Diane Keaton: 10 filmes essenciais
A esposa original da máfia, a excêntrica pioneira da comédia romântica, a autora feminista do início do século XX, a mulher moderna do final do século XX navegando tanto pela turbulenta “década do eu” quanto pelos anos 1980 do “você pode ter tudo” — esses papéis poderiam ter sido memoráveis nas mãos de inúmeros atores. Diane Keaton os tornou icônicos.
Desde seu papel de destaque em O Poderoso Chefão até sua inesquecível interpretação de uma dramaturga que navega por traiçoeiras águas românticas em Alguém Tem Que Ceder, Keaton — que faleceu ontem aos 79 anos — nunca deixou de adicionar profundidade, humanidade, força e um senso de vulnerabilidade a cada personagem que interpretou. Aqui estão 10 de nossas performances favoritas da grande e saudosa atriz.
O Poderoso Chefão (1972)
Quando a maioria das pessoas menciona este marco imponente dos anos 1970 — a fusão perfeita entre a amplitude da velha Hollywood e a garra da nova Hollywood — elas falam de Brando, Pacino, Coppola, as citações intermináveis que permanecem parte do léxico pop (“Eu vou fazer uma oferta que ele não pode recusar”). Diane Keaton geralmente não é a primeira pessoa a ser mencionada, mas não se engane: ela é uma parte absolutamente essencial desta obra-prima americana.
Sua personagem, Kay Corleone, não é apenas a substituta do público, observando a cultura e os costumes deste clã ítalo-americano da perspectiva de uma estranha e, assim, nos permitindo entrar também nesse mundo. Ela é o centro moral do filme, aquela que confronta Michael Corleone por barganhar sua alma e fazer tudo ser sobre negócios em vez de ser pessoal. Até mesmo a insistência de Kay de que “senadores e presidentes não mandam matar pessoas” (quem está sendo ingênua agora, Kay?) sugere uma visão otimista do mundo que neutraliza a realidade violenta da mentalidade da máfia de seu namorado. Sua leitura daquela frase diz tudo. E quando aquela porta é fechada para Kay na cena final do filme, Keaton garante que você veja a perda no rosto de Kay.
Ela reprisaria a personagem com grande efeito em O Poderoso Chefão: Parte II — sua cena “isso tudo tem que acabar” permanece absolutamente devastadora — e retornaria para a Parte III décadas depois. Mas seu papel de estreia no cinema estabeleceu Keaton como alguém que seguiríamos para qualquer lugar. Vê-la era uma oferta que nunca poderíamos recusar.
Noivo Neurótico, Noiva Nervosa (1977)
Keaton foi escalada ao lado de Woody Allen na produção teatral original de 1969 de Play It Again, Sam (Sonhos de um Sedutor), que marcaria o início de um longo relacionamento romântico e de uma colaboração profissional ainda mais longa e indelével. Seu trabalho contracenando com o ator-diretor na versão cinematográfica de 1972 dessa comédia que idolatra Humphrey Bogart, bem como em O Dorminhoco (Sleeper, 1973) e Guerra e Paz (Love and Death, 1975), ajudou a estabelecê-la como uma comediante de primeira linha e a parceira perfeita para o desajeitado e eterno nebbish (indivíduo patético e inseguro) de Allen.
No entanto, foi o tributo de Allen a Keaton em 1977 que a transformou em uma estrela de cinema de boa-fé. A partir do momento em que ela profere a frase característica de Annie, “La di da” — um termo que Keaton pegou de seu próprio repertório de frases da vida real —, ficamos tão encantados por esta nova-iorquina maluca, adorável e neurótica quanto Alvy Singer.
As roupas por si só foram suficientes para tornar a personagem-título um ícone e impulsionar uma tendência de moda de ternos folgados e chapéus flexíveis. No entanto, é a maneira como Keaton transforma uma intelectual boba (ou talvez seja uma intelectual desajeitada?) em uma mulher moderna tridimensional e totalmente desenvolvida. O papel lhe rendeu um Oscar, e Keaton continuaria a trabalhar esporadicamente com Allen nas décadas seguintes. Mas este permanece como o auge tanto de seu trabalho conjunto quanto da era de “It Girl” de Keaton nos anos 70. La di da, de fato.
À Procura de Mr. Goodbar (1977)
“Prefiro ser seduzida a confortada”, diz Theresa Dunn, a professora interpretada por Diane Keaton, a alguém no início da adaptação de Richard Brooks para o best-seller de Judith Rossner — e sua personagem passará o resto do filme procurando o Sr. Certo (ou o Sr. Serve-Para-Esta-Noite) em busca tanto de sedução quanto de conforto.
Visto hoje, esta abordagem à então crescente tendência dos bares de solteiros parece datada em todos os sentidos, exceto pela performance extraordinária de Keaton. Ela consegue fazer com que Dunn pareça tanto um símbolo representativo de toda mulher tentando navegar em águas sociais agitadas, quanto o tipo de mulher comum que você veria no metrô.
Sério, nomeie outro ator por volta de 1977 que poderia se manter firme contra um maníaco Richard Gere usando um suspensório atlético, agitando os braços enquanto segura o que parece ser uma faca cor fluorescente! Keaton faz você sentir a solidão e a esperança dessa mulher sem fazê-la parecer lamentável ou desesperada; o jogo de emoções que transcorre em seu rosto durante aquela sequência com Gere, ou quando ela percebe que o último encontro que leva para casa é menos estável do que imaginava, entrega tudo sem dizer uma palavra.
Reds (1981)
Vendido como um épico drama romântico histórico, este retrato do ativista comunista do início do século XX, John Reed, tinha a grandiosidade de …E o Vento Levou ou Doutor Jivago. Mas nem Vivien Leigh nem Julie Christie tiveram um papel tão substancial quanto o que foi dado a Diane Keaton pelo diretor Warren Beatty — o da autora feminista Louise Bryant, que se apaixona por Reed, mas nunca perde sua ardente independência no processo.
Após uma década ganhando aclamação nos filmes de O Poderoso Chefão e como musa frequente de Woody Allen, Keaton encontrou uma nova marcha aqui, exibindo um intelecto cortante que estava muito distante das personagens mais suaves e doces de sua carreira anterior. No entanto, a desafiança de Bryant é muito bem complementada pelas vulnerabilidades da personagem, dando a Keaton a chance de fazer uma história de amor em uma tela grandiosa que, no entanto, parece íntima da maneira que suas melhores performances sempre foram.
E quem pode esquecer os trechos finais de Reds, nos quais Bryant vai àquela estação de trem lotada na esperança de que seu verdadeiro amor, Reed, apareça — sua antecipação se transformando em pânico, depois em desespero, e finalmente em gratidão lacrimosa.
A Chama Que Não Se Apaga (1982)
Para muitos, Keaton epitomou a mulher independente da década de 1970. No contundente drama doméstico de Alan Parker, ela daria um rosto ao crescente número de divorciadas no início dos anos 1980.
Como uma das metades do casal que se desintegra diante de seus olhos, Faith Dunlap (Keaton) é forçada a lidar com seu marido infiel, George (interpretado por Albert Finney), e tenta encontrar o amor em meio às ruínas de sua situação com um empreiteiro (Peter Weller) que está construindo sua quadra de tênis. Você não chamaria a separação deles de amigável. Todos se lembram da pura crueldade das brigas neste filme — acredite, elas são brutais — e o quociente de amargura é altíssimo.
Mas são os momentos silenciosos de Keaton no filme que nos atingem quando o revemos agora, desde o olhar de choque em seu rosto enquanto os Dunlaps voltam para casa após um evento formal, até Faith fumando um cigarro de maconha na banheira e cantando suavemente “If I Fell” dos Beatles. É de alguma forma o momento mais bonito e devastador em um filme repleto de som e fúria, e é tudo obra de Keaton.
Crimes do Coração (1986)
É a santíssima trindade de atrizes de peso dos anos 1980 (se Meryl Streep estivesse envolvida, seria como Os Vingadores para as mulheres fortes daquela época, cujos nomes ficavam acima do título nos cinemas). E você não poderia pedir um trio melhor do que Sissy Spacek, Jessica Lange e Diane Keaton para abordar a peça vencedora do Pulitzer de Beth Henley sobre três irmãs sulistas lidando com as consequências de um crime — especificamente, um que envolve não apenas o coração, mas o corpo de um dos maridos.
Retornando à casa da família no Mississippi, as irmãs Magrath têm cada uma sua maneira de lidar com a situação; para Lenny Magrath de Keaton, que é mais reservada, isso significa se preocupar que a família seja dilacerada pelo escândalo e lamentar uma juventude que a deixou para trás. É definitivamente um trabalho de conjunto, e a alegria do filme é ver essas três estrelas interagindo entre si. Mas isso não significa que Keaton não tenha seus momentos de destaque, ou que não consiga transformar uma cena simples envolvendo o ato de comer seus chocolates em uma ária de raiva e ressentimento acumulado.
Presente de Grego (1987)
A década de 1980 teve sua parcela de comédias sobre mulheres no ambiente de trabalho corporativo, de Como Eliminar Seu Chefe (9 to 5) a Uma Secretária de Futuro (Working Girl). No meio desses clássicos está Presente de Grego (Baby Boom), a primeira colaboração entre Keaton e Nancy Meyers.
Ela estrela como J.C. Wiatt, uma yuppie obcecada pela carreira que herda o bebê de uma prima que não via desde 1954. Ela acaba abandonando Nova York — e seu namorado banqueiro, interpretado por Harold Ramis — e se muda para a zona rural de Vermont, onde assume totalmente o papel de mãe e inventa comida natural para bebês.
Tinha se passado apenas uma década desde Noivo Neurótico, Noiva Nervosa, mas Keaton passou os anos recentes estrelando dramas; é quase como se ela estivesse armazenando toda essa energia cômica e ansiosa, esperando para liberá-la. Nem um único segundo deste filme de 110 minutos é desperdiçado, enquanto ela tem um colapso histérico após o outro, como quando seu poço literalmente seca e ela desabafa com o técnico de reparos — de forma tão profunda que cai de costas na neve.
Revisitando o filme anos depois, ela ficou surpresa com sua própria atuação. “Eu assisti”, ela disse, “e pensei, ‘Meu Deus, eu não sei como eu fiz isso’”.
O Pai da Noiva (1991)
Logo após O Poderoso Chefão Parte III, Keaton interpretou uma esposa muito diferente — o tipo calma, cool e controlada, que tira o marido teimoso (Steve Martin) da cadeia depois que ele se recusa a comprar um pacote de doze pães de cachorro-quente em vez dos oito que ele queria.
Neste remake da comédia de 1950 O Pai da Noiva, Nina Banks era o contraponto cômico ao seu marido tenso e neurótico, que simplesmente não conseguia aceitar o fato de que a filha, Annie (Kimberly Williams), estava se casando. Nina genuinamente gosta de seu charmoso futuro genro (George Newbern) e do planejador de casamentos caprichosamente estranho, Franck Eggelhoffer (Martin Short). Mas em vez de apenas interpretar uma dona de casa complacente que balança a cabeça para as palhaçadas ridículas do marido — aquele casamento custou US$ 250 por cabeça! —, Keaton trouxe profundidade a Nina, tornando-a pé-no-chão, lógica e incrivelmente engraçada.
Ela ganhou ainda mais material para trabalhar na sequência de 1995, quando Nina engravida junto com a filha, e George vende a casa sem lhe contar. Keaton brilha com cada fala naquele filme também, como quando Annie lhe pergunta se ela tirou uma foto da árvore favorita deles antes de se mudarem. “Apenas um rolo inteiro, querida”, ela responde em lágrimas.
O Clube das Desquitadas (1996)
Como Annie MacDuggan-Paradis, uma dona de casa ansiosa preterida pelo marido em favor da terapeuta do casal, Keaton ofereceu empatia àquelas que lutam para encontrar autonomia no final de um casamento.
Sua química com as co-estrelas de O Clube das Desquitadas, Bette Midler e Goldie Hawn — que supostamente sugeriu Sally Field para o papel de Annie — era inegável e cativantemente convincente. Juntas, era impossível não torcer por elas, e a merecida vingança de Annie, quando ela finalmente se impôs e assumiu a agência de publicidade do marido, gerou aplausos.
O filme não estaria completo sem o trio performando sua própria versão do sucesso de Lesley Gore, “You Don’t Own Me” — um hino para qualquer pessoa tentando se reerguer. Keaton frequentemente refletia sobre o quanto foi divertido filmar este longa, e é um sentimento que o espectador consegue captar. Ela era alguém que realmente apreciava seu trabalho.
Alguém Tem que Ceder (2003)
Keaton colaborou com Nancy Meyers quatro vezes ao longo de sua carreira, mas nenhum filme foi tão satisfatório quanto Alguém Tem Que Ceder. Era uma comédia romântica clássica, mas com uma reviravolta: Meyers rejeitou a ideia de que esses tipos de filmes tivessem que ser estrelados por atores jovens, permitindo que Keaton e Jack Nicholson tivessem a oportunidade de provar que o amor chega em todas as idades.
Ela trouxe uma doçura a Erica, uma dramaturga de sucesso que não sucumbiu à amargura do divórcio. Era fácil ver por que o jovem Julian (Keanu Reeves) estava tão apaixonado por ela — o público também estava.
Ela venceu o Globo de Ouro e conquistou várias indicações adicionais, incluindo a de Melhor Atriz no Oscar. O filme apresenta a memorável cena em que Keaton se despe para uma sequência cômica com Nicholson, e ela disse mais tarde à Interview: “Não era a minha ideia de um bom momento, mas era um filme tão maravilhoso. E, claro, eu fiz a coisa que pensei que nunca faria. Então, o que isso diz sobre mim?”.
Este artigo foi originalmente publicado pela Rolling Stone EUA, no dia 12 de outubro, e pode ser conferido aqui.
O post Diane Keaton: 10 filmes essenciais apareceu primeiro em Rolling Stone Brasil.
Diane Keaton: 10 filmes essenciais
A esposa original da máfia, a excêntrica pioneira da comédia romântica, a autora feminista do início do século XX, a mulher moderna do final do século XX navegando tanto pela turbulenta “década do eu” quanto pelos anos 1980 do “você pode ter tudo” — esses papéis poderiam ter sido memoráveis nas mãos de inúmeros atores. Diane Keaton os tornou icônicos.
Desde seu papel de destaque em O Poderoso Chefão até sua inesquecível interpretação de uma dramaturga que navega por traiçoeiras águas românticas em Alguém Tem Que Ceder, Keaton — que faleceu ontem aos 79 anos — nunca deixou de adicionar profundidade, humanidade, força e um senso de vulnerabilidade a cada personagem que interpretou. Aqui estão 10 de nossas performances favoritas da grande e saudosa atriz.
O Poderoso Chefão (1972)
Quando a maioria das pessoas menciona este marco imponente dos anos 1970 — a fusão perfeita entre a amplitude da velha Hollywood e a garra da nova Hollywood — elas falam de Brando, Pacino, Coppola, as citações intermináveis que permanecem parte do léxico pop (“Eu vou fazer uma oferta que ele não pode recusar”). Diane Keaton geralmente não é a primeira pessoa a ser mencionada, mas não se engane: ela é uma parte absolutamente essencial desta obra-prima americana.
Sua personagem, Kay Corleone, não é apenas a substituta do público, observando a cultura e os costumes deste clã ítalo-americano da perspectiva de uma estranha e, assim, nos permitindo entrar também nesse mundo. Ela é o centro moral do filme, aquela que confronta Michael Corleone por barganhar sua alma e fazer tudo ser sobre negócios em vez de ser pessoal. Até mesmo a insistência de Kay de que “senadores e presidentes não mandam matar pessoas” (quem está sendo ingênua agora, Kay?) sugere uma visão otimista do mundo que neutraliza a realidade violenta da mentalidade da máfia de seu namorado. Sua leitura daquela frase diz tudo. E quando aquela porta é fechada para Kay na cena final do filme, Keaton garante que você veja a perda no rosto de Kay.
Ela reprisaria a personagem com grande efeito em O Poderoso Chefão: Parte II — sua cena “isso tudo tem que acabar” permanece absolutamente devastadora — e retornaria para a Parte III décadas depois. Mas seu papel de estreia no cinema estabeleceu Keaton como alguém que seguiríamos para qualquer lugar. Vê-la era uma oferta que nunca poderíamos recusar.
Noivo Neurótico, Noiva Nervosa (1977)
Keaton foi escalada ao lado de Woody Allen na produção teatral original de 1969 de Play It Again, Sam (Sonhos de um Sedutor), que marcaria o início de um longo relacionamento romântico e de uma colaboração profissional ainda mais longa e indelével. Seu trabalho contracenando com o ator-diretor na versão cinematográfica de 1972 dessa comédia que idolatra Humphrey Bogart, bem como em O Dorminhoco (Sleeper, 1973) e Guerra e Paz (Love and Death, 1975), ajudou a estabelecê-la como uma comediante de primeira linha e a parceira perfeita para o desajeitado e eterno nebbish (indivíduo patético e inseguro) de Allen.
No entanto, foi o tributo de Allen a Keaton em 1977 que a transformou em uma estrela de cinema de boa-fé. A partir do momento em que ela profere a frase característica de Annie, “La di da” — um termo que Keaton pegou de seu próprio repertório de frases da vida real —, ficamos tão encantados por esta nova-iorquina maluca, adorável e neurótica quanto Alvy Singer.
As roupas por si só foram suficientes para tornar a personagem-título um ícone e impulsionar uma tendência de moda de ternos folgados e chapéus flexíveis. No entanto, é a maneira como Keaton transforma uma intelectual boba (ou talvez seja uma intelectual desajeitada?) em uma mulher moderna tridimensional e totalmente desenvolvida. O papel lhe rendeu um Oscar, e Keaton continuaria a trabalhar esporadicamente com Allen nas décadas seguintes. Mas este permanece como o auge tanto de seu trabalho conjunto quanto da era de “It Girl” de Keaton nos anos 70. La di da, de fato.
À Procura de Mr. Goodbar (1977)
“Prefiro ser seduzida a confortada”, diz Theresa Dunn, a professora interpretada por Diane Keaton, a alguém no início da adaptação de Richard Brooks para o best-seller de Judith Rossner — e sua personagem passará o resto do filme procurando o Sr. Certo (ou o Sr. Serve-Para-Esta-Noite) em busca tanto de sedução quanto de conforto.
Visto hoje, esta abordagem à então crescente tendência dos bares de solteiros parece datada em todos os sentidos, exceto pela performance extraordinária de Keaton. Ela consegue fazer com que Dunn pareça tanto um símbolo representativo de toda mulher tentando navegar em águas sociais agitadas, quanto o tipo de mulher comum que você veria no metrô.
Sério, nomeie outro ator por volta de 1977 que poderia se manter firme contra um maníaco Richard Gere usando um suspensório atlético, agitando os braços enquanto segura o que parece ser uma faca cor fluorescente! Keaton faz você sentir a solidão e a esperança dessa mulher sem fazê-la parecer lamentável ou desesperada; o jogo de emoções que transcorre em seu rosto durante aquela sequência com Gere, ou quando ela percebe que o último encontro que leva para casa é menos estável do que imaginava, entrega tudo sem dizer uma palavra.
Reds (1981)
Vendido como um épico drama romântico histórico, este retrato do ativista comunista do início do século XX, John Reed, tinha a grandiosidade de …E o Vento Levou ou Doutor Jivago. Mas nem Vivien Leigh nem Julie Christie tiveram um papel tão substancial quanto o que foi dado a Diane Keaton pelo diretor Warren Beatty — o da autora feminista Louise Bryant, que se apaixona por Reed, mas nunca perde sua ardente independência no processo.
Após uma década ganhando aclamação nos filmes de O Poderoso Chefão e como musa frequente de Woody Allen, Keaton encontrou uma nova marcha aqui, exibindo um intelecto cortante que estava muito distante das personagens mais suaves e doces de sua carreira anterior. No entanto, a desafiança de Bryant é muito bem complementada pelas vulnerabilidades da personagem, dando a Keaton a chance de fazer uma história de amor em uma tela grandiosa que, no entanto, parece íntima da maneira que suas melhores performances sempre foram.
E quem pode esquecer os trechos finais de Reds, nos quais Bryant vai àquela estação de trem lotada na esperança de que seu verdadeiro amor, Reed, apareça — sua antecipação se transformando em pânico, depois em desespero, e finalmente em gratidão lacrimosa.
A Chama Que Não Se Apaga (1982)
Para muitos, Keaton epitomou a mulher independente da década de 1970. No contundente drama doméstico de Alan Parker, ela daria um rosto ao crescente número de divorciadas no início dos anos 1980.
Como uma das metades do casal que se desintegra diante de seus olhos, Faith Dunlap (Keaton) é forçada a lidar com seu marido infiel, George (interpretado por Albert Finney), e tenta encontrar o amor em meio às ruínas de sua situação com um empreiteiro (Peter Weller) que está construindo sua quadra de tênis. Você não chamaria a separação deles de amigável. Todos se lembram da pura crueldade das brigas neste filme — acredite, elas são brutais — e o quociente de amargura é altíssimo.
Mas são os momentos silenciosos de Keaton no filme que nos atingem quando o revemos agora, desde o olhar de choque em seu rosto enquanto os Dunlaps voltam para casa após um evento formal, até Faith fumando um cigarro de maconha na banheira e cantando suavemente “If I Fell” dos Beatles. É de alguma forma o momento mais bonito e devastador em um filme repleto de som e fúria, e é tudo obra de Keaton.
Crimes do Coração (1986)
É a santíssima trindade de atrizes de peso dos anos 1980 (se Meryl Streep estivesse envolvida, seria como Os Vingadores para as mulheres fortes daquela época, cujos nomes ficavam acima do título nos cinemas). E você não poderia pedir um trio melhor do que Sissy Spacek, Jessica Lange e Diane Keaton para abordar a peça vencedora do Pulitzer de Beth Henley sobre três irmãs sulistas lidando com as consequências de um crime — especificamente, um que envolve não apenas o coração, mas o corpo de um dos maridos.
Retornando à casa da família no Mississippi, as irmãs Magrath têm cada uma sua maneira de lidar com a situação; para Lenny Magrath de Keaton, que é mais reservada, isso significa se preocupar que a família seja dilacerada pelo escândalo e lamentar uma juventude que a deixou para trás. É definitivamente um trabalho de conjunto, e a alegria do filme é ver essas três estrelas interagindo entre si. Mas isso não significa que Keaton não tenha seus momentos de destaque, ou que não consiga transformar uma cena simples envolvendo o ato de comer seus chocolates em uma ária de raiva e ressentimento acumulado.
Presente de Grego (1987)
A década de 1980 teve sua parcela de comédias sobre mulheres no ambiente de trabalho corporativo, de Como Eliminar Seu Chefe (9 to 5) a Uma Secretária de Futuro (Working Girl). No meio desses clássicos está Presente de Grego (Baby Boom), a primeira colaboração entre Keaton e Nancy Meyers.
Ela estrela como J.C. Wiatt, uma yuppie obcecada pela carreira que herda o bebê de uma prima que não via desde 1954. Ela acaba abandonando Nova York — e seu namorado banqueiro, interpretado por Harold Ramis — e se muda para a zona rural de Vermont, onde assume totalmente o papel de mãe e inventa comida natural para bebês.
Tinha se passado apenas uma década desde Noivo Neurótico, Noiva Nervosa, mas Keaton passou os anos recentes estrelando dramas; é quase como se ela estivesse armazenando toda essa energia cômica e ansiosa, esperando para liberá-la. Nem um único segundo deste filme de 110 minutos é desperdiçado, enquanto ela tem um colapso histérico após o outro, como quando seu poço literalmente seca e ela desabafa com o técnico de reparos — de forma tão profunda que cai de costas na neve.
Revisitando o filme anos depois, ela ficou surpresa com sua própria atuação. “Eu assisti”, ela disse, “e pensei, ‘Meu Deus, eu não sei como eu fiz isso’”.
O Pai da Noiva (1991)
Logo após O Poderoso Chefão Parte III, Keaton interpretou uma esposa muito diferente — o tipo calma, cool e controlada, que tira o marido teimoso (Steve Martin) da cadeia depois que ele se recusa a comprar um pacote de doze pães de cachorro-quente em vez dos oito que ele queria.
Neste remake da comédia de 1950 O Pai da Noiva, Nina Banks era o contraponto cômico ao seu marido tenso e neurótico, que simplesmente não conseguia aceitar o fato de que a filha, Annie (Kimberly Williams), estava se casando. Nina genuinamente gosta de seu charmoso futuro genro (George Newbern) e do planejador de casamentos caprichosamente estranho, Franck Eggelhoffer (Martin Short). Mas em vez de apenas interpretar uma dona de casa complacente que balança a cabeça para as palhaçadas ridículas do marido — aquele casamento custou US$ 250 por cabeça! —, Keaton trouxe profundidade a Nina, tornando-a pé-no-chão, lógica e incrivelmente engraçada.
Ela ganhou ainda mais material para trabalhar na sequência de 1995, quando Nina engravida junto com a filha, e George vende a casa sem lhe contar. Keaton brilha com cada fala naquele filme também, como quando Annie lhe pergunta se ela tirou uma foto da árvore favorita deles antes de se mudarem. “Apenas um rolo inteiro, querida”, ela responde em lágrimas.
O Clube das Desquitadas (1996)
Como Annie MacDuggan-Paradis, uma dona de casa ansiosa preterida pelo marido em favor da terapeuta do casal, Keaton ofereceu empatia àquelas que lutam para encontrar autonomia no final de um casamento.
Sua química com as co-estrelas de O Clube das Desquitadas, Bette Midler e Goldie Hawn — que supostamente sugeriu Sally Field para o papel de Annie — era inegável e cativantemente convincente. Juntas, era impossível não torcer por elas, e a merecida vingança de Annie, quando ela finalmente se impôs e assumiu a agência de publicidade do marido, gerou aplausos.
O filme não estaria completo sem o trio performando sua própria versão do sucesso de Lesley Gore, “You Don’t Own Me” — um hino para qualquer pessoa tentando se reerguer. Keaton frequentemente refletia sobre o quanto foi divertido filmar este longa, e é um sentimento que o espectador consegue captar. Ela era alguém que realmente apreciava seu trabalho.
Alguém Tem que Ceder (2003)
Keaton colaborou com Nancy Meyers quatro vezes ao longo de sua carreira, mas nenhum filme foi tão satisfatório quanto Alguém Tem Que Ceder. Era uma comédia romântica clássica, mas com uma reviravolta: Meyers rejeitou a ideia de que esses tipos de filmes tivessem que ser estrelados por atores jovens, permitindo que Keaton e Jack Nicholson tivessem a oportunidade de provar que o amor chega em todas as idades.
Ela trouxe uma doçura a Erica, uma dramaturga de sucesso que não sucumbiu à amargura do divórcio. Era fácil ver por que o jovem Julian (Keanu Reeves) estava tão apaixonado por ela — o público também estava.
Ela venceu o Globo de Ouro e conquistou várias indicações adicionais, incluindo a de Melhor Atriz no Oscar. O filme apresenta a memorável cena em que Keaton se despe para uma sequência cômica com Nicholson, e ela disse mais tarde à Interview: “Não era a minha ideia de um bom momento, mas era um filme tão maravilhoso. E, claro, eu fiz a coisa que pensei que nunca faria. Então, o que isso diz sobre mim?”.
Este artigo foi originalmente publicado pela Rolling Stone EUA, no dia 12 de outubro, e pode ser conferido aqui.
O post Diane Keaton: 10 filmes essenciais apareceu primeiro em Rolling Stone Brasil.
Diane Keaton: 10 filmes essenciais
A esposa original da máfia, a excêntrica pioneira da comédia romântica, a autora feminista do início do século XX, a mulher moderna do final do século XX navegando tanto pela turbulenta “década do eu” quanto pelos anos 1980 do “você pode ter tudo” — esses papéis poderiam ter sido memoráveis nas mãos de inúmeros atores. Diane Keaton os tornou icônicos.
Desde seu papel de destaque em O Poderoso Chefão até sua inesquecível interpretação de uma dramaturga que navega por traiçoeiras águas românticas em Alguém Tem Que Ceder, Keaton — que faleceu ontem aos 79 anos — nunca deixou de adicionar profundidade, humanidade, força e um senso de vulnerabilidade a cada personagem que interpretou. Aqui estão 10 de nossas performances favoritas da grande e saudosa atriz.
O Poderoso Chefão (1972)
Quando a maioria das pessoas menciona este marco imponente dos anos 1970 — a fusão perfeita entre a amplitude da velha Hollywood e a garra da nova Hollywood — elas falam de Brando, Pacino, Coppola, as citações intermináveis que permanecem parte do léxico pop (“Eu vou fazer uma oferta que ele não pode recusar”). Diane Keaton geralmente não é a primeira pessoa a ser mencionada, mas não se engane: ela é uma parte absolutamente essencial desta obra-prima americana.
Sua personagem, Kay Corleone, não é apenas a substituta do público, observando a cultura e os costumes deste clã ítalo-americano da perspectiva de uma estranha e, assim, nos permitindo entrar também nesse mundo. Ela é o centro moral do filme, aquela que confronta Michael Corleone por barganhar sua alma e fazer tudo ser sobre negócios em vez de ser pessoal. Até mesmo a insistência de Kay de que “senadores e presidentes não mandam matar pessoas” (quem está sendo ingênua agora, Kay?) sugere uma visão otimista do mundo que neutraliza a realidade violenta da mentalidade da máfia de seu namorado. Sua leitura daquela frase diz tudo. E quando aquela porta é fechada para Kay na cena final do filme, Keaton garante que você veja a perda no rosto de Kay.
Ela reprisaria a personagem com grande efeito em O Poderoso Chefão: Parte II — sua cena “isso tudo tem que acabar” permanece absolutamente devastadora — e retornaria para a Parte III décadas depois. Mas seu papel de estreia no cinema estabeleceu Keaton como alguém que seguiríamos para qualquer lugar. Vê-la era uma oferta que nunca poderíamos recusar.
Noivo Neurótico, Noiva Nervosa (1977)
Keaton foi escalada ao lado de Woody Allen na produção teatral original de 1969 de Play It Again, Sam (Sonhos de um Sedutor), que marcaria o início de um longo relacionamento romântico e de uma colaboração profissional ainda mais longa e indelével. Seu trabalho contracenando com o ator-diretor na versão cinematográfica de 1972 dessa comédia que idolatra Humphrey Bogart, bem como em O Dorminhoco (Sleeper, 1973) e Guerra e Paz (Love and Death, 1975), ajudou a estabelecê-la como uma comediante de primeira linha e a parceira perfeita para o desajeitado e eterno nebbish (indivíduo patético e inseguro) de Allen.
No entanto, foi o tributo de Allen a Keaton em 1977 que a transformou em uma estrela de cinema de boa-fé. A partir do momento em que ela profere a frase característica de Annie, “La di da” — um termo que Keaton pegou de seu próprio repertório de frases da vida real —, ficamos tão encantados por esta nova-iorquina maluca, adorável e neurótica quanto Alvy Singer.
As roupas por si só foram suficientes para tornar a personagem-título um ícone e impulsionar uma tendência de moda de ternos folgados e chapéus flexíveis. No entanto, é a maneira como Keaton transforma uma intelectual boba (ou talvez seja uma intelectual desajeitada?) em uma mulher moderna tridimensional e totalmente desenvolvida. O papel lhe rendeu um Oscar, e Keaton continuaria a trabalhar esporadicamente com Allen nas décadas seguintes. Mas este permanece como o auge tanto de seu trabalho conjunto quanto da era de “It Girl” de Keaton nos anos 70. La di da, de fato.
À Procura de Mr. Goodbar (1977)
“Prefiro ser seduzida a confortada”, diz Theresa Dunn, a professora interpretada por Diane Keaton, a alguém no início da adaptação de Richard Brooks para o best-seller de Judith Rossner — e sua personagem passará o resto do filme procurando o Sr. Certo (ou o Sr. Serve-Para-Esta-Noite) em busca tanto de sedução quanto de conforto.
Visto hoje, esta abordagem à então crescente tendência dos bares de solteiros parece datada em todos os sentidos, exceto pela performance extraordinária de Keaton. Ela consegue fazer com que Dunn pareça tanto um símbolo representativo de toda mulher tentando navegar em águas sociais agitadas, quanto o tipo de mulher comum que você veria no metrô.
Sério, nomeie outro ator por volta de 1977 que poderia se manter firme contra um maníaco Richard Gere usando um suspensório atlético, agitando os braços enquanto segura o que parece ser uma faca cor fluorescente! Keaton faz você sentir a solidão e a esperança dessa mulher sem fazê-la parecer lamentável ou desesperada; o jogo de emoções que transcorre em seu rosto durante aquela sequência com Gere, ou quando ela percebe que o último encontro que leva para casa é menos estável do que imaginava, entrega tudo sem dizer uma palavra.
Reds (1981)
Vendido como um épico drama romântico histórico, este retrato do ativista comunista do início do século XX, John Reed, tinha a grandiosidade de …E o Vento Levou ou Doutor Jivago. Mas nem Vivien Leigh nem Julie Christie tiveram um papel tão substancial quanto o que foi dado a Diane Keaton pelo diretor Warren Beatty — o da autora feminista Louise Bryant, que se apaixona por Reed, mas nunca perde sua ardente independência no processo.
Após uma década ganhando aclamação nos filmes de O Poderoso Chefão e como musa frequente de Woody Allen, Keaton encontrou uma nova marcha aqui, exibindo um intelecto cortante que estava muito distante das personagens mais suaves e doces de sua carreira anterior. No entanto, a desafiança de Bryant é muito bem complementada pelas vulnerabilidades da personagem, dando a Keaton a chance de fazer uma história de amor em uma tela grandiosa que, no entanto, parece íntima da maneira que suas melhores performances sempre foram.
E quem pode esquecer os trechos finais de Reds, nos quais Bryant vai àquela estação de trem lotada na esperança de que seu verdadeiro amor, Reed, apareça — sua antecipação se transformando em pânico, depois em desespero, e finalmente em gratidão lacrimosa.
A Chama Que Não Se Apaga (1982)
Para muitos, Keaton epitomou a mulher independente da década de 1970. No contundente drama doméstico de Alan Parker, ela daria um rosto ao crescente número de divorciadas no início dos anos 1980.
Como uma das metades do casal que se desintegra diante de seus olhos, Faith Dunlap (Keaton) é forçada a lidar com seu marido infiel, George (interpretado por Albert Finney), e tenta encontrar o amor em meio às ruínas de sua situação com um empreiteiro (Peter Weller) que está construindo sua quadra de tênis. Você não chamaria a separação deles de amigável. Todos se lembram da pura crueldade das brigas neste filme — acredite, elas são brutais — e o quociente de amargura é altíssimo.
Mas são os momentos silenciosos de Keaton no filme que nos atingem quando o revemos agora, desde o olhar de choque em seu rosto enquanto os Dunlaps voltam para casa após um evento formal, até Faith fumando um cigarro de maconha na banheira e cantando suavemente “If I Fell” dos Beatles. É de alguma forma o momento mais bonito e devastador em um filme repleto de som e fúria, e é tudo obra de Keaton.
Crimes do Coração (1986)
É a santíssima trindade de atrizes de peso dos anos 1980 (se Meryl Streep estivesse envolvida, seria como Os Vingadores para as mulheres fortes daquela época, cujos nomes ficavam acima do título nos cinemas). E você não poderia pedir um trio melhor do que Sissy Spacek, Jessica Lange e Diane Keaton para abordar a peça vencedora do Pulitzer de Beth Henley sobre três irmãs sulistas lidando com as consequências de um crime — especificamente, um que envolve não apenas o coração, mas o corpo de um dos maridos.
Retornando à casa da família no Mississippi, as irmãs Magrath têm cada uma sua maneira de lidar com a situação; para Lenny Magrath de Keaton, que é mais reservada, isso significa se preocupar que a família seja dilacerada pelo escândalo e lamentar uma juventude que a deixou para trás. É definitivamente um trabalho de conjunto, e a alegria do filme é ver essas três estrelas interagindo entre si. Mas isso não significa que Keaton não tenha seus momentos de destaque, ou que não consiga transformar uma cena simples envolvendo o ato de comer seus chocolates em uma ária de raiva e ressentimento acumulado.
Presente de Grego (1987)
A década de 1980 teve sua parcela de comédias sobre mulheres no ambiente de trabalho corporativo, de Como Eliminar Seu Chefe (9 to 5) a Uma Secretária de Futuro (Working Girl). No meio desses clássicos está Presente de Grego (Baby Boom), a primeira colaboração entre Keaton e Nancy Meyers.
Ela estrela como J.C. Wiatt, uma yuppie obcecada pela carreira que herda o bebê de uma prima que não via desde 1954. Ela acaba abandonando Nova York — e seu namorado banqueiro, interpretado por Harold Ramis — e se muda para a zona rural de Vermont, onde assume totalmente o papel de mãe e inventa comida natural para bebês.
Tinha se passado apenas uma década desde Noivo Neurótico, Noiva Nervosa, mas Keaton passou os anos recentes estrelando dramas; é quase como se ela estivesse armazenando toda essa energia cômica e ansiosa, esperando para liberá-la. Nem um único segundo deste filme de 110 minutos é desperdiçado, enquanto ela tem um colapso histérico após o outro, como quando seu poço literalmente seca e ela desabafa com o técnico de reparos — de forma tão profunda que cai de costas na neve.
Revisitando o filme anos depois, ela ficou surpresa com sua própria atuação. “Eu assisti”, ela disse, “e pensei, ‘Meu Deus, eu não sei como eu fiz isso’”.
O Pai da Noiva (1991)
Logo após O Poderoso Chefão Parte III, Keaton interpretou uma esposa muito diferente — o tipo calma, cool e controlada, que tira o marido teimoso (Steve Martin) da cadeia depois que ele se recusa a comprar um pacote de doze pães de cachorro-quente em vez dos oito que ele queria.
Neste remake da comédia de 1950 O Pai da Noiva, Nina Banks era o contraponto cômico ao seu marido tenso e neurótico, que simplesmente não conseguia aceitar o fato de que a filha, Annie (Kimberly Williams), estava se casando. Nina genuinamente gosta de seu charmoso futuro genro (George Newbern) e do planejador de casamentos caprichosamente estranho, Franck Eggelhoffer (Martin Short). Mas em vez de apenas interpretar uma dona de casa complacente que balança a cabeça para as palhaçadas ridículas do marido — aquele casamento custou US$ 250 por cabeça! —, Keaton trouxe profundidade a Nina, tornando-a pé-no-chão, lógica e incrivelmente engraçada.
Ela ganhou ainda mais material para trabalhar na sequência de 1995, quando Nina engravida junto com a filha, e George vende a casa sem lhe contar. Keaton brilha com cada fala naquele filme também, como quando Annie lhe pergunta se ela tirou uma foto da árvore favorita deles antes de se mudarem. “Apenas um rolo inteiro, querida”, ela responde em lágrimas.
O Clube das Desquitadas (1996)
Como Annie MacDuggan-Paradis, uma dona de casa ansiosa preterida pelo marido em favor da terapeuta do casal, Keaton ofereceu empatia àquelas que lutam para encontrar autonomia no final de um casamento.
Sua química com as co-estrelas de O Clube das Desquitadas, Bette Midler e Goldie Hawn — que supostamente sugeriu Sally Field para o papel de Annie — era inegável e cativantemente convincente. Juntas, era impossível não torcer por elas, e a merecida vingança de Annie, quando ela finalmente se impôs e assumiu a agência de publicidade do marido, gerou aplausos.
O filme não estaria completo sem o trio performando sua própria versão do sucesso de Lesley Gore, “You Don’t Own Me” — um hino para qualquer pessoa tentando se reerguer. Keaton frequentemente refletia sobre o quanto foi divertido filmar este longa, e é um sentimento que o espectador consegue captar. Ela era alguém que realmente apreciava seu trabalho.
Alguém Tem que Ceder (2003)
Keaton colaborou com Nancy Meyers quatro vezes ao longo de sua carreira, mas nenhum filme foi tão satisfatório quanto Alguém Tem Que Ceder. Era uma comédia romântica clássica, mas com uma reviravolta: Meyers rejeitou a ideia de que esses tipos de filmes tivessem que ser estrelados por atores jovens, permitindo que Keaton e Jack Nicholson tivessem a oportunidade de provar que o amor chega em todas as idades.
Ela trouxe uma doçura a Erica, uma dramaturga de sucesso que não sucumbiu à amargura do divórcio. Era fácil ver por que o jovem Julian (Keanu Reeves) estava tão apaixonado por ela — o público também estava.
Ela venceu o Globo de Ouro e conquistou várias indicações adicionais, incluindo a de Melhor Atriz no Oscar. O filme apresenta a memorável cena em que Keaton se despe para uma sequência cômica com Nicholson, e ela disse mais tarde à Interview: “Não era a minha ideia de um bom momento, mas era um filme tão maravilhoso. E, claro, eu fiz a coisa que pensei que nunca faria. Então, o que isso diz sobre mim?”.
Este artigo foi originalmente publicado pela Rolling Stone EUA, no dia 12 de outubro, e pode ser conferido aqui.
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Tiago Iorc internado às pressas: ‘A conta chegou ontem, sem dó’
Tiago Iorc foi internado às pressas no final de semana após sentir fortes dores na região cervical. O cantor revelou neste domingo, 12 de outubro de 2025, que foi diagnosticado com uma crise de hérnia de disco na cervical e passou por procedimento médico com injeções para bloqueio do processo inflamatório.
Através de publicação no Instagram, Iorc tranquilizou os fãs afirmando estar bem e explicou que o problema foi causado por má postura mantida ao longo dos anos. O cantor identificou como fatores contribuintes sua altura, a forma como toca violão, o tempo excessivo no celular e a tendência de permanecer com a cabeça baixa e pescoço curvado por períodos prolongados.
O artista detalhou o funcionamento da hérnia de disco cervical, explicando que entre as vértebras existem discos que funcionam como amortecedores. Quando esses discos são esmagados pelas vértebras devido a diferentes causas, ocorre o herniamento ou protrusão. Esse volume extra invade o espaço dos nervos que se ramificam a partir da coluna, causando dor e outros sintomas devido ao esmagamento.
Esta não é a primeira vez que Tiago Iorc enfrenta o problema. Há aproximadamente quatro anos, ele passou por uma crise similar de hérnia de disco cervical, quando chegou a receber sugestão médica de cirurgia. Na época, conseguiu contornar a situação com tratamentos menos invasivos como osteopatia, fisioterapia e pilates. O cantor admitiu ter se descuidado desses tratamentos com o tempo, acreditando erroneamente que a ausência de dor significava que estava tudo bem.
Iorc destacou que os erros posturais são cumulativos e que eventualmente as consequências aparecem. Ele descreveu a dor como muito desconcertante, impedindo até mesmo encontrar posição adequada para dormir. Devido aos compromissos profissionais e viagens importantes programadas, os médicos sugeriram realizar o procedimento de bloqueio do processo inflamatório com injeções nas áreas afetadas da coluna.
O cantor finalizou sua mensagem aos fãs aconselhando cuidados preventivos com a saúde. Ele pediu que as pessoas cuidem do corpo, da alimentação e da saúde mental, enfatizando que os cuidados diários previnem muitos problemas de saúde.
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SNL: Veja Role Model trazer Charli XCX para ‘Sally, When the Wine Runs Out’
O cantor e compositor Role Model estreou como atração musical do Saturday Night Live (SNL) com duas músicas da edição deluxe de Kansas Anymore, seu segundo álbum de estúdio, lançado em fevereiro.
Após uma introdução da apresentadora do SNL, Amy Poehler, o artista de 28 anos, natural do Maine, iniciou sua performance com “Sally, When the Wine Runs Out“. Em apresentações ao vivo do hit indie pop, Role Model frequentemente convidava um fã, outro músico ou algum convidado especial para interpretar o papel de Sally. Nesta ocasião, a convidada foi Charli XCX.
A cantora pop britânica (que já havia sido atração musical do SNL em novembro passado) foi recebida com gritos entusiasmados de aprovação da plateia. Após dançar e girar o cabelo durante o refrão da música, ela deslizou seus óculos de sol para o rosto de Role Model, soprou-lhe um beijo e, em seguida, saiu da passarela.
A segunda performance de Role Model foi de uma música mais suave, “Some Protector”.
O artista, cujo nome verdadeiro é Tucker Pillsbury, disse que seu álbum mais recente, que sucede Rx de 2022, representa um grande passo à frente em sua carreira.
“Acho que a única coisa que eu queria provar quando o lancei pela primeira vez foi o meu crescimento; minha composição e meu gosto musical tinham amadurecido, e eu também amadureci como pessoa”, ele disse à Rolling Stone em uma entrevista reveladora em abril.
Pareceu uma grande mudança na maneira como eu falava sobre as coisas e escrevia sobre elas, e uma grande parte disso foi eu simplesmente ter chegado a um ponto com o violão onde eu podia tocar bem o suficiente para poder escrever músicas sozinho com ele.
Role Model, que abriu os shows de Gracie Abrams no ano passado e depois foi atração principal de sua No Place Like Tour nesta primavera, será um dos quatro artistas no evento ao vivo Musicians on Musicians da Rolling Stone, que acontece em 23 de outubro no Beacon Theatre em Nova York. Ele fara par com María Zardoya do The Marias, enquanto Jack Antonoff do Bleachers se juntará a Hayley Williams do Paramore, para conversas e performances colaborativas no palco. James Austin Johnson do SNL será o anfitrião.
Role Model começará uma série de shows pela Europa no próximo mês.
Este artigo foi originalmente publicado pela Rolling Stone EUA, por William Vaillancourt, no dia 12 de outubro de 2025, e pode ser conferido aqui.
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+++ LEIA MAIS: Sabrina Carpenter canta com Paul Simon no especial de 50 anos do Saturday Night Live; assista
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SNL: Veja Role Model trazer Charli XCX para ‘Sally, When the Wine Runs Out’
O cantor e compositor Role Model estreou como atração musical do Saturday Night Live (SNL) com duas músicas da edição deluxe de Kansas Anymore, seu segundo álbum de estúdio, lançado em fevereiro.
Após uma introdução da apresentadora do SNL, Amy Poehler, o artista de 28 anos, natural do Maine, iniciou sua performance com “Sally, When the Wine Runs Out“. Em apresentações ao vivo do hit indie pop, Role Model frequentemente convidava um fã, outro músico ou algum convidado especial para interpretar o papel de Sally. Nesta ocasião, a convidada foi Charli XCX.
A cantora pop britânica (que já havia sido atração musical do SNL em novembro passado) foi recebida com gritos entusiasmados de aprovação da plateia. Após dançar e girar o cabelo durante o refrão da música, ela deslizou seus óculos de sol para o rosto de Role Model, soprou-lhe um beijo e, em seguida, saiu da passarela.
A segunda performance de Role Model foi de uma música mais suave, “Some Protector”.
O artista, cujo nome verdadeiro é Tucker Pillsbury, disse que seu álbum mais recente, que sucede Rx de 2022, representa um grande passo à frente em sua carreira.
“Acho que a única coisa que eu queria provar quando o lancei pela primeira vez foi o meu crescimento; minha composição e meu gosto musical tinham amadurecido, e eu também amadureci como pessoa”, ele disse à Rolling Stone em uma entrevista reveladora em abril.
Pareceu uma grande mudança na maneira como eu falava sobre as coisas e escrevia sobre elas, e uma grande parte disso foi eu simplesmente ter chegado a um ponto com o violão onde eu podia tocar bem o suficiente para poder escrever músicas sozinho com ele.
Role Model, que abriu os shows de Gracie Abrams no ano passado e depois foi atração principal de sua No Place Like Tour nesta primavera, será um dos quatro artistas no evento ao vivo Musicians on Musicians da Rolling Stone, que acontece em 23 de outubro no Beacon Theatre em Nova York. Ele fara par com María Zardoya do The Marias, enquanto Jack Antonoff do Bleachers se juntará a Hayley Williams do Paramore, para conversas e performances colaborativas no palco. James Austin Johnson do SNL será o anfitrião.
Role Model começará uma série de shows pela Europa no próximo mês.
Este artigo foi originalmente publicado pela Rolling Stone EUA, por William Vaillancourt, no dia 12 de outubro de 2025, e pode ser conferido aqui.
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Hayley Williams e David Byrne lançam segundo dueto e cantam juntos ‘Hard Times’ em Nova York
Hayley Williams e David Byrne lançaram “Open The Door”, segunda colaboração da dupla. A balada sentimental faz parte da trilha sonora do filme The Twits da Netflix, baseado no romance infantil de Roald Dahl de 1980. No longa, duas crianças e uma família de animais mágicos enfrentam vilões que tentam dominar a cidade.
No mesmo dia do lançamento, 10 de outubro de 2025, Williams fez participação surpresa no show de Byrne no Radio City Music Hall em Nova York. A vocalista do Paramore cantou com Byrne o dueto “What Is the Reason for It?”, do álbum Who Is The Sky? lançado pelo músico em 2025. Mais tarde no show, Williams retornou ao palco para performar “Hard Times” do Paramore, canção que Byrne já havia gravado cover e incluído regularmente em sua turnê atual.
A parceria entre Williams e Byrne começou em 2023/2024 quando o Paramore gravou cover de “Burning Down The House” para o relançamento do filme-concerto Stop Making Sense de 1984, produzido pela A24. Em entrevista à revista People, Byrne declarou que mantém contato regular com Williams desde então e expressou admiração pelo talento da cantora, destacando sua conexão sincera e próxima com o público.
Byrne revelou que “What Is the Reason for It?” surgiu de forma orgânica quando ambos estavam na mesma cidade simultaneamente. O músico enviou mensagem de texto para Williams perguntando se ela gostaria de participar da gravação, e ela aceitou imediatamente.
Hayley Williams tem tido semanas intensas, promovendo seu álbum solo mais recente Ego Death At A Bachelorette Party, lançado em agosto de 2025. A faixa-título do disco gerou controvérsia com figuras conservadoras devido a uma linha sobre um cantor country racista, referência que Williams confirmou ser direcionada a Morgan Wallen. Em entrevista ao podcast Popcast do The New York Times, a cantora declarou: “Pode ser alguns cantores, mas eu estou sempre falando sobre Morgan Wallen. Não dou a mínima. Me encontre no Whole Foods, vadia, não me importo”.
Kid Rock comentou sobre o assunto durante participação no programa da Fox News, fazendo declarações sobre pessoas que se preocupam excessivamente com figurino, incluindo cantores de rock que vivem em Nashville e garotas nos campi universitários com cabelo azul e piercings no nariz, sem mencionar nomes específicos.
Williams respondeu aos comentários de Kid Rock através de story no Instagram, relatando memória de infância em Meridian, Mississippi, quando ouviu pela primeira vez uma música de Kid Rock durante o evento anual da escola Poplar Springs Elementary. A cantora escreveu que achou a música perigosa e interessante, mas depois descobriu que não podia ouvi-la porque a Igreja Batista do Sul dizia que ele era maligno. Williams concluiu ironizando a mudança de posicionamento do rapper ao longo dos anos.
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Kanye West perde espaço do Autódromo de Interlagos a menos de 2 meses do show em São Paulo
O show de Kanye West, marcado para 29 de novembro de 2025 em São Paulo, não será mais realizado no Autódromo de Interlagos. A produtora responsável pelo evento, Holding Entretenimento & Networking, divulgou comunicado oficial informando que o autódromo revogou unilateralmente o termo de cessão de uso do espaço em 8 de outubro de 2025, por meio de e-mail.
Segundo a produtora, todas as obrigações contratuais estavam cumpridas, incluindo reserva formalizada, pagamento do valor integral e cumprimento de exigências legais e administrativas. A empresa declarou ter sido surpreendida com o cancelamento após rumores circularem nas redes sociais sobre a não realização do show no autódromo.
A apresentação permanece confirmada para a data original, 29 de novembro, em São Paulo. A produtora informou que divulgará em breve um posicionamento oficial sobre o novo local do evento e que está em contato direto com a administração do autódromo para esclarecer a situação. O comunicado reafirmou o compromisso com o público e com a realização de um evento compatível com a expectativa dos fãs.
Esta será a única apresentação de Kanye West no Brasil e marca seu retorno ao país após 14 anos. A última vez que o rapper se apresentou no território brasileiro foi em 2011, durante o festival SWU, que contou também com Black Eyed Peas, Snoop Dogg e Lynyrd Skynyrd. Anteriormente, Kanye se apresentou no Tim Festival em 2008, com shows em São Paulo e Rio de Janeiro.
O evento incluirá um palco alternativo com artistas brasileiros como MC Livinho, Kayblack, MC Caveirinha e Vulgo FK. A produção planeja que o espetáculo supere a grandiosidade do show apresentado por Kanye West em Xangai, na China, em julho de 2025.
Kanye West, que atualmente utiliza o nome artístico Ye, confirmou apresentações em outras cidades como parte de uma turnê global, incluindo Xangai na China, Bratislava na Eslováquia e Incheon na Coreia do Sul. O rapper de 48 anos é conhecido por sucessos como “Runaway”, “I Wonder” e “N***** in Paris” e continua sendo uma das figuras mais influentes e controversas da música mundial.
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Quando estreia o 5º episódio da nova temporada de ‘Tulsa King’?
A 3ª temporada de Tulsa King, série do Paramount+ criada por Taylor Sheridan, com Sylvester Stallone (Rocky, um Lutador), já está disponível na plataforma de streaming, com novos episódios lançados semanalmente. Mas quando estreia o quinto capítulo do novo ano?
Qual é a história de Tulsa King?
Em Tulsa King, assim que é libertado da prisão após quase trinta anos, Dwight (Stallone) é exilado sem cerimônia por seu chefe para manter um estabelecimento em Tulsa, Oklahoma. Percebendo que sua família mafiosa pode não ter seus melhores interesses em mente, Dwight lentamente constrói uma equipe de um grupo de personagens improváveis para ajudá-lo a estabelecer um novo império do crime. A sinopse oficial da terceira temporada de Tulsa King diz:
À medida que o império de Dwight (Sylvester Stallone) se expande, também crescem seus inimigos — e os riscos para sua equipe. Agora, ele enfrenta seus adversários mais perigosos até então em Tulsa: os Dunmire, uma poderosa família de dinheiro antigo que não segue as regras do velho mundo, forçando Dwight a lutar por tudo o que construiu e a proteger sua família.”
Quem está no elenco da série?
Tulsa King conta com Andrea Savage (Episodes), Martin Starr (Party Down), Chris Caldovino (Boardwalk Empire), Dashiell Connery (Animal Kingdom), Tatiana Zappardino (O Consultor), Neal McDonough, de Justified e Arrow, Jay Will (Maravilhosa Sra. Maisel), Max Casella (The Good Fight), Vincent Piazza (Jersey Boys: Em Busca da Música), Neal McDonough (Capitão América: O Primeiro Vingador) e Garrett Hedlund (Mudbound: Lágrimas Sobre o Mississipi).
Frank Grillo, de Capitão América 2: O Soldado Invernal, interpreta Bill Bevilaqua, um mafioso de Kansas City, que tem interesses em Tulsa. Na 3ª temporada, os atores Robert Patrick (Pacificador) e Beau Knapp, conhecido por papéis em SEAL Team e FBI: International vão se juntar a Stallone.
Patrick interpretará Jeremiah Dunmire, um homem poderoso com bolsos fundos no negócio de bebidas. Já Knapp viverá Cole Dunmire, filho de Jeremiah e descrito como um caipira rico com loucura nos olhos.
Participação de Samuel L. Jackson
Antes de estrelar sua própria série no universo, intitulada NOLA King, Samuel L. Jackson (Django Livre) fará uma participação especial na terceira temporada de Tulsa King, atualmente em produção em Atlanta e Oklahoma.
O personagem de Jackson será semelhante ao de Dwight “The General” Manfredi, interpretado por Sylvester Stallone (Rocky, um Lutador), um mafioso que, após cumprir uma longa pena de prisão, é enviado para estabelecer uma nova operação criminosa em uma cidade diferente.
Em NOLA King, espera-se que Jackson interprete um mafioso recém-libertado que assume o comando de uma operação criminosa em Nova Orleans, trazendo uma nova dinâmica ao universo de Tulsa King.
Quando estreia o quinto episódio da 3ª temporada de Tulsa King?
Os episódios da terceira temporada de Tulsa King serão lançados semanalmente aos domingos. O quarto capítulo fica disponível, portanto, no próximo dia 19 de outubro, a partir das 4h (horário de Brasília) no Paramount+. Assista ao trailer da 3ª temporada da série:
LEIA TAMBÉM: 2ª temporada de ‘Landman’, com Billy Bob Thornton, ganha trailer oficial; assista
Note: There is a poll embedded within this post, please visit the site to participate in this post’s poll.
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Quando estreia o 5º episódio da nova temporada de ‘Tulsa King’?
A 3ª temporada de Tulsa King, série do Paramount+ criada por Taylor Sheridan, com Sylvester Stallone (Rocky, um Lutador), já está disponível na plataforma de streaming, com novos episódios lançados semanalmente. Mas quando estreia o quinto capítulo do novo ano?
Qual é a história de Tulsa King?
Em Tulsa King, assim que é libertado da prisão após quase trinta anos, Dwight (Stallone) é exilado sem cerimônia por seu chefe para manter um estabelecimento em Tulsa, Oklahoma. Percebendo que sua família mafiosa pode não ter seus melhores interesses em mente, Dwight lentamente constrói uma equipe de um grupo de personagens improváveis para ajudá-lo a estabelecer um novo império do crime. A sinopse oficial da terceira temporada de Tulsa King diz:
À medida que o império de Dwight (Sylvester Stallone) se expande, também crescem seus inimigos — e os riscos para sua equipe. Agora, ele enfrenta seus adversários mais perigosos até então em Tulsa: os Dunmire, uma poderosa família de dinheiro antigo que não segue as regras do velho mundo, forçando Dwight a lutar por tudo o que construiu e a proteger sua família.”
Quem está no elenco da série?
Tulsa King conta com Andrea Savage (Episodes), Martin Starr (Party Down), Chris Caldovino (Boardwalk Empire), Dashiell Connery (Animal Kingdom), Tatiana Zappardino (O Consultor), Neal McDonough, de Justified e Arrow, Jay Will (Maravilhosa Sra. Maisel), Max Casella (The Good Fight), Vincent Piazza (Jersey Boys: Em Busca da Música), Neal McDonough (Capitão América: O Primeiro Vingador) e Garrett Hedlund (Mudbound: Lágrimas Sobre o Mississipi).
Frank Grillo, de Capitão América 2: O Soldado Invernal, interpreta Bill Bevilaqua, um mafioso de Kansas City, que tem interesses em Tulsa. Na 3ª temporada, os atores Robert Patrick (Pacificador) e Beau Knapp, conhecido por papéis em SEAL Team e FBI: International vão se juntar a Stallone.
Patrick interpretará Jeremiah Dunmire, um homem poderoso com bolsos fundos no negócio de bebidas. Já Knapp viverá Cole Dunmire, filho de Jeremiah e descrito como um caipira rico com loucura nos olhos.
Participação de Samuel L. Jackson
Antes de estrelar sua própria série no universo, intitulada NOLA King, Samuel L. Jackson (Django Livre) fará uma participação especial na terceira temporada de Tulsa King, atualmente em produção em Atlanta e Oklahoma.
O personagem de Jackson será semelhante ao de Dwight “The General” Manfredi, interpretado por Sylvester Stallone (Rocky, um Lutador), um mafioso que, após cumprir uma longa pena de prisão, é enviado para estabelecer uma nova operação criminosa em uma cidade diferente.
Em NOLA King, espera-se que Jackson interprete um mafioso recém-libertado que assume o comando de uma operação criminosa em Nova Orleans, trazendo uma nova dinâmica ao universo de Tulsa King.
Quando estreia o quinto episódio da 3ª temporada de Tulsa King?
Os episódios da terceira temporada de Tulsa King serão lançados semanalmente aos domingos. O quarto capítulo fica disponível, portanto, no próximo dia 19 de outubro, a partir das 4h (horário de Brasília) no Paramount+. Assista ao trailer da 3ª temporada da série:
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