus fãs a conheceria. “Os Quiet Riots e todos aqueles caras com couros e tachas e as pilhas de amplificadores Marshall que não estão ligados é melhor tomarem cuidado”, alardeou Perry. “Nós somos a banda sobre a qual sua mãe avisou você.” —R.S.
35. ‘You See Me Crying’ (1975)
Esta joia poderosa mostrou a banda experimentando como fazer a vulnerabilidade bater tão forte quanto sua pestana de guitarra mais pesada — uma habilidade que os serviria bem quando depois invadiram as paradas pop. Tyler pressionou a banda a gastar numa orquestra de 100 peças e assumiu o comando dos arranjos. É uma peça de piano enganosamente complexa, com mudanças de compasso e oscilações dinâmicas que combinam perfeitamente com a extensão vocal sobrenatural de Tyler. No entanto, apesar de todas as suas complexidades, “You See Me Crying” quase se perdeu na névoa dos excessos notórios da banda. Conta-se que Tyler — profundamente em estado alterado — uma vez ouviu a música no rádio e sugeriu que eles a regravassem, apenas para Perry responder: “Somos nós, cabeça de merda.” —S.G.
34. ‘Lightning Strikes’ (1982)
O Aerosmith estava totalmente fora de sincronia com as tendências de 1982, quando fizeram Rock in a Hard Place — isso mesmo, o álbum onde eles acharam que era legal colocar Stonehenge na capa. This Is Spinal Tap (1984) veio dois anos depois, e sim, Steven Tyler levou para o lado pessoal. Mas mesmo sem Joe Perry, o álbum tinha guitarras cruéis dos firmes substitutos Rick Dufay (pai da Minka Kelly!) e Jimmy Crespo. “Lightning Strikes” tem aquele velho poder de riff chicoteante e os jogos de palavras de Tyler, quando ele ameaça “ler seus direitos fúnebres.” —R.S.
33. ‘Dude (Looks Like a Lady)’ (1987)
Houve um tempo, não muito tempo atrás, quando você podia chamar uma música de “Dude (Looks Like a Lady)” e era totalmente socialmente aceitável. Na verdade, este foi o grande single do álbum que restabeleceu o Aerosmith como produtores de sucessos dos anos 80 depois que seu remake de “Walk This Way” com Run-D.M.C. ajudou a apresentá-los à geração MTV. Para conseguir a sagacidade pop de que precisavam, a banda se juntou a Desmond Child, recém-saído de seu trabalho mega-platinado com Bon Jovi. As letras foram inspiradas em eventos da vida real — ou seja, Tyler bêbado vendo uma loira gostosa de trás e então ficando chocado quando ela/ele acabou sendo o cantor do Mötley Crüe, Vince Neil. —J.D.
32. ‘Draw the Line’ (1977)
O Aerosmith tinha feito um álbum por ano durante quatro anos quando chegaram a Draw the Line de 1977, e seu esgotamento e consumo de drogas deram ao quinto álbum uma sensação única de desespero danificado. Com seu riff brutamontes e produção turva e nem-aí, a faixa-título soa mais cruel que muito do punk-rock surgindo no mesmo ano. Tyler explicou a letra “Carrie… was a wet-nap winner” assim: “Bem, um wet nap é algo com que você limpa bundas de bebês. Antigamente, se você tivesse sorte o suficiente de pegar uma aeromoça num avião e você saísse do banheiro, tudo que você tinha para limpar era um wet nap.” —J.D.
31. ‘Adam’s Apple’ (1975)
Deixe com o Aerosmith pegar a saga de Adão e Eva e torná-la ainda mais picante nesta faixa obscura de Toys in the Attic (1975). Sobre uma baixaria de guitarra martelante, Tyler apresenta sua própria teoria de possível intervenção alienígena (a “nave-mãe” que vem “do céu”), mas o que se segue poderia fazer um extraterrestre corar. Adão se delicia no “fruto doce e amargo” de Eva, e ela mesma “comeu — Senhor, foi amor à primeira mordida.” Ainda assim, o mais fascinante sobre “Adam’s Apple” é a solenidade com que Tyler a encara, até lamentando a maneira como “o mal veio como chuva” depois que são expulsos do Jardim do Éden. Bastou o fim da inocência do homem para assustar Tyler. —D.B.
30. ‘Let the Music Do the Talking’ (1985)
Nos anos em que o Aerosmith estava brigando com Perry, foi o guitarrista quem realmente manteve a chama acesa. Todos os três álbuns de seu Projeto Joe Perry ainda são guardados. (Podemos receber um amém para “Black Velvet Pants“? “South Station Blues“? Que tal “I’ve Got the Rock & Rolls Again“?) Mas o auge foi sua música-título arrasadora de 1980 Let the Music Do the Talking. Então, quando Perry voltou ao Aerosmith, eles sabiamente a reviveram como o single e faixa de abertura de Done With Mirrors de 1985. Um caso raro desta banda tomar uma decisão sensata de carreira. —R.S.
29. ‘Chip Away the Stone’ (1978)
O grande sucesso perdido do Aerosmith, um favorito cult valorizado por conhecedores fervorosos. “Chip Away the Stone” é uma valentia rude de country ao estilo Skynyrd, escrita pelo amigo e colaborador de longa data Richie Supa. Como single ao vivo, fracassou no número 77, quebrando sua sequência de sucessos no Top 40. Mas a versão de estúdio muito superior foi enterrada no Lado B, e nem sequer apareceu num álbum até uma década depois, na coletânea Gems (1988). Uma banda mais sensata teria escolhido a “Chip Away the Stone” de estúdio como o single — poderia ter sido o sucesso de rádio salvador de carreira de que eles desesperadamente precisavam. Mas em 1978, Aerosmith e sanidade nem estavam conversando. —R.S.
28. ‘Crazy’ (1993)
Pelos padrões de hoje, escalar sua filha de 16 anos como uma estudante de colegial sexy num vídeo onde ela nada nua, entra num concurso numa casa de strip, e dirige por aí de sutiã ao lado de outra garota má adolescente, interpretada por Alicia Silverstone, parece bem perturbador. Bem, era perturbador em 1993, mas o Aerosmith não dava a mínima. O vídeo transformou Liv Tyler (que tinha acabado de descobrir que Steven Tyler era seu pai) numa estrela, e transformou “Crazy” em mais um sucesso gigante de Get a Grip (1993). —A.G.
27. ‘Big Ten Inch Record’ (1975)
O Aerosmith já tinha regravado “Train Kept a Rollin’” e “Walkin’ the Dog” em álbuns anteriores, mas há algo especialmente comovente em ouvir a banda que deu ao mundo “Back in the Saddle” e “Lord of the Thighs” prestar homenagem às raízes do rock de duplo sentido com sua versão boogie-woogie do clássico blues fálico de 1952 de Bull Moose Jackson. Eles mandam com afeto real, caras do rock pesado prestando homenagem a um precursor estético. —J.D.
26. ‘Rats in the Cellar’ (1976)
Um ano depois de “Toys in the Attic“, o Aerosmith virou a casa da diversão de cabeça para baixo para a sequência, “Rats in the Cellar“. Mas é um conto mais sombrio e sinistro, capturando o momento em que todos os cinco membros da banda estavam acelerando em direção ao desastre. “‘Rats‘ é mais como o que estava realmente acontecendo”, Tyler recordou em seu livro de memórias Does the Noise in My Head Bother You? (2004) “As coisas estavam desmoronando, a sanidade estava fugindo para o sul, a cautela foi jogada ao vento, e aos poucos o caos estava se mudando permanentemente.” —R.S.
25. ‘Angel’ (1987)
O Aerosmith não era uma banda de hair metal. Mas eles tiraram uma página do manual do hair metal ao seguir um hino de rock, “Dude (Looks Like a Lady)“, com uma balada de amor, “Angel“, ao escolher singles de Permanent Vacation (1987). Escrita por Tyler e Desmond “Livin’ on a Prayer” Child, a música solidificou um dos retornos mais improváveis da história do rock ao atingir o Número Três na Billboard Hot 100. Isso pode ter horrorizado fãs da velha guarda que ainda se apegavam aos seus antigos fitas oito-track de Toys in the Attic (1975) e Rocks (1976), mas este era o Aerosmith para uma nova geração. —A.G.
24. ‘Lord of the Thighs’ (1974)
“Lord of the Thighs” é uma faixa tão mergulhada em baixaria que praticamente deixa uma mancha no seu toca-discos. Mas por baixo da sujeira, há a batida embrionária que eventualmente evoluiria para “Walk This Way“. O trabalho de pés de Kramer no bumbo, perfeitamente sincronizado com o riff serpenteante de guitarra de Perry, estabelece uma batida tão primitiva quanto precisa: apenas dois e quatro por cima, com colcheias nos chimbal impulsionando o ritmo. Da lama surgiu um som perturbador e estranhamente sedutor — uma batida gritante que enredaria gerações de guitarristas de rock vindouros. —S.G.
23. ‘Nobody’s Fault’ (1976)
No início, o Aerosmith às vezes era descartado como uma imitação dos Stones, mas este tesouro enterrado de Rocks (1976), escrito por Tyler e Whitford, prova que eles podiam acenar para o Led Zeppelin com desenvoltura genuína. Tyler empurra sua voz para guinchar como Plant, e as guitarras e a pancada de bateria do martelo dos deuses são puro Page e Bonham. Adicione provavelmente as letras mais sombriamente apocalípticas que a banda já escreveu — conjurando terremotos, casas desabadas, pássaros batendo asas desesperadamente, e Terras Santas em decomposição — e você tem um verdadeiro apocalipse santo de arrepiar. (E foi só coincidência que o Zeppelin lançou “Nobody’s Fault But Mine” no mesmo ano?) —D.B.
22. ‘Same Old Song and Dance’ (1974)
O primeiro single de Get Your Wings de 1974 era tudo menos a mesma velha história. Os Bad Boys de Boston estão particularmente ferozes aqui, apoiando-se pesadamente no riff forte de Perry e nas rimas cantadas de Tyler sobre matar, cocaína e um juiz com “prisão de ventre” que vai até a cabeça. “Get yourself cooler, lay yourself low/coincidental murder with nothing to show” (Fique mais frio, abaixe-se/assassinato coincidente sem nada para mostrar), grita Tyler para abrir a faixa, que aparecia frequentemente no repertório da banda: eles a tocaram pela primeira vez em 1973, e novamente 50 anos depois em Pittsburgh — no que seria a penúltima apresentação ao vivo do Aerosmith. —J.H.
21. ‘Livin’ on the Edge’ (1993)
Uma dose sóbria de comentário social após a agitação civil em Los Angeles que seguiu quatro policiais espancando Rodney King em 1992, “Livin’ on the Edge” encontra Tyler espiando no abismo sem muita esperança. “Estamos vivendo no limite”, canta Tyler, enquanto os vocais de fundo o provocam: “Você não pode evitar de cair.” É um problema sem solução, mas o Aerosmith fez soar ótimo com a guitarra de sino de Perry e alguns toques country. Além disso, a música tem um dos vídeos mais malucos dos anos 90, apresentando o garoto de O Exterminador do Futuro 2 (1991) jogando fora uma embalagem de camisinha, Perry desviando de um trem em disparada, e a glória que é Steven Tyler nu. —K.G.
20. ‘No Surprize’ (1979)
No final dos anos 1970, com a banda desmoronando, os garotos do Aerosmith dão uma olhada para trás em seu auge. “No Surprize” é uma das músicas mais cruéis e engraçadas de “como a banda começou” em todo o mundo do rock, um passeio sardônico pelos seus primeiros dias: tocando em botecos, se deliciando na baixaria de Nova York do Max’s Kansas City, assinando na linha pontilhada com Clive Davis, conseguindo drogas com os policiais. Tyler rosna sobre ser enganado pelos tubarões da indústria, perguntando: “Se japoneses podem ferver chás, então onde diabos estão meus royalties?” Na guitarra, Perry soa como o rei do mundo. Mas quando esta música foi lançada, ele estava fora da banda. —R.S.
19. ‘Jaded’ (2001)
A última grande música do Aerosmith, e seu último sucesso, chegando ao Número Sete no início de 2001. Tudo sobre “Jaded” foi impecável, incluindo o timing — estava no Top 10 na semana em que foram incluídos no Hall da Fama do Rock & Roll. De todos os veteranos no Hall, quantos podem se vangloriar de ter tido um novo sucesso estrondoso para tocar na cerimônia, muito menos um tão grande? (Eles deixaram Justin Timberlake cantar o refrão no Super Bowl — essa foi uma decisão nteressante.) “Jaded” é um envio agridoce às suas três primeiras décadas, com Tyler lamentando: “Meu, meu baby blue.” Linda, elegíaca, mas sem sentimentalismo — uma maneira graciosa de completar um dos melhores repertórios do rock. —R.S.
18. ‘What It Takes’ (1989)
Embora este destaque de Pump de 1989 seja considerado uma balada poderosa, tem muito mais em comum com uma música country de varanda. Credite isso à entrega descontraída de Tyler, à presença sutil de acordeão, e ao fato de que, em seu núcleo, é uma música de separação à moda antiga. A banda até a apresenta num bar caipira no vídeo oficial (embora sejamos sempre parciais à versão alternativa no estúdio). Escrita por Tyler e Perry com Desmond Child, o mestre da balada poderosa, “What It Takes” foi um ponto alto toda vez que o Aerosmith a tocou ao vivo, com Tyler provocando a plateia — “Não, não, assim” — antes de guinchar o “lance de dados” final. —J.H.
17. ‘Sick as a Dog’ (1976)
“Sick as a Dog” é um destaque esquecido de Rocks (1976), mas é o Aerosmith em seu mais musicalmente feroz e emocionalmente cru, com harmonias assombrosas e o arranjo de guitarra metal-estilo-Byrds de Hamilton. Tyler canta sobre duas crianças perdidas na estrada, longe de casa, tentando manter uma à outra vivas através de uma longa noite de drogas e desespero. Enquanto ele implora: “You’re the only friend I got/You’ll be the last to see me rot.” (Você é o único amigo que tenho/Você será o último a me ver apodrecer) A música termina com palmas, diretamente do manual das Shangri-Las. Eles editaram “Sick as a Dog” ao vivo no estúdio, com Hamilton na guitarra e Perry no baixo. No último minuto, Perry passou o baixo para Tyler e terminou a música na guitarra, enquanto a fita continuava rodando. — R.S.
16. ‘Cryin” (1993)
Não havia muitas estrelas do rock na casa dos 40 anos na MTV em 1993. É por isso que o Aerosmith fez a escolha brilhante de escalar Alicia Silverstone de 17 anos como a estrela do vídeo de “Cryin’“, o terceiro single de Get a Grip (1993). O vídeo onde ela interpreta uma namorada rejeitada que se vinga do homem traidor tocou na MTV em um loop quase constante por meses, disparando a música para o Número Um na Billboard Hot 100, e ajudando Get a Grip a vender impressionantes 20 milhões de discos no mundo todo. Foi tão bem-sucedido que Silverstone estrelou os próximos dois vídeos do Aerosmith, o que a ajudou a conseguir o papel principal num filmezinho chamado As Patricinhas de Beverly Hills (1995). — A.G.
15. ‘Train Kept a Rollin” (1974)
No início, a pérola do blues “Train Kept a-Rollin’” era filha de Tiny Bradshaw, que gerou a versão acelerada de Johnny Burnette, que gerou a versão do Yardbirds de Blowup (1966), que gerou a versão conduzida pelo Led Zeppelin, que gerou a versão de parar o trânsito do Aerosmith, transformando esse trem no Novo Testamento do rock pesado do rádio FM. Embora a banda tenha estreado uma versão de estúdio de cinco minutos e meio da música em Get Your Wings (1974), a música sempre soava melhor no palco, onde eles aceleravam e desaceleravam como se o trem estivesse vivo e fora de controle e pronto para arrasar, assim como o Aerosmith. — K.G.
14. ‘Lick and a Promise’ (1976)
Era divertido assim ser o Aerosmith nos anos 70, até que não foi mais. “Lick and a Promise” é uma explosão em série de Rocks (1976), com Whitford e Perry arrasando em seu modo característico rápido e pesado. O ritmo maníaco e o caos químico já estavam os alcançando — como Perry disse: “Começamos como uma banda de rock brincando com drogas, depois nos tornamos uma banda de drogas brincando com rock.” Mas nesta empolgação desenfreada, eles continuam dançando no limite — uma das músicas mais puramente alegres que o Aerosmith já fez. Aquele gancho “na-na-na-na-na” era tão indelével que eles o reciclaram anos depois no refrão de seu sucesso de 2001 “Jaded“. — R.S.
13. ‘Amazing’ (1993)
O Aerosmith atingiu o zênite de sua era de baladas poderosas dos anos 90 com “Amazing“, conquistando a MTV com sua icônica trilogia Alicia Silverstone. “Amazing” veio entre “Cryin’” e “Crazy“, mas, como O Poderoso Chefão, esta é uma trilogia que atinge o pico no capítulo do meio. O vídeo tinha um tema de “ciberespaço” bastante bobo — talvez não o melhor uso das habilidades dramáticas de Silverstone, tão adequadas para chutar bandidos na calçada. Mas é uma meditação ao piano genuinamente comovente sobre sobriedade e o trabalho duro necessário para se manter firme. “Amazing” dispara para os céus nos minutos finais, com um longo, amplo e glorioso solo de guitarra de Perry. — R.S.
12. ‘Rag Doll’ (1988)
Para o terceiro single de Permanent Vacation (1988), o Aerosmith recorreu ao médico de músicas de Bryan Adams, Jim Vallance, coautor de “Run to You“, “Cuts Like a Knife” e “Summer of ’69“. Ele os ajudou a criar esta fusão propulsora de blues rock e metal hair, completa com guitarra slide e uma seção de metais. Eles originalmente a chamaram de “Ragtime“, mas Holly Knight (coautora de “Love Is a Battlefield” de Pat Benatar) sugeriu que mudassem para “Rag Doll“. O vídeo se passa num universo onde Tyler aparentemente está tendo casos com todas as jovens mulheres de uma rua suburbana. — A.G.
11. ‘Last Child’ (1976)
Cheia de funk, suja e inconfundivelmente Aerosmith, “Last Child” é um sonho febril presunçoso e sulista e o coração caipira de sua obra-prima de blues pesado Rocks (1976). Whitford coescreveu a música e a construiu em torno de seu riff de guitarra encardido que é tão contagioso que basicamente tem sido um gatilho pavloviano para públicos de shows desde então. A seção rítmica — Kramer na bateria, Hamilton no baixo — estabelece uma fundação “funkificada” que dá a Tyler todo o espaço que ele precisa para sua poesia maluca de varanda: “Can’t catch no dose of my hot tail poon tang sweetheart sweat hog” (Não consigo pegar nenhuma dose da minha gostosa poon tang querida porco suado). No mundo do Aerosmith, onde sentido e absurdo tendem a se confundir, tudo simplesmente funciona. — S.G.
10. ‘Love in an Elevator’ (1989)
Ao longo da história do rock, artistas escreveram músicas inescrutáveis onde o significado lírico fica a critério do ouvinte. “Love in an Elevator” não é uma delas. É sobre Tyler desfrutando de relações carnais num elevador. Se houvesse alguma dúvida sobre isso, o que seria quase impossível considerando o título e cada palavra da música, ela começa com uma operadora de elevador dizendo: “Bom dia Sr. Tyler, indo… para baixo?” (Ela está se referindo tanto ao movimento do elevador quanto fazendo uma referência velada a sexo oral.) Lançada no auge do movimento hair metal, a música se encaixou perfeitamente com novos lançamentos de Poison, Mötley Crüe e Warrant, e deu ao Aerosmith o single de abertura perfeito para Pump (1989). — A.G.
9. ‘No More No More’ (1975)
A declaração existencial definitiva do Aerosmith, sobre a jornada insana e interminável de tocar numa banda de rock & roll. Tyler soa como um vampiro cansado da estrada quando grita: “Ain’t seen the daylight since I started this band.” (Não vejo a luz do dia desde que comecei esta banda.)” – uma frase boa o suficiente para os Beastie Boys roubarem em “No Sleep ‘Til Brooklyn”. “No More No More” é um turbilhão de Holiday Inns, bares enfumaçados, noites tardias, estranhos drogados e a ida de carro para a próxima cidade, com um tom melancólico nos floreios acústicos. Perry conta seu lado da história, se estendendo nos minutos finais para seu solilóquio de guitarra mais elegíaco. — R.S.
8. ‘Seasons of Wither’ (1974)
Deprimente, cara. Esta balada química zonza revela o espírito sensível escondido por trás da presunção de “Lord of the Thighs” da banda. Tyler a escreveu num Halloween quando estava morando numa fazenda de galinhas em Vermont com o baterista Kramer. “Desci para o porão, queimei um incenso e peguei este violão que Joey tinha encontrado num lixão em algum lugar”, Tyler recordou em 1991. “Estava afinado bem mal, e tinha um tom especial. E aquela afinação forçou aquela música para fora.” “Seasons of Wither” tinha uma gravidade proto-grunge muito além do que as pessoas presumiam que esta banda poderia alcançar. Você pode praticamente sentir os ventos frios da Nova Inglaterra se aproximando. — R.S.
7. ‘Toys in the Attic’ (1975)
Com seus riffs de locomotiva e melodias cheias de teias de aranha, “Toys in the Attic” arrasa tanto que é fácil perder o quão profunda ela é. Letras como “Leaving the things that you love from mind/All of the things that you learned from fears/Nothing is left for the years” (Deixando as coisas que você ama longe da mente/Todas as coisas que você aprendeu com medos/Nada sobra para os anos) são poéticas de uma maneira similar ao refrão “Turn off your mind/Relax, and float downstream/It is not dying” (Desligue sua mente/Relaxe e flutue rio abaixo/Não é morrer) na artística “Tomorrow Never Knows” dos Beatles. Mas como o Aerosmith toca direto com abandono de invadir-os-portões-do-Inferno, e Tyler transformou o refrão “Toys! Toys! Toys… in the attic” (Brinquedos! Brinquedos! Brinquedos… no sótão) num erguedor de cerveja sob medida nos shows, o hippismo psicodélico de tudo é fácil de digerir. “Joe [Perry] estava só fazendo um riff, e eu comecei a gritar: ‘Toys, toys, toys… ‘”, Tyler lembrou. “Orgânico, imediato, contagioso… incrível pra caralho. Mais uma vez, os Gêmeos Tóxicos cavalgam para o pôr do sol… desta vez, o pôr do sol do sótão.” — K.G.
6. ‘Mama Kin’ (1973)
“Mama Kin” era o hino que definia o estilo de vida do Aerosmith. Tyler a escreveu antes de entrar para a banda, um sábio hippie místico preso no corpo de uma estrela do rock. “As pessoas sempre perguntam: ‘O que é ‘mama kin’?’” ele disse a Rolling Stone em 2001. “É a mãe de tudo. É o desejo de escrever música, o desejo de transar, de passar pelo relacionamento com uma garota, ou o que quer que seja. Manter contato com mama kin significa manter contato com os velhos espíritos que te levaram até lá para começar.” Tyler era tão devotado à sua mensagem espiritual que tatuou “MA KIN” no braço. Magricelo que é, ele não tinha braço suficiente para caber o título inteiro. — R.S.
5. ‘Janie’s Got a Gun’ (1989)
“Janie’s Got a Gun” se destaca como um dos triunfos mais improváveis do rock. Em 1989, enquanto surfavam alto numa onda de seu ressurgimento comercial, o Aerosmith lançou esta obra noir audaciosa — um conto sem rodeios de vingança, incesto e assassinato. A faixa abre com um prelúdio assustador de gongo de vento e harmônica de vidro, antes de Tyler soltar seu uivo do ponto de vista de uma garota traumatizada. Nada disso deveria ter funcionado — mas contra todas as probabilidades concebíveis, se tornou um dos maiores sucessos da década. Rendeu ao Aerosmith um Grammy e, graças ao vídeo musical que tomou conta da MTV, dirigido por um David Fincher pré-Clube da Luta (1999), relevância cultural renovada. A habilidade de Tyler de habitar a psique de personagens improváveis estava em plena exibição — uma abordagem narrativa que ele empregou em faixas anteriores como “Uncle Salty“, onde ele deu voz a um menino órfão abusado. Mas com “Janie“, ele mergulha ainda mais fundo em seu medo e raiva, entregando o que pode ser a interpretação vocal mais poderosa de sua carreira. — S.G.
4. ‘Back in the Saddle’ (1976)
Perry escreveu o riff enrolado e retumbante de “Back in the Saddle” em seu baixo de seis cordas, deitado de costas em seu quarto enquanto drogado. “Foi uma daquelas músicas que realmente abriu as coisas para nós”, ele recordou depois. “Back in the Saddle” abre o álbum clássico de 1976 do Aerosmith, Rocks, o melhor álbum de hard- rock americano dos anos 1970. Tyler amarrou pandeiros em suas pernas para soar como esporas tilintantes quando ele pisava com o groove ameaçador e enganosamente complexo da música enquanto cantava suas letras de cowboy sexual, e eles até trouxeram um chicote para o estúdio. Essas teatralidades os colocaram no clima para atingir o ideal Platônico de majestade de fora-da-lei vagabundo. — J.D.
3. ‘Dream On’ (1973)
Tyler tinha apenas 24 anos quando gravou “Dream On“, mas soava três vezes mais velho com a maneira que gritava sobre ver rugas em seu rosto e lamentando em letras como: “Você tem que perder para saber como ganhar.” A música de alguma forma se tornou o maior sucesso do Aerosmith dos anos 1970. Mas no contexto da carreira de blues-rock da banda, é sua música menos “Aerosmithiana”, já que Tyler passa a maior parte dela numa viagem ruim, apertando as teclas de seu cravo e cantando em sua voz natural mais grave (embora ele eleve as coisas a um grito demoníaco no final). “Quando escrevi ‘Dream On‘, pensei: ‘De onde isso veio?’” Tyler disse a Rolling Stone. “Não questionei. Quando leio as letras agora, para um cara que estava chapado, estúpido e babando, consegui tirar algo de lá: ‘O passado se foi/Passou como o crepúsculo ao amanhecer.’” Para o Aerosmith, foi um começo improvável. — K.G.
2. ‘Sweet Emotion’ (1975)
Em 1975, o Aerosmith já tinha lançado dois álbuns e tinha legado ao mundo futuros clássicos como “Dream On” e “Mama Kin“. Mas “Sweet Emotion“, o primeiro single lançado de Toys in the Attic (1975), parecia algo diferente — o começo de um Aerosmith mais sólido, mais ousado e mais confiante, tomando forma diante de nossos ouvidos. Não é apenas a autoconfiança inabalável com que a banda toca, mas a maneira como “Sweet Emotion” mistura perfeitamente sagacidade pop (aquela frase do título) com aspereza do rock (aqueles versos e a participação de talk-box de Perry). É uma receita que os sustentaria por várias décadas mais. No estilo tipicamente bagunçado do Aerosmith, a música foi parcialmente inspirada por um momento de caos da banda: Tyler estava com raiva de Perry, e da então esposa de Perry, por não compartilharem suas drogas com ele e descarregou sua fúria nas letras (“Você fala sobre coisas que ninguém se importa/Vestindo coisas que ninguém usa”). Mas como frequentemente faziam, a banda e o produtor Jack Douglas conseguiram juntar tudo no estúdio. Com a vulcânica “Sweet Emotion“, o Aerosmith sentiu que estava verdadeiramente pronto para conquistar não apenas bares e clubes, mas o mundo. — D.B.
1. ‘Walk This Way’ (1975)
“Walk This Way” mostra o Aerosmith em seu momento mais provocante, cheio de ritmo e no auge da forma — os “Bad Boys de Boston” em sua fase mais rebelde. Perry brilha com um riff de guitarra sujo e marcante, enquanto Tyler despeja sua poesia frenética e sexual. A música nasceu depois que a banda foi assistir ao novo filme de Mel Brooks, O Jovem Frankenstein (1974), e caiu na risada com a cena em que Marty Feldman e Gene Wilder fazem a piada do “walk this way” (“ande por aqui”). Mas o que começou como uma brincadeira virou um sucesso: a canção entrou para o Top 10, com o baterista Kramer adicionando um ritmo dançante inspirado no funk (ele já havia tocado com as lendas do R&B Tavares). Nos primeiros dias do hip-hop, DJs no sul do Bronx usavam a introdução da música como base para suas mixagens. Em 1986, o grupo Run-D.M.C. a reviveu em uma nova versão — que, embora tenha marcado o início do declínio deles, serviu para ressuscitar a carreira do Aerosmith. “Walk This Way” continua sendo o alicerce de toda a grandiosidade que a banda construiu ao longo de 50 anos. — R.S.
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Donald Glover, Avril Lavigne e Jim Carrey são adicionados ao lineup do Rock & Roll Hall of Fame
Estamos a quase uma semana da cerimônia de indução do Hall da Fama do Rock & Roll de 2025, e a lista de artistas e apresentadores continua a crescer, com o elenco agora incluindo Donald Glover, Avril Lavigne, Jim Carrey e mais.
A cerimônia, realizada em 8 de novembro no Peacock Theater, em Los Angeles, também contará com Mick Fleetwood, Janelle Monáe, Nancy Wilson (do Heart), Joe Perry, Mike McCready (do Pearl Jam), Jerry Cantrell (do Alice in Chains), Bryan Adams, En Vogue, Feist, Nathaniel Rateliff, Tedeschi Trucks Band e outros.
A novidade chega após o anúncio de convidados anteriores como Chappell Roan (que apresentará a indução de Cyndi Lauper), Olivia Rodrigo, The Killers, Elton John, Doja Cat, Missy Elliott, David Letterman, Flea, Iggy Pop, Questlove e mais.
“A cada ano, a cerimônia de indução do Hall da Fama do Rock & Roll reúne os artistas mais influentes da música atual para homenagear seus heróis que inspiraram suas músicas e carreiras”, disse John Sykes, presidente da Fundação Rock & Roll Hall of Fame, em comunicado. “Esses artistas vêm de todo o mundo para criar momentos musicais que ficarão para a história e viverão para sempre.”
Além de Lauper, a classe de 2025 do Hall da Fama do Rock & Roll inclui The White Stripes, Outkast, Cher, Soundgarden, Bad Company, Chubby Checker e Joe Cocker na categoria “Performer” (Artista). Warren Zevon e Salt-N-Pepa receberão o “Musical Influence Award” (Prêmio de Influência Musical), enquanto o tecladista Nicky Hopkins, a baixista Carol Kaye (da Wrecking Crew) e o compositor e produtor Thom Bell receberão o “Musical Excellence Awards” (Prêmio de Excelência Musical). O ex-presidente da Warner Bros Records, Lenny Waronker, receberá o “Ahmet Ertegun Award”.
Embora não esteja claro quem exatamente apresentará ou tocará, podemos supor que Letterman fará a indução do falecido Zevon — seu amigo e convidado frequente em seu programa — e que Nancy Wilson, que é da região do Noroeste Pacífico (EUA) e foi uma mentora para bandas grunge, estará envolvida na indução do Soundgarden.
O evento será novamente transmitido ao vivo no Disney+, e uma versão editada irá ao ar na ABC em data posterior.
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Por que o rock ainda conquista Russell Crowe, segundo o próprio ator
Ator e produtor de cinema neozelandês, Russell Crowe ganhou reconhecimento internacional após vencer o Oscar de Melhor Ator em 2001, por sua interpretação de Maximus Decimus Meridius em Gladiador (2000).
Ele teve papéis de destaque em longas aclamados pela crítica, como O Informante (1999), Uma Mente Brilhante (2001) e Os Miseráveis (2012). Seu filme mais recente, Nuremberg, estreou no AFI Fest na última sexta-feira, 24 de outubro de 2025.
Mas não para por aí: além do currículo extenso no cinema, Crowe também é vocalista de uma banda de rock, recentemente renomeada Indoor Garden Party.
Em entrevista à People na estreia de Nuremberg, ele contou que a banda proporciona uma válvula de escape criativa em meio à vida de ator. “É o meu teatro”, explica. “Já fiz teatro convencional, teatro musical e tudo mais. Mas comecei tocando em bandas de rock and roll, e é um ambiente com o qual me sinto muito à vontade.”
Além do lançamento recente, Crowe continua trabalhando em outros dois projetos: The Last Druid, dirigido por William Eubank, e Unabom, por Janus Metz.
O que é a Indoor Garden Party?
Antes chamada de The Gentleman Barbers, a banda Indoor Garden Party nasceu em 2009, e lançou os álbuns The Musical e Prose And Cons em 2017 e 2024, respectivamente. A formação do grupo não é fixa, e os convidados variam em cada turnê: eles fazem shows em pubs, clubes e teatros que misturam canções originais e covers.
“Gosto de tocar em pubs. Era o que eu fazia quando era mais jovem. Mesmo que meu trabalho principal ocupe muito do meu tempo, nunca deixei de tocar música. Minha jornada no cinema começou tocando em bandas, fazendo turnês e lançando discos” conta Crowe sobre sua trajetória, no portal oficial da banda. “O trabalho com bandas me levou ao teatro musical (Grease, Rocky Horror Show, Blood Brothers) e, milagrosamente, um diretor de cinema me viu atuando em Blood Brothers e me convidou para uma audição”.
Muitos prêmios internacionais depois — incluindo BAFTA, SAG, Oscar e Globo de Ouro — Crowe ainda mantém seu amor pela performance ao vivo. A banda realizou shows pela Europa e Estados Unidos em 2024, e planeja uma apresentação em Sydney, na Austrália, em dezembro de 2025.
Segundo o artista, a vida nos palcos é muito mais livre do que nos sets de filmagem. “A cada dia [no set] você tem que se submeter ao cronograma, às necessidades do personagem, ao que o produtor quer, ao que o diretor quer, ao que o diretor de fotografia exige, ao que o resto do elenco possa precisar”, exemplifica.
“Quando subo a um palco de rock and roll, é anarquia. Não sei o que vai acontecer”, diz Crowe. “É esse tipo de fator desconhecido, a resposta do público, e o que você cria em conjunto com a banda é um pouco diferente a cada vez.”
O que sabemos sobre Nuremberg
O longa é um drama histórico dirigido por James Vanderbilt (roteirista de Zodíaco, O Espetacular Homem-Aranha e Pânico) e acompanha a história do capitão e psiquiatra Douglas M. Kelley (Rami Malek). Durante a Segunda Guerra Mundial, Kelley avalia líderes nazistas para os julgamentos, e fica obcecado em compreender o mal, formando um laço perturbador com Hermann Göring (Russel Crowe).
“O charme é uma das armas mais eficazes do mal”, diz Crowe sobre seu personagem. “Você está lidando com alguém que, como um homem corajoso e inteligente, estava de olho nas oportunidades que se apresentavam a ele. Göring acreditava que podia controlar a narrativa independentemente do que estivesse acontecendo. Como sabemos, isso não se provou correto”, complementa.
Rami, que interpreta o protagonista, afirma que o filme é como uma batalha de inteligência. “E quando você trava uma batalha de qualquer tipo, você usa todo o seu potencial. E foi isso que eu senti dia após dia com Russell”, elogiou. “Russell pode ser muito charmoso e muito cativante, e o mesmo se aplica ao personagem.”
Nuremberg também conta com a participação de atores como Leo Woodall, John Slattery, Colin Hanks e Mark O’Brien. Após sua estreia no Festival Internacional de Cinema de Toronto, o longa chega aos cinemas estadunidenses em 7 de novembro, mas será lançado no Brasil apenas no primeiro trimestre de 2026.
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Hideo Kojima desmente rumores sobre adaptação de ‘The Matrix’ em videogame
Hideo Kojima, criador dos icônicos Metal Gear Solid e Death Stranding, desmentiu recentemente qualquer envolvimento em uma adaptação oficial de Matrix (1999) para videogame. Ele declarou que “ninguém jamais me disse que tal conversa havia ocorrido”.
Relatos anteriores indicavam que as criadoras da franquia, Lana e Lilly Wachowski, teriam se reunido com Kojima e executivos da Konami Digital Entertainment para discutir uma adaptação em meados dos anos 90.
Segundo Christopher Bergstresser, ex-vice-presidente de licenciamento da Konami, as Wachowskis levaram um artista conceitual à reunião e disseram a Kojima: “Nós realmente queremos que você faça o jogo de The Matrix. Você pode fazer isso?”.
O então CEO da Konami, Kazumi Kitaue, teria simplesmente respondido com um “não”. “Aki traduziu para o senhor Kitaue, que olhou para eles e disse, ‘não’.”
O projeto nunca avançou. Nesta semana, a história ganhou novos capítulos quando Kojima afirmou não ter recebido nenhum contato formal ou contrato, encerrando oficialmente um dos rumores mais persistentes da indústria gamer.
I was surprised to see on social media that the Wachowski sisters had “offered me a Matrix game project!” back in 1999. In all these 26 years, no one ever told me such a conversation had taken place. At the time, we were mutual fans and exchanged emails. The Matrix hadn’t been… pic.twitter.com/4P10P9eEfT
— HIDEO_KOJIMA (@HIDEO_KOJIMA_EN) October 29, 2025
Uma história de encontros e renúncias
O encontro teria ocorrido em 1999 no Japão, quando The Matrix estreava nos cinemas e Kojima já estava focado no desenvolvimento de Metal Gear Solid 2. Esta sobreposição de prioridades teria sido um dos principais fatores para o afastamento da proposta.
Kojima comentou em entrevistas que “eu vi The Matrix quatro vezes. Gosto deste tipo de obra. O que planejava fazer no meu próximo projeto, eles praticamente já fizeram para o filme”.
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‘Springsteen: Salve-me do Desconhecido’ divide a comunidade de críticos de cinema
Springsteen: Salve-me do Desconhecido (2025) estreou nos cinemas dos Estados Unidos no fim de semana seguindo uma campanha publicitária mundial, checagens minuciosas de fatos pela mídia, o lançamento oficial das lendárias sessões de Electric Nebraska, e um processo de filmagem que se desenrolou quase diariamente nas redes sociais graças à presença regular de Springsteen no set.
“Jeremy Allen White foi muito, muito tolerante comigo nos dias em que eu aparecia no set”, disse Springsteen a Rolling Stone no início de 2025. “Eu disse a ele: ‘Olha, qualquer hora que eu estiver atrapalhando, só me dar um olhar e eu vou para casa’.”
Ainda há um longo caminho pela frente, mas o filme teve uma estreia decepcionante nas bilheterias ao arrecadar apenas US$ 16,1 milhões ao redor do mundo. E com um orçamento de US$ 55 milhões, pode ser uma batalha difícil para o filme conseguir lucro. É bem possível que o boca a boca positivo o mantenha nos cinemas até o fim da temporada de férias, e tanto White quanto Jeremy Strong, no papel do empresário Jon Landau, podem receber indicações a grandes prêmios. Se isso acontecer, o filme certamente terá uma segunda chance nas bilheterias.
Salve-me do Desconhecido, dirigido por Scott Cooper, tem 60% de aprovação no Tomatometer do Rotten Tomatoes, o que significa que o consenso crítico ficou dividido. A maioria dos críticos se impressionou com as performances de ambos os Jeremys, mas alguns ficaram decepcionados com a decisão de colocar o filme inteiro em uma janela estreita de tempo entre 1981 e 1982, os flashbacks da infância de Springsteen, e a ênfase no estado mental e vida privada do cantor em vez de sua música. Aqui está um resumo do que alguns dos principais críticos pensaram.
David Fear, da Rolling Stone: “Há também, é claro, a pergunta de 100 milhões de dólares: o que os fãs de Springsteen vão achar disso? Alguns vão achar sombrio demais. Não os culpamos. Outros vão desejar que tivesse mais sequências como aquela no Power Station, onde Bruce e a banda quebram tudo em “Born in the U.S.A.” e atendem à demanda brega de Landau para “queimar tudo”. Também não os culpamos, embora apesar das falhas do filme, o que Cooper deu ao público aqui é muito mais envolvente do que uma simples compilação live-action dos maiores sucessos.”
Manohla Dargis, do The New York Times: “White, mais conhecido pela série da FX The Bear, não se parece com Springsteen e, inteligentemente, ele e Cooper não tentam forjar uma semelhança. Muito parecido com o homem que interpreta, porém, White tem um tremendo carisma e o tipo de rosto infinitamente interessante cuja beleza rústica e assimetria te atraem para ele. Seu Bruce passa bastante tempo sozinho, e não fala a linguagem dos terapeuticamente instruídos. Isso significa que White precisa expressar o aparentemente inexprimível, mesmo enquanto o personagem está encontrando as músicas que vão expressar o que ele não consegue, o que o ator faz com delicadeza. Em um filme cheio de música que diz tanto para tantos, alguns dos momentos mais memoráveis são os mais silenciosos, os silêncios solitários que por vezes separam Bruce do mundo, mas que também eventualmente o ajudam a retornar a ele.”
Bilge Ebiri, do Vulture: “Todo mundo que faz uma cinebiografia musical hoje em dia (ou qualquer tipo de cinebiografia) parece determinado a tentar fazê-la da forma mais não-cinebiográfica possível — o que por sua vez faz com que os filmes pareçam ainda mais cinebiografias. Lutando contra os supostos clichês do gênero, Salve-me do Desconhecido se limita a um breve período e foca majoritariamente na criação de um álbum bastante peculiar. Mas ainda assim não consegue evitar mergulhar nos flashbacks da infância, no relacionamento romântico fracassado — todo o menu de convenções. No seu melhor, o filme nos dá um olhar sincero sobre o processo criativo e o revela como algo triste, assustador, às vezes incontrolável e destrutivo. Só por isso, já vale a pena assistir.”
Peter Debruge, da Variety: “Conforme Nebraska toma forma, percebemos que não era música pop que Springsteen estava fazendo, mas algo profundamente cínico sobre o país que Ronald Reagan e a mídia hegemônica acreditavam que ele estava defendendo. Em vez disso, ele entregou uma balada pessimista sobre todas as formas como o sonho americano tinha fracassado. É assim que essa verdade nua e crua encontrou seu caminho até as pessoas. O resto — o que representou para cada alma que tocou — cabe a você descobrir.”
Richard Brody, do The New Yorker: “Quanto ao núcleo da história, a produção e lançamento de Nebraska, Springsteen é intrinsecamente absorvente em seus contornos e apressado e borrado em seus detalhes. Cada cena existe não para observar a ação atentamente ou revelar aspectos do personagem, mas para deixar cair pedaços de informação que somam a uma trama: Jon encontrando um executivo que espera que o próximo álbum de Bruce seja um grande sucesso; Bruce dedilhando ociosamente seu violão e batendo na capa de um livro de histórias de O’Connor. Cooper dá muito mais atenção à entrega do gravador de fita multipista por um associado chamado Mikey (Paul Walter Hauser) do que aos esforços de Bruce para gravar suas músicas com ele. Há muito pouco de Bruce cantando em casa — apenas o suficiente para fins de evidência, e não filmado com qualquer senso de fascinação ou admiração. Não há senso do que Bruce está realmente procurando enquanto está tocando, como ele trabalhou cada música, como adicionou a instrumentação adicional (toda a qual ele mesmo executou) em seu estúdio caseiro instantâneo. Ele pede a Mikey para ajudá-lo a gravar, mas o trabalho deles juntos nesse processo crucial é deixado de fora.”
Kyle Smith, do The Wall Street Journal: “Escrito e dirigido por Scott Cooper, o filme faz um desserviço à austeridade melancólica do disco com uma escrita truncada e floreios de direção cafonas, como fazer o Boss repetidamente se deparar consigo mesmo quando menino (Matthew Anthony Pellicano) recuando de um pai abusivo (Stephen Graham). A atuação de alma torturada do Sr. White está se tornando cansativa, e Jeremy Strong entrega uma interpretação igualmente exaustiva como o empresário de Springsteen, Jon Landau, que deveria ser um confidente, mas surge apenas como um puxa-saco. O filme se dissolve em uma poça de lágrimas no ato final.”
Chris Richards, do The Washington Post: “Com Salve- me do Desconhecido, o diretor e roteirista Scott Cooper escolheu prolongar um capítulo particularmente sombrio da vida criativa de Springsteen — muito dele baseado em um livro de mesmo título de Warren Zanes — resultando em um filme lento, melancólico, ocasionalmente pesado sobre o ato não-linear de fazer música. Sim, há algumas reconstituições de shows gritados e sessões de estúdio estressantes, mas as cenas mais significativas se desenrolam dentro da casa organizada à beira-mar onde Springsteen gravou Nebraska em um gravador de quatro pistas — se não dentro da solidão desconhecida da cabeça de um compositor. Springsteen foi aparentemente um visitante frequente no set de Salve-me do Desconhecido — sem dúvida animando os figurantes, e provavelmente estressando os atores. Ele estava lá para ser bajulado? É para isso que serve tudo isso? Na última década, Springsteen escreveu uma generosa autobiografia, depois a transpôs para uma residência na Broadway, depois a filmou para um especial da Netflix, e agora voltou à turnê, falando verdades frente ao poder entre as músicas. Ele deve se sentir conhecido, amado, compreendido. Por que se dar ao trabalho de canalizar tudo isso através da pompa e brega de Hollywood em um filme que é apenas meio bom? Nebraska foi um triunfo porque se recusou a cumprir as expectativas de qualquer um. Salve-me do Desconhecido valoriza essa decisão enquanto perde sua chance de fazer o mesmo.”
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Gilberto Gil: Jovem Dionísio, Ana Frango Elétrico e Flor Gil regravam o álbum ‘Raça Humana’
O álbum Raça Humana, de Gilberto Gil, lançado originalmente em 1984, ganha uma nova roupagem em um grande encontro de gerações da música brasileira. O disco-tributo, que celebra os mais de 40 anos da obra, chega às plataformas digitais nesta quarta-feira,29, e reúne um time de peso, incluindo Jovem Dionísio, Ana Frango Elétrico, Chico César e a neta do próprio Gil, Flor Gil.
A iniciativa é da produtora Xirê, a mesma por trás do aclamado projeto Refavela 40. A escolha por Raça Humana destaca um momento de ruptura na carreira de Gil, quando o artista abraçou guitarras, sintetizadores e dialogou diretamente com o pop, o rock e a new wave dos anos 80.
“É gratificante escutar nomes talentosos ampliando a vida e o alcance das faixas integrantes deste disco”, celebrou Gilberto Gil sobre a homenagem.
O novo álbum propõe releituras que conectam o passado ao presente. O hit “Vamos Fugir” ganhou uma versão especial com a banda curitibana Jovem Dionísio. A faixa-título, “Raça Humana”, é reinterpretada em um encontro emocionante entre Chico César e Flor Gil, simbolizando a continuidade do legado familiar. Outros destaques incluem “Tempo Rei”, na voz de Mãeana, e “Extra II (Rock do Segurança)”, revisitada por Ana Frango Elétrico. O Álbum conta ainda com as vozes de Mariana Volker, Sílvia Machete, Teago Oliveira, Jota.Pê, Os Garotin e Mestrinho
TRACKLIST
- Extra II (Rock do Segurança) – Ana Frango Elétrico
- Feliz por um Triz – Mariana Volker
- Pessoa Nefasta – Sílvia Machete feat. Teago Oliveira
- Tempo Rei – Mãeana
- Vamos Fugir – Jovem Dionísio
- A Mão da Limpeza – Jota.Pê
- Indigo Blue – Os Garotin
- Vem Morena – Mestrinho
- A Raça Humana – Chico César e Flor Gil
FICHA TÉCNICA
Masterização – Arthur Luna
Produção de finalização – Pedro Malcher
1. Extra II (Rock do Segurança)
Intérprete / Produção musical – Ana Frango Elétrico
Voz, Teclado e Violão – Ana Frango Elétrico
Baixo – Pedro Dantas
Bateria e Percussão – Biel Basile
Backing Vocal – Maria Cau Levy
Engenharia de Som – Gui Jesus
2. Feliz Por Um Triz
Intérprete – Mariana Volker
Produção Musical, Baixo e Backing Vocal – Carol Mathias
Violão – Gabriel Quinto
Percussão – Lucas Videla
Bateria – Manuela Terra
3. Pessoa Nefasta
Intérpretes – Sílvia Machete, Teago Oliveira
Bateria – Thiago Silva
Baixo e Percussão – Dudinha
Violão e Guitarras – Gustavo Ruiz
Teclados – Danilo Andrade
Trompete – Sidmar Vieira
Trombone – Doug Bone
Vocal Samples – Gilberto Gil
Arranjos (base, vocal e metais) – Dudinha
Gravação – Dudinha, Teago Oliveira, Gustavo Ruiz e Danilo Andrade
Mixagem – Dudinha
Masterização – Brendan Duffey
4. Tempo Rei
Intérprete: Ana Lomelino (Mãeana)
Guitarra e Baixo – Bem Gil
Percussão e Teclado – Sebastian Notini
Sanfona – Mestrinho
Produção – Bem Gil e Sebastian Notini
Co-produção – Mãeana
Gravação e Mixagem – Sebastian Notini
Gravação adicional – Gustavo Mendes
Masterização – Arthur Luna
5. Vamos Fugir
Intérpretes – Bernardo Crisostomo Pasquali, Bernardo Derviche Hey, Gabriel Dunajski Mendes, Gustavo Pimentel Karam, Rafael Dunajski Mendes (Jovem Dionísio)
Guitarra – Bernardo Crisostomo Pasquali
Teclado – Bernardo Derviche Hey
Bateria – Gabriel Dunajski Mendes
Baixo – Gustavo Pimentel Karam
Guitarra – Rafael Dunajski Mendes
Guitarra, Baixo e Sintetizador – Rodrigo Lemos da Silva
Produção Musical – Rodrigo Lemos, Lucas Suckow e Jovem Dionísio
Mixagem – Dani Mariano
6. A Mão da Limpeza
Intérprete – Jota.Pê
Voz e Violão – Jota.Pê
Produção Musical, Bateria e Percussão – Kabé Pinheiro
Guitarra – Webster Santos
Piano – Tércio Guimarães
Baixo Acústico – Sidel Vieira
Mixagem – Bruno Giorgi
Gravação – Estúdio Space Blues (por Alexandre Fontanetti e Pedro Luz)
Participantes – João Paulo Gomes da Silva (Jota.Pê), Reverton Pinheiro Soares (Kabé Pinheiro), Webster Santos dos Santos, Tércio Guimarães e Sidel Vieira
7. Indigo Blue
Performers – Os Garotin
Arrangement and Drums – Pepê Santos
Guitars, Programming, Keyboards, Synth Bass, Arrangement – Julio Raposo
Mix – Bernardo Martins
8. Vem Morena
Intérprete – Mestrinho
Sanfona e Voz – Mestrinho
Bateria – Jônatas Sansão
Zabumba – Feh Silva
Triângulo – Elton Moraes
Baixo – Michael Pipoquinha
Guitarra – Felipe Guedes
Teclados – Thiago Almeida
Gravação – Estúdio 4Arte
Mixagem e Masterização – Luiz Paulo Serafim
9. Raça Humana
Intérpretes – Chico César e Flor Gil
Violão, Baixo e Backing Vocal – Rafael Casqueira
Teclados e Synths – Pedro Malcher
Bateria e Percussão – Marcelo Costa
Arranjos – Pedro Malcher e Rafael Casqueira
Trompete – Junior Abreu
Flauta, Flautim e Flauta em G – Rodrigo Revelles
Produção Musical – Pedro Malcher e Rafael Casqueira
Mixagem e Masterização – Arthur Luna
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Lily Allen diz que novo álbum não é cruel ou para se vingar; entenda
Lançado na última sexta-feira, 24, o quinto álbum de estúdio de Lily Allen deu o que falar. Após sete anos sem novidades na música, West End Girl é um deboche explícito sobre o fim do relacionamento com David Harbour, ator de Stranger Things com quem Allen se casou em 2020 — escrito e gravado em apenas 10 dias após a separação, em dezembro de 2024.
Rumores da separação surgiram no início de 2025, e, mais tarde, Allen revelou que se internou em um centro de tratamento para lidar com a “turbulência emocional” do término.
Apesar de se mostrar mais vulnerável do que nunca, a cantora construiu 14 faixas que canalizam o sofrimento frente à infidelidade, ao divórcio e à solidão com muito humor e sarcasmo. A artista comentou, em entrevista recente à revista Interview, que West End Girl “não é um álbum cruel” e não tem o objetivo de vingança. “Não sinto que estou sendo má. Eram apenas os sentimentos que eu estava processando na época”, defende.
O disco revela como Lily enfrenta, acima de uma crise em seu relacionamento amoroso, uma crise existencial. Aos 40 anos (e quase 20 anos de carreira), ela adentra em temas como o amadurecimento da vida adulta e a frustração de expectativas nesse processo. É quase como uma conversa íntima com o ouvinte: as letras são afiadas, mas a melancolia de Allen é o plano de fundo para todas as canções.
Segundo Allen, o álbum é uma mistura de fato e ficção: a música “Madalaine”, por exemplo, discorre sobre a traição de Harbour; Madeleine, entretanto, não é o nome de uma mulher real que se envolveu com o ator, mas uma personagem fictícia que simboliza a “construção de outras”, como disse em entrevista ao The Sunday Times. “É sobre as complexidades dos relacionamentos e como todos nós os enfrentamos. É uma história”, afirmou.
Uma preocupação da artista no processo de desenvolvimento das músicas foi não se colocar na posição de vítima, mas tomar as rédeas da narrativa de sua vida. “Eu sempre dizia: ‘Temos que mudar essa fala. Ela soa muito ‘coitada de mim’.” Eu queria que soasse brutal e trágico, mas também empoderador, que houvesse alegria em poder expressar isso.”
À Interview, Allen disse que está em um estado de espírito mais positivo do que quando criou o disco, e fez as pazes quanto às circunstâncias que a inspiraram.
“Todos nós passamos por términos e é sempre brutal pra caramba. Mas não acho que seja tão comum você se sentir inclinado a escrever sobre isso enquanto está passando por isso”, relata.“É isso que é divertido neste disco; é visceralmente como passar por tudo. Na época, eu estava realmente tentando processar as coisas e isso é ótimo em termos do álbum, mas não me sinto confusa ou com raiva agora”, complementa.
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Katseye se veste como as diferentes eras de Mariah Carey no Halloween — e ela aprova!
Durante o MTV Video Music Awards em setembro, o grupo Katseye pareceu confuso ao ser perguntado sobre seu clipe favorito de Mariah Carey. Agora, o grupo feminino está usando o momento viral do tapete vermelho como inspiração para suas fantasias de Halloween.
Na última terça, 28, Katseye compartilhou um vídeo em que cada integrante se veste com looks icônicos de diferentes eras dos videoclipes de Carey. “Tudo o que eu quero no Halloween é… Gabriela. @billboard, isso responde à sua pergunta sobre nosso videoclipe favorito da @mariahcarey?”, escreveu o grupo no Instagram.
O vídeo começa com Bowen Yang interpretando um apresentador de tapete vermelho que pergunta a cada uma das garotas qual é seu clipe favorito da cantora. Primeiro aparece Daniela, de patins, incorporando o visual de “Fantasy”. Em seguida vem Lara, cantando “Obsessed” e reproduzindo perfeitamente o figurino da vencedora do Grammy. Depois, Sophia surge de branco, evocando a era “Honey”. Logo após, Manon aparece com um vestido de noiva inspirado em “We Belong Together”.
Por fim, Yoonchae chega com um look natalino inspirado em “All I Want for Christmas Is You”, enquanto neve falsa começa a cair. Megan encerra a sequência vestida com um figurino que remete a “Heartbreaker”, enquanto Yang faz referência à personagem “Bianca” do clipe — lembrando a “Gabriela” sobre quem Katseye canta em sua faixa homônima.
Após apresentarem cada era, as garotas iniciam uma performance de “Gabriela”, agora usando figurinos inspirados na fase Rainbow.
“Isso está fofo demais!”, diz Carey em uma participação no final do vídeo. “Isso é Katseye!”
Uma voz fora de cena pergunta: “Você as conhece?” (Sim, é uma referência ao famoso momento de J.Lo.)
“Claro, minha filha ama elas. Alô?”, responde Carey.
No Instagram, o grupo também compartilhou mais clipes com os figurinos — incluindo um com o visual Rainbow, usando o áudio em que alguém pergunta: “Qual é a sua mensagem para os gays?”, antes de todas exclamarem: “Nós amamos os gays!”
O novo vídeo de Halloween chega poucos meses depois do lançamento do segundo EP do grupo, Beautiful Chaos, que inclui as faixas “Gabriela”, “Gnarly” e “Mean Girls”. Elas também lançaram um remix de “Gabriela”, com participação de Young Miko.
“É a gente entrando em nossa maturidade”, disse Lara anteriormente à Rolling Stone sobre o EP. “Sinto que, nesta era, temos sido muito mais autênticas. Não preciso mais colocar uma fachada de nenhum tipo ao falar com as pessoas. Acho isso algo lindo — e você pode ver isso ainda mais no álbum. Dá pra ver mais do nosso fogo.”
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